This is quite a huge project, and it will probably last several years. Please note that the concept has nothing to do whatsoever with national pride, I do not have one patriotic inch in me.
I am doing it because:
The music is great.
It is a pandemic situation. If I cannot work creatively as I used to, I have silly ideas or go mad. Probably both.
Whenever I played a record from this context at gigs in the past, somebody came up to me and asked me about its origin, and reacted with complete surprise when I told them.
Being born and raised here, you get to meet people who do great music also born and raised here, or living here for a longer time. Some of them became friends, others I admire. Some are quite well known, some lesser so, some are not known at all. I wanted to pay my dues to all of them.
Every record from Italy or Japan was already featured.
Times are hard. I need to boost certain Discogs stocks.
Club music from Germany, Austria and Switzerland? You mean like Techno? Mostly no.
Club music from Germany, Austria and Switzerland? You mean like Minimal? Mostly no.
Club music from Germany, Austria and Switzerland? You mean like House? Mostly yes.
Haha, seriously?
Yes, you’d be surprised.
Hausmusik is airing the first Thursday each month. I will also put the episodes online in a dedicated playlist with download option and tracklist at Soundcloud and hearthis, one week later.
I put up a list with the records I used. It will be updated as soon as I finish recording another episode, so you can check upcoming content if you are impatient: https://www.discogs.com/lists/Hausmusik/713743
Please also note, this retrospective is highly subjective. If I did not include a particular record you love (or produced), it is either because I do not know it, or I do not have it. But please feel free to tell me about it!
I hope you enjoy listening to the music as much as I do.
Finn, wann und wo wirst du das nächste Mal auflegen?
Das ist nächste Woche (Ende Dezember), da feiern wir zwei Jahre Druffalo in der Paloma Bar. Und zehn Jahre Druffalo insgesamt, aber das feiern wir schon das ganze Jahr lang. Wir machen das so ein bisschen wie am Anfang, denn Kummi und ich spielen 70er-Jahre-Disco auf dem oberen Floor. Da kommen aber auch recht viele Rare-Soul-Fans, um bei uns zu tanzen, weil sie Disco für sich entdecken. Für die gibt’s dann den unteren Floor.
Hast du dich schon auf den Abend vorbereitet?
Dieses Mal habe ich sogar schon komplett gepackt. Über Weihnachten fahre ich nach Kiel und komme erst kurz davor wieder, das wäre sonst zu hektisch geworden. Da habe ich jetzt die Tage einfach einen freien Abend genutzt und Platten rausgestellt und gepackt. Den Stapel noch schnell in den Trolley gerammt und ich könnte loslegen.
Reicht denn da überhaupt eine Tasche?
Ok, vielleicht werden es auch zwei. Bei so einer Disco-Nacht kannst du nicht die ganze Zeit nur ein Tempo spielen, das geht einfach nicht. Theoretisch ist es möglich, macht aber nicht viel Spaß. Deshalb habe ich in solchen Fällen immer noch eine zweite Tasche mit so langsameren Sachen dabei. Gerade bei so einem Discoabend muss das Ende eben emotional sein – und möglichst alle müssen weinen.
Kam das schon häufiger bei euren Partys vor?
Sehr oft sogar! Wir haben mit der Musik schon gestandene Männer zu Tränen gerührt.
Wieviel Auftritte hast du derzeit ca. pro Monat?
Das sind etwa drei bis vier.
Packst du dafür jedes mal neu oder bleiben schonmal alte Platten im Case?
Meistens packe ich komplett neu. Eine Ausnahme sind die Residencies, weil wir da halt schon einen bestimmten Sound spielen, ohne aber immer das gleiche Set zu spielen. Wir machen da ja nicht nur Disco, sondern auch mal Garage und so. Da achte ich aber auch darauf, dass ich mich nicht zu sehr wiederhole. Es gibt natürlich so ein paar Druffalo-Hits. Und bei der „Power House“-Reihe mache ich das eigentlich genauso. Ich habe so viele Platten in der Richtung, da muss ich mich nicht wiederholen. Da stellt man sich ja auch jeweils neu auf den anderen DJ ein. Für die Club-Gigs an sich packe ich aber wirklich immer komplett neu. Zum einen weil ich Routine hasse, das macht mich wahnsinnig. Und ich bin kein Touring-DJ und zwischen den Auftritten immer wieder zu Hause.
Gibt es aber dennoch so zwei, drei Platten, die du häufiger dabei hast?
Bei den Discoabenden muss ich auf jeden Fall eine Chic-Platte dabei haben. Für den Schluss gibt’s auch so ein paar Favoriten. Zum Beispiel „Touch Me In The Morning“ von Marlena Shaw. Und so eine richtig klassische Druffalo-Platte ist auch Nicolette Larson – „Lotta Love“. Beim House und Techno ist das zum Beispiel „Reasons To Be Dismal“ von den Foremost Poets, die habe ich wirklich oft dabei, so eine alte Nu Groove.
Wie lange brauchst du in der Regel, um Platten zu packen?
Das hat sich über die Jahre total geändert. Ich lege ja jetzt schon seit dreißig Jahren auf. Früher hatte ich immer die gleiche Grundprämisse: Was würde ich selbst gerne hören, wenn ich heute in den Club gehen würde? Früher habe ich dann aber immer viel zu viel mitgenommen, weil ich damals aber auch viel mehr improvisiert habe.
Was genau meinst du mit improvisiert?
Ich habe einfach losgelegt, eine Platte nach der anderen gegriffen, dann hat sich das von alleine ergeben. Da habe ich auch viel mehr stilistische Sprünge gemacht. Aber irgendwann wurde mir das dann zu viel, das alles mitzuschleppen und bekam so meine Rückenprobleme. Das hat mich dann auch irgendwann gelangweilt. Denn wenn man auf zu viele Sachen reagieren kann, verliert man irgendwann den Fokus. Ich konnte das sehr gut, sehr eklektisch und offen, aber dann bin ich dazu übergangen, eher thematisch aufzulegen.
Was sich in den letzten Jahren ja auch in deinen Mixen widergepiegelt hat. Man merkt, dass du dich gerne an Themen, Stilen und Genres abarbeitest.
Ja, auf jeden Fall. Ich habe ganz oft so einen Quartalsfimmel, wo ich gerade Spaß daran habe, etwas wieder oder auch neu zu entdecken. Und das nutze ich auch für Gigs, wenn es geht. Ich bereite mich inzwischen auf jeden Fall sehr genau vor. Einfach aus dem Grund, dass ich durch die ganzen Jobs und meine Familie kaum Zeit habe. Und da bin ich dann dazu übergangen, mir das insofern leichter zu machen, dass ich recherchiere, wo spiele ich, was ist das für ein Club, was läuft da normalerweise für Musik, was sind das für DJs mit denen ich auflege. Das lasse ich auch gerne mal meinen Booker fragen, was möchten die, was haben die von mir gehört, was sie toll fanden.
Führt diese genaue Vorbereitung und diese Abkehr vom eklektischen Auflegen dazu, dass du schneller packst? Weil du genauer weißt, wo du in deiner Sammlung gucken musst – und nicht nochmal alles durchgehst.
Nee, eigentlich nicht. Verschiedene Stile erfordern einfach verschiedene Arten der Vorbereitung. Es hat schon seinen Grund, dass auf vielen Discoplatten die BPM-Zahl steht. Das Live-Drumming ist da auf jeden Fall ein Faktor. Ich packe Disco zum Beispiel schon sehr strikt nach Tempo. Von da aus geht es dann um Harmonien oder Texte, die zueinander passen. Das ist eine andere Art von Vorbereitung.
Ich arbeite auch bei der Musik immer an recht vielen Dingen gleichzeitig, habe so vier bis fünf Stapel rumstehen, für bestimmte Auftritte oder manchmal auch Mixe. Die bestücke ich so nach und nach, das kann auch schon mal mehrere Wochen dauern. Wenn ich abends mal ein paar Stunden Zeit habe, wühle ich mich durch meine Sammlung, so macht mir das am meisten Spaß.
Machst du das bei anderen Platten auch, die BPMs drauf schreiben?
Ich spiele schon ewig Disco, das höre ich recht schnell raus. Die stehen nicht im Regal vorsortiert, aber wenn ich eine rausziehe, dann weiß ich das schon ungefähr einzuschätzen. Bei House-Sets ist das eigentlich überhaupt kein Faktor. Ich mag das, wenn man Sachen verknüpft, die sich gegenseitig als Referenz bedingen. Beim Reggae zum Beispiel das Original und dann die Version dazu, das kann man bei House auch machen. Also zum Beispiel einen Vocal-Mix mit einem Dub-Mix. Oder Cover-Versionen, einfach Tracks, die die gleichen Samples haben. Ich mag das, weil man da so kleine Botschaften verpacken kann. Ich kaufe die Platten nicht gezielt danach, das sind eher so Zufallsfunde, wenn ich so durch die Regale gehe. Das mag ich so daran, dieses Beschäftigen mit der eigenen Sammlung. Read the rest of this entry »
I would like to maintain that no music is really rare these days. It is likely just a few clicks away, and if you can afford to purchase it, it is just one click further. Nevertheless there is also a whole market built on DJs that play rare music, or who are reliably making music rare. They are often announced as DJs that dig deeper than others. Now finding music that others DJ do not play is or at least should be more or less an integral part of DJing, and to use it as a sales point seems at least debatable. Then again, a whole lot of DJs do not mind playing the same music as others, and if this special market segment injects some diversity or unpredictability, it should be nothing to complain about. The according DJs might also not opt for rarity status intentionally, often they just play out music they like, and a lot of people like the music as well, and they want to own it, too. And as these DJs are usually well documented, too many wantlists soon exceed the supply, and the music gets expensive. Well, of course a lot of DJs are also intentionally playing rare music to maintain a certain status, and in the process they exhaust the surprise potential of the music because other people learn about the music and subsequently seek access to it. It does not make the music cheaper either. Most of the DJs who trigger such chain reactions are able to do that for certain reasons though. Nearly all of them have the necessary well-developed taste buds, experience and the according deck skills to present all of it. Some are old enough and bought the music when it originally came out, some are younger and just knew where to look later on. Regardless of age all these DJs were probably spending a considerable amount of time learning about music, and they were also not afraid to invest a lot of time finding it. But once you made your name on this special circuit, finding rare music is also getting easier. You establish a network with other likeminded DJs and exchange knowledge, and when you enter a record store or an distribution office, you are likely to be given valuable information about rare music, just because you are who you are. At best, you either play enough gigs to afford any kind of music you want, or you pull enough attention to just being given it for free. Some might not even really possess the music in its original form, maybe they just have the files. You cannot really tell these days, I suppose.
But what do you do if you like the music these DJs play? Of course you can wait until some label reissues rare music you are looking for, which is actually very likely nowadays, but it is still music that was already discovered and played out by people as mentioned above, and you cannot really gain status by showing off with records that others already added to the canon of desirable items, particularly if you do not own the original issues. The other thing is that not every record you would like to have gets reissued, or you just do want to wait for it. Or you belong to the majority of DJs that simply cannot afford to buy such originals, but you still want to establish a reputation as a decksman who finds things. If your budget is limited your chance of finding that box of sealed copies or private pressings in a seedy basement or a rural shack is limited as well, because you just cannot travel to such locations. But also in an actual record store, or online, your chance of finding those for little money is near zero. Everything is connected. It is way easier to learn about records nowadays and then buy them, but it is also easier to check what they are worth. That works the same way for shop and customer, so surprise finds are restricted to stores that really do not care much about technical progress. And these are a rare species, probably nearing extinction.
At some point I decided to play less old rare records, regardless if I bought them for a regular price, found them by chance in a bargain bin, or paid a lot of money. I felt they lost their appeal if too many people in the club already knew how special they were, or if too many other DJs already had similar ideas. So I went the other way and started playing cheap records that everybody else seemed to not know, or had forgotten about. Personally, I am now not digging more than ever, but it feels like it. And I loved the reactions of dancers and fellow DJs who checked Shazam or Discogs only to realize the record that just had everybody screaming was available from plenty of sellers in numerous countries for very little money. For some the tune they wanted the minute before instantly became contaminated, inacceptable, uninteresting. Others discovered they could possibly gather a set of several hours for the price they expected a single tune to be worth.
There are a lot of ways to find those tunes. For example there are a lot of discographies by artists and labels that just have one or a few rare items. But what about the rest? Well, just check. The best way to find cheap alternatives that are as good or even better than that holy grail is to look left, right, and even elsewhere. Follow the credits, look for peculiar track titles or designs, isolate individual sounds, notice who did that dub on B3, and if you like what you hear, check what else they did, under what moniker. In the process you will learn about local scenes, sounds attached to a certain period of time, sellers that have an inventory that might offer things you were not even expecting yet. And then you proceed from there, as wherever you might find something you like, there might be more. If you think this reads really obvious, try it out. It is not as easy as you might think it is, and it requires a whole lot more time and initiative than just going with established decision makers. But it is also a whole lot more rewarding, and personal.
I am well aware that presenting some cheap finds here is a tad contradictory in that aspect. But I just want to prove what you can find, and I just can’t help telling people about certain music anyway, and some might even like it as much as I do. And if they look on their own they might find something that I did not know about, and I want them to tell me. Thus the knowledge is spread and things move forward. I am also aware that some records might get rare and expensive by being featured in this column. But you know what? It does not really matter. There are plenty more fish in the sea. And there is more life at the bottom.
Tyrone Ashley – Looks Like Love Is Here To Stay (Safari, 1977)
A lot of people still disregard Ian Levine. He started out as a collector and DJ in the original rare soul scene of the 70s, he was wealthy, gay and outspoken and he modernized (and split up) the whole movement by adapting more contemporary sounds from US club culture, thereby introducing classic disco and later Hi-NRG to the UK and beyond. He also discovered, managed and produced a lot of hugely successful pop acts, and did not mind to deform the original soul singers and tunes he started out with in the business with weird, cheap sounding updates. I quite like him for all of that, but I particularly like his songwriting and productions in collaboration with Fiachra Trench in the 70s disco era. I doubt he will ever get the respect he deserves, probably he does not even care. But listen to this gem: the right clues from the melodies he spent so much money on as a record collector, a state of the art orchestration and arrangement, and it hits all the right spots on the floor. And there’s plenty more disco ecstasy where this came from.
In discussion with Aiden d’Araujo on “Rhythm Zone Vol. 1” (1989).
You chose the cassette compilation “Rhythm Zone Vol. 1“. A format that in the 80s was probably still more common for discovering new music than its according CD counterparts. Were you taping radio at a young age, and was this your first foray into purchasing what already had caught your interest?
Yeah taping radio shows was a ritual when I was a kid – got that off my Mum who would tape mixes religiously. In the early nineties around ’92/’93 we had a studio in the loft with loads of gear like Junos and Rolands. The two guys who had the studio (you may have heard one of them under his Deadly Avenger alias who released the ‘Deep Red’ LP and now scores Hollywood films) lodged with us and I remember like it was just yesterday all the trippy, ambient electronica comin’ outta the studio – I would say reminiscent of acts like the Future Sound Of London. No doubt this influenced my Mum and she amassed a series of tapes that had early electronic auteurs on then such as Pete Namlook, Move D and Biosphere (she’s still got ’em!) whose nocturnal opus ‘Novelty Waves’ never fails to transport me straight to my childhood – you remember that iconic Levi’s advert featuring the steam train with that track on it right? Anyway, all these deep as the ocean odysseys would be the soundtrack to when I went to sleep. Warp’s ‘Artificial Intellgience’ comp was another fave, and I’d always be messin’ around with the FM dial to try scope out some more otherworldly obscurities…
Another interesting development was one of my Mum’s mates who when not spraying murals (he was and still is a revered graffitti artist who very kindly sprayed the House Hunting mural for me) would host shows on Birmingham-based pirate radio station Mix FM which he would sometimes transmit from our attic. This would be my introduction to Hip Hop – whether the Britcore of Gunshot and London Posse, West Coast flavour of Snoop Dogg and Souls Of Mischief or the politically-charged Public Enemy and ghetto rap of Biggie and Wu-Tang. GZA’s ‘Liquid Swords’ and Souls Of Mischief’s ’93 Til Infinity’ always on rotation must have proper wore those tapes out on my Walkman. As well as Hip Hop on Mix FM there would be some Soul, Funk, Disco, Electro and House – which when you’re 8 years old listening to all this was a pure mind trip…
So I didn’t really need to buy tapes as there were so many avenues where I was exposed to it. Another influence was my Dad who was split from my Mum so I would stay at his on weekends 10 mile up the road in Leicester. He was in a band that covered a lot of Rock and Blues classics who were a bit of a hit in the mid-nineties with loads of bookings all over The Midlands. Anyway Leicester has a big Afro-Caribbean community and every year hosts the Leicester carnival (second only to Notting Hill in size and scope) with Aba-Shanti representing so Dub and Reggae was also the sound of my Dad’s household – he loves all the Rhythm & Sound albums I’ve got him!
Did you try several compilations and this was the one you liked best, or was this the only one at first, and by coincidence it was also the best choice to get introduced to the US import dance music styles it showcased?
This was the first I bought and I remember clocking the naff early 90s trippy artwork complete with the tag line “A galaxy of imports for under a fiver”. It was a quid so had to be copped – I thought it may be like the deep trips on my Mum’s armada of ambient tapes. It was pure coincidence that the first one I got was the best introduction to Chicago House, Detroit Techno and New York Garage. Not long after I bought ‘The Rave Gener8tor II’ tape where again the cover art enticed me and had some choice cuts on it like the Underground Resistance remix of ‘The Colour Of Love’ by The Reese Project and some Murk flavour via Liberty City’s ‘Some Lovin’. There were only a few decent tracks on this one though as was on a more hardcore tip which I weren’t feelin’ as much. Always went back to ‘Rhythm Zone Vol. 1’. Read the rest of this entry »
Moral – Trees In November
Ajukaja & Andrevski – Mesilind
Walt J – Horns Of Plenty
KB Project – Feel It
Universo – Yebo
Lowtec – Man On Wire (Reconstruction)
K.A. Posse – Shake (Joe Smooth Mix)
Geena – Tone Loc
Mosey – Live A Little
Luca Lozano – DJ Fett Burger – Telegronn
PLO Man – Type Damascus
Shanti Celeste – Moods
Chaperone – All Your Emergencies
Boo Williams – Freaky
Donnie Tempo – Tazmanian Virus (Sims JFF Edit)
Harmonious Thelonious – Industrielle Muziek
Minor Science – Closing Acts
DJ Stingray 313 – Acetylcholine
KiNK – Vodolaz (Elektro Guzzi Version)
MD Jr. – Survival Of The Richest
Unspecified Enemies – Ms. 45
Merle – Mimi Likes 2 Dance
House Of Doors – Starcave
Superpanzer – Die Tollen, die nicht so Tollen, und die Häßlichen
Finn, what memories do you have of your first DJ set?
It was mostly playing records at school and private parties from the mid 80s on, playing a variety of Disco, Soul, Synthpop and Post Punk. I’d like to remember that as eclectic, but probably chaotic would be the more apt description. Actually my memories of my first forays into playing out in public are bit hazy by now. After all, that was nearly 30 years ago. What I vividly remember was a Soul allnighter in a basement club of my hometown of Kiel, in ’86 or ’87. Actually it was a whole Mod Weekender, with several events all across town. My friend Ralf Mehnert, who became a well respected Rare Soul collector and DJ, and me took over the Soul part of the proceedings, playing records for a crowd that consisted of mods and other hip folks, but predominatly drunk scooter boys. Somebody saw them standing outside, mistook them for skinheads, and alerted the most notorious local Turkish street gang. They arrived not much later, crashing the door and storming down the stairs, only to face quite a crowd of completely unimpressed heavy parka-clad folks. Ralf and me ducked away in the DJ booth and things got really messy. About 30 minutes later there was no intruder left and the party continued as if absolutely nothing had happened. There were numerous other similar experiences. Kiel was quite a tough city, probably still is.
Can you re-engineer what influence being a small town boy – born and raised in Kiel, in Northern Germany – had on your musical education?
I did not really feel limitations. There were record stores as Tutti Frutti or Blitz which were very well selected with electronic music of the 80s, Punk, and experimental stuff. And quite a number of second hand stores to choose from, where I mostly bought Soul, Disco and obscure 60s and 70s records. Some of those acquired bigger record collections from Danish libraries and sold each record for 2 Deutschmarks, regardless of format. I purchased the bulk of my Disco collection in those years, for example. You did not have to spend much, so you would explore what you would have otherwise not listened to. I had a lot of friends who were very interested in music, and there was a constant exchange of knowledge, good and bad finds. It was all very social. I made regular record shopping trips to Hamburg, too. There were plenty of excellent record shops there, for everything of interest to me. I always looked for dance music of any kind, and Hamburg had stores that were importing records since the Disco era. They had the contacts and the knowledge.
And as for the clubs?
I did not mind being in a smaller town either. There were quite a few. The DJs mostly did not mix much and played all over the board stylistically. There was a tendency to play music in topical blocks. A 30-minutes block of Disco, followed by a 30-minutes block of New Wave, then Hip Hop, then some Rock, then Soul, then slow songs, then everything all over again. Once a few tunes worked together and on the floor, the DJs tended to rely on the according selection and did not change it for what seemed to be years. That drove me mad, but in retrospect I could hear lots of different music in one single night, and that left a mark on me. You learn about the contexts of what you hear, and how they relate to each other. I still make use of that. I travelled a lot, and I have been to a great number of clubs in my life, but when I moved to Berlin I was already in my early 30s. I spent my formative years up North. I did not move because I had to get out either, I left because the job situation was difficult for me. If I would had found an interesting job at that time, I probably would have stayed. I still go back regularly, I have family and friends there, and I still miss the sea.
You were born into club life by the sets of Klaus Stockhausen at Front Club in Hamburg, when you were dancing the nights away at the age of 18. What made this experience so fundamentally alluring to you?
I started going to clubs in Kiel in the early 80s, 12 or 13 years old, then to Hamburg clubs only a few years later. Most clubs in Hamburg were not as different to Kiel as they maintained to be, but the people had arguably more style and the music was more specialized. You went to certain clubs for a certain kind of music. I had been to some gay clubs in Kiel before, but they seemed to be stuck with a soundtrack that had been tried and tested for years, classic Disco anthems and the occasional Schlager drama excursion, and the scene was not that open. You often felt like the stranger entering the saloon, and the crowd often was more made up by people with a common taste in music and fashion that just happened to be gay. A lot of 80s fops and some sugar daddies. It could be fun, but more often it was not. These people had to live with other prejudices and repressions than just getting beaten up for the style of the subculture you had chosen for yourself, like I did, and you did not belong.
And Front Club was different?
Absolutely. When a friend took me to the Front Club in early 1987 that was dramatically different. The crowd was predominantly gay, but if you were not, like me, nobody seemed to care. I was aware of the major role gay subculture played in the evolution of dance music, mostly by reading features about legendary Disco clubs in magazines, but they were about Bianca on that horse for instance, and not about what was booming from the speakers as she rode in, which was exactly what interested me most. Front was the first club where I could actually experience it, and even be a part of it. And Klaus Stockhausen was the first DJ I ever heard who did not only play records, he mixed them. Like no other I heard ever since. It was not that I did not know any of the music before, but he was transforming the records into something else. And the club itself was incredibly intense, I have never witnessed something like that again either. A dark, gritty basement filled to the brim with extravagant people who completely lost their minds on the floor. And my first visits were coincidentally a good timing, because it was the transitional period between the music played there from 83 on, and House. House was introduced there much earlier, but it still was not ruling the playlist. It was brilliant to hear Stockhausen play favourites I loved from the years before, and more often records I never heard, and then the added early Chicago House sounds that seemed to have swallowed decades of dance music history only to spit them out as this raw, primitive version of it. It fit the club perfectly, and soon I was heading over to Hamburg on weekends as much as I could, because I simply could not get enough of the experience. That lasted until around 1995, and then I took up a residency in Kiel for almost ten years, and it kept me well occupied. But just think of all the incredible music released between 1987 and 1995. It really were the blink and miss years of what we still hear today, and I could be witnessing all crucial developments right on the floor, played by the best DJs, and dancing to it in the best club with the best crowd. Good times.
When did you start collecting records? During those blink and miss years?
No, much earlier. The little money I had I spent on records since I was about 6 years old. My parents gave me a record player, and the Forever Elvis compilation, plus radio and cassette recorder and they were my favourite toys by then. Especially the radio was very important. I spent endless hours recording music from the radio, cursing presenters for talking too much over songs I liked. And the hit music played on the radio in the mid 70s was just great. Chic and Roxy Music were probably my favourite bands. And all those weird and wonderful Glam Rock acts. But luckily enough I had also a chance to catch the music from early on that was not deemed fit for airplay. I had an uncle who had the idea to buy record collections at judicial sales, and he often gave me the records he did not like. Thus I could become the proud owner of Can’s Monster Movie or the first Suicide album and several obscure Soul albums when most of my classmates were still just listening to the charts. I know this sounds terribly made up, but it is the truth. And at a very young age you tend to play your favourite records over and over and over, your relationship to music is very intimate and deep. Soon I felt quite confident in my taste, and I was spending more and more time and money on music. But I actually had not the faintest idea how much great music there really was out there to discover, and I had yet to meet the right people to share my passion for it. That changed as soon as I could sneak my way into clubs. Read the rest of this entry »
(photo by Tom Lawton, very early morning @ Summer Sound System, Glasgow, 2005)
These days the Discogs Marketplace seems to outweigh the website’s initial purpose of building a research database and there is a lot of talk about the value of certain releases, and less talk about what said releases actually sound like. So I decided to compile this playlist by organizing my collection at Discogs for the highest median prices fetched at the Discogs Marketplace, and then selected items from the first pages that in my opinion justify demand by classic status. If this is what is wanted by so many Discogs users, you can thus have an impression of how the records sound in action, and decide for yourself if they are worth the effort. Items sought after due to recent hype and speculation efforts by producers, labels and sellers of any kind were decidedly neglected.
Dedicated to all the people who created the monster, and to those who do not abuse it. I salute you.
Andthoney & M. Kinchen – The Feeling (Prescription) Dream 2 Science – My Love Turns To Liquid (Deep Water Mix) (Power Move) Vil-N-X- What Cha Gonna Do (Vil-N-X Stra Mental Mix) (Island Noyze) DJ Sprinkles – Bassline.89.1 (Comatonse) Nature Boy – Unda Me (Ruff Disco Records) Unknown Artist – Untitled (Magnet Sounds) Jovonn – Back 2 The House (Goldtone) Shake – 5% Solution (KMS) Unknown Artist – Untitled (Chicago Underground) Kikrokos – Life’s A Jungle (Ron’s Edits) K. Alexi Shelby – My Medusa (Transmat) The Prince And The Wizard – The Music Is Kickin’ (City Limits) Gherkin Jerks – Parameters (Alleviated) Ace & The Sandman – Let Your Body Talk (Saber) Schatrax – Restless Nights (Schatrax) The System – You’re In My System (Atmospheric Dub) (Ibadan) Unknown Artist – Untitled (Other Side) Boo Williams – Make Some Noise (Relief) Circulation – Emotions Unknown (++Force Mix) (Balance) Freaks – 2 Please U (Surreal Visits Dub) (Playhouse) Moodymann – I Feel Joy (KDJ) MD – Cold Cuts (United States Of Mars) Octave One – Nicolette (430 West) Vincent Floyd – I Dream Of You (Dance Mania) Low Key – Lovemagic (Serious Grooves) John Beltran Feat. Open House – Earth & Nightfall (Sinewave) Claude Young – Dream Of Another Time (Utensil) Fingers Inc. – A Love Of My Own (Extended Club Mix) (Alleviated) B.F.C. – Please Stand By (Retroactive)
Durch die Umwälzungen, die durch Downloads und digitales DJing ausgelöst wurden, rückte im letzten Jahr mehr und mehr eine Käuferschicht in den Vordergrund, die zwar immer befriedigt wurde, und befriedigt werden wollte, aber selten so direkt in der Peilung war: Sammler und Komplettisten. Man konnte sich als Künstler, Label und Vertrieb schon immer auf diese Konsumenten verlassen, wenn man Veröffentlichungen mit wie auch immer geartetem Mehrwert verkaufen wollte, doch nun schien es fast, als wäre man in Zeiten schwindender Erlöse aus physikalischen Tonträgern direkt auf sie angewiesen.
Vor allem am Discogs Marketplace, dem mittlerweile ausschlaggebenden Gebrauchtmarkt für elektronische Musik, ließen sich Entwicklungen verfolgen, die vorher zwar auch existierten, aber in schwächerer Ausprägung. In Zeiten des virtuellen Informationsüberflusses konnte man sich binnen kürzester Zeit mit dem nötigen Wissen ausstatten, um das jeweilige Sammelgebiet in Angriff zu nehmen, und dann war auch alles gleich verfügbar, denn es drängten weitaus mehr als zuvor ältere und neuere Second Hand-Platten in den Markt. DJs lösten ihre vorher digitalisierten Plattensammlungen auf, um sie danach gewinnbringend zu verkaufen, und viele neue Händler, von heftigen Verkaufspreisen für Raritäten angelockt, versuchten ihr Stück vom Kuchen abzubekommen. Folglich fiel der Preis für etliche vormals kaum erschwingliche Releases zusehends. Um da noch auf einen vernünftigen Schnitt zu kommen, musste man sich als Verkäufer auf ein Angebot spezialisieren, das entweder über Masse den Profit generiert, oder die Klasse anbieten, die eben noch nicht vom Preisverfall betroffen war. Also ältere Platten, die seit Jahren einfach immer selten und teuer waren und sein werden, und neuere Platten, die vom Release-Termin an einfach nur darauf ausgelegt waren, selten und teuer zu sein.
Die Produktionsseite stellte sich jedenfalls schnell auf die neuen Tendenzen ein. Den Boden bereitete eine Vielzahl von Wiederveröffentlichungen, entweder gewissenhaft lizensiert, ausgestattet und kuratiert, oder höchst windige und schnellgeschossene Bootlegs, und beider Release-Plan orientierte sich ziemlich präzise an Angebot und Nachfrage des Gebrauchtmarktes. Je rarer, je lukrativer. Erstaunlicherweise waren vor allem viele Bootlegs oft dicht dran am Preis der Originale, ohne das Original-Artwork, oder sogar das Original-Tracklisting bieten zu können, und verkauften sich trotzdem prächtig. Sei es Bequemlichkeit oder Kaufreflex, charakteristische Verhaltensweisen des Sammlerpublikums ließen sich nicht nur bestenfalls effektiv einkalkulieren, sie wurden auch schlimmstenfalls schamlos ausgenutzt.
In einer beachtlichen Anzahl von Vertriebsankündigungen fiel das Wort „limitiert“, ungeachtet der Tatsache, dass viele Platten ohnehin nicht mehr Auflage absetzen können, als sie limitieren. Das ist keine neue Strategie, und eine durchsichtige dazu, die aber immer noch oft funktioniert. Man hat mehr Plattformen und Kanäle zur Verfügung als je zuvor um Beschaffungshektik auszulösen und dem Käuferkreis zu versichern, er könne leer ausgehen, wenn er sich nicht sputet. Oft ist das tatsächlich der Fall, das ist prinzipiell seit jeher der Schnelllebigkeit der Clubmusik geschuldet, entsprechenden Risikokalkulationen, aber auch dem Bestreben, mit künstlicher Verknappung ein Sammlerobjekt zu kreieren. Künstler bzw. Label erhoffen sich Releases, die durch unbefriedigte Nachfrage gesucht sind und somit den Backkatalog aufwerten, der Käufer erhofft sich, im Besitz eines Sammlerobjektes zu sein, auf dessen zeitnahe Aufwertung sich spekulieren lässt. Tatsächlich steigen viele schwer erhältliche bzw. schwer erhältlich gemachte Platten rasant im Preis und lassen sich dann gewinnbringend wiederverkaufen. Diese Preise fallen aber ebenso rasant wieder, da muss man den Kurs sehr regelmäßig im Auge behalten.
Der stärkste Motor dieser Vorgänge ist natürlich der Kultstatus. Und hat sich ein Label oder ein Produzent mit entsprechendem Output diese Stellung erarbeitet, ist es zwar nicht zwingend, aber durchaus legitim, wenn sich das im Preis von Veröffentlichungen niederschlägt, sofern der Output diese Vorgehensweise auch über einen längeren Zeitraum rechtfertigt. Als Verbraucher muss man für sich selbst entscheiden, ob man bereit ist, für den Namen mit zu bezahlen, was dann auch einer Respektbekundung gleichkommt, oder ob sich dieser Name mit der Zeit verbraucht. Und da die Berichterstattung heutzutage eher mehr Nachschub an Namen braucht als früher, kann das schneller gehen als ursprünglich gedacht. Auf jeden Fall gilt auch hier, dass es mindestens genauso schwierig ist, einen Status zu erreichen, wie ihn zu behaupten. Wer konstant ein paar Euro mehr auf den Einkaufspreis aufschlägt, weil er sich seiner Fans sicher wähnt, muss auch entsprechend liefern, denn Sammler sind nicht nur schnell entflammt, sie kühlen auch schnell wieder ab, und sie sind potentiell nachtragend. Der Bogen lässt sich oft eine ganze Weile überspannen, aber dann ist nicht nur genug, sondern Schluss, und man kehrt meistens auch nicht zurück. Es gibt immer noch genug andere Fische im Teich.
Paradoxerweise ist der Mehrwert, den Vinyl-Releases als Abgrenzung zu Audiofiles bieten sollten, zum Problem geworden. Pop- und Szenestars sowie sonstige Veröffentlichende in Aufschwung, Stagnation oder Abschwung schließen die Tore von Beginn an über Auflage, Preis und verkomplizierte Verteilungen an ausgesuchte Läden, und Sekundärhändler multiplizieren die Anfangsgebote um ein Vielfaches. Alles oft bevor die Releases überhaupt wirklich in den Handel gekommen sind.
Und so mancher wird sich schon binnen kurzer Zeit fragen, ob die vorsichtshalber doppelt gekaufte limitierte Erstauflage mit Vollbildcover, das Poster, oder der unveröffentlichte Bonustrack den ganzen Hassel wert war. Wenn man nicht nur sowieso gar kein Cover hat, ein gestempeltes Label, und Musik, die eigentlich nicht die Qualität hat, in den Gegenwert hinein zu altern, den man ursprünglich angemessen bezahlt zu haben glaubte. Bis dann der nächste Hype losgetreten wird.
Als jemand der schon seit vielen Jahren jeden Tag aufs Neue mit Artworks für Vinyl-Veröffentlichungen umgeben ist, hat sich die Herangehensweise an das Thema von Label-Seite geändert, seit die Produktionsbudgets schrumpfen?
Ich habe in puncto Vinylgestaltung zwei gegenläufige Trends beobachtet, um mit der oft beschworenen Krise umzugehen; einerseits der Stamp/DIY-Ansatz, der u.a. von Veröffentlichungen, die mit Hard Wax assoziiert werden (z.B. MMM, WAX oder MDR), losgetreten wurde und andererseits, besonders in den letzten ein, zwei Jahren, auch eine Tendenz zum aufwändig und professionell hergestellten Vinyl-Release. Dabei denke ich besonders an einige Labels aus UK. Daneben gibt es auch Mischformen, wie ein clever gestaltetes Universalcover, das mit Hilfe von Stempeln oder Aufklebern an das aktuelle Release angepasst wird, oder auch mit Siebdruck oder anderen Handarbeitstechniken hergestellte Fast-Unikate. Im Grunde steht immer die Frage im Raum: wie bei kleinen Absatzzahlen trotzdem zumindest auf eine schwarze Null kommen? Produktionskosten gering halten oder teurer zu verkaufende Sammlerobjekte schaffen?
Ist Artwork für ein neu gegründetes Vinyl-Label immer noch ein Aspekt, in den investiert werden sollte? Was kann man mit einem gut gestalteten Release heute noch erreichen?
Ja, auf jeden Fall sollten wenn nicht mal unbedingt Geld, doch zumindest Gedanken investiert werden. Wie bei jedem Produkt, das man an den Mann oder die Frau bringen möchte, ist die Verpackung natürlich wichtig. Ich zum Beispiel orientiere mich sehr stark an Cover-Gestaltung, wenn ich Platten suche. Nach einer Weile entwickeln sich Heuristiken, mithilfe derer man Musik finden kann, die einem gefällt. Daher kann sich ein Label mithilfe von Artwork und Design in eine bestimmte Traditionslinie oder Kultur einordnen, um wiederum die potentiellen Fans gezielt anzusprechen. Persönlich empfinde ich es so, dass ein gewisser Aufwand auch Selbstvertrauen und Zuversicht in die Musik ausdrückt. Wenn man gerade mal die Minimalanforderungen für eine Vinylveröffentlichung erfüllt, dann frage ich mich als Plattenkäufer auch, wie viel Herzblut in der Musikproduktion steckt. Daran, dass man die Musik zu allererst mal visuell wahrnimmt, haben Downloads und Internet-Plattenversender nichts geändert: man sieht immer erst das Cover-Thumbnail, bevor man auf den Anhör-Button klickt. Im Plattenladen ist es ja noch offensichtlicher. Du weißt ja selbst, was es bedeutet, wenn eine Platte im Hard Wax an der Wand hinter dem Tresen hängt und durch ein herausragendes Artwork auffällt: natürlich wird nach dieser häufiger gefragt.
Braucht man heutzutage noch einen Grafikdesigner, oder wird das, wie auch andere Aspekte der Plattenproduktion, eher in die eigene Hand genommen um Kosten zu sparen? Wie wichtig ist dabei die Professionalität? Wie reagiert das Gewerbe auf DIY-Typo und Bildbearbeitung aus dem Internet? Wie stellst du dich als Grafikdesigner auf veränderte Ansprüche ein?
Ich bin ja auch nur ein Autodidakt und habe nie Grafikdesign studiert. Grafikdesigner sind gerade in Berlin ja ziemlich einfach zu finden. Es muss nicht immer eine teure Agentur sein, die einem das Cover gestaltet, damit es ein gutes Release wird. Wichtiger ist, dass der Grafiker die visuelle Einordnung oder wie man das auch immer beschreiben möchte, bewerkstelligt. Es sollte irgendwie passen. Das kann durch einen befreundeten Grafiker passieren oder durch eine professionelle Agentur. Bei Agenturen oder professionellen Grafikern habe ich aber manchmal das Gefühl, dass diese eigene Trends haben, denen sie nachgehen. Es gibt Monate da kommen zwei, drei Platten auf unterschiedlichen Labels heraus, die sehr ähnliche Cover haben oder zumindest ähnliche Gestaltungsprinzipien verfolgen. Ich denke dann immer, dass die bestimmt alle das gleiche Gestalter-Magazin abonniert haben.
Sollten Labels noch auf eine Corporate Identity setzen?
Wenn man als Label wiedererkennbar sein möchte, dann ja. Es gibt aber sehr unterschiedliche Möglichkeiten. Die meisten Labels in unserer Szene sind ja keine Labels im Ursprungssinn, sondern die Veröffentlichungsplattform eines Künstlers oder Künstlerkollektivs. Zur Label-Arbeit gehört ja traditionellerweise A&R. Das fällt weg, wenn ein Künstler selbst sein Label gründet. Wenn ein Label für Qualität steht, dann ist es natürlich auch gut, wenn es erkannt wird. Aber das muss man im Einzelfall sehen. Es gibt unendliche Möglichkeiten, vom Standardcover bis zum kleinen Logo irgendwo in einer Ecke.
Gestempelte White Labels oder Platten ohne Cover sind ja eine Strategie, die gerne mit dem Hard Wax-Umfeld assoziiert wird und auch heute noch vielfach angewandt wird. Wie siehst du heute dabei die Gewichtung bzw. Wechselbeziehungen von ästhetischer Überzeugung, ökonomischen Zwängen und Abgrenzungsüberlegungen? Hat sich die Wirkung evtl. schon verbraucht?
Ganz am Anfang war das überhaupt keine Strategie. Wenn ich mich richtig erinnere, waren Erik und Fiedel mit MMM die ersten, die es so gemacht haben. Und damals – es war immerhin 1996 – war es tatsächlich eine rein ökonomische Überlegung. Nach der was-weiß-ich-wievielten Auflage hätten sie sich auch sicher gedruckte Labels spendieren können, aber dann haben die beiden es einfach weiter so gemacht wie bisher. Die Stempel-Releases jetzt stehen ja auch für ein gewisse Herangehensweise: es gibt keine Vorab-Promos, keine Info-Sheets mit halb erzwungenen Statements von DJs etc.: die Platten kommen aus dem Presswerk, werden dann gestempelt und stehen dann auf der Hard Wax-Webseite – “quick white label action” wie es unser Chef-Einkäufer Torsten so schön genannt hat. Das Design war also direktes Ergebnis der Produktionsweise. Andere haben das dann als Erfolgsrezept angesehen und aufgegriffen, oft jedoch nur den Aspekt des Stempel-Designs beibehalten. Wenn es das ganze Promo-Tamtam gibt, dann ist das Lo-fi-Erscheinungsbild ein bisschen albern. Ich denke auch, dass es jetzt zur Masche verkommen ist und dass wir wohl nicht mehr viele neue Stamp-Release-Labels – zumindest aus dem Hard Wax-Umfeld – sehen werden.
Was hältst du von alternativer Gestaltung, z.B. Inserts, Stempel, Sticker, Lochung etc. Ist das eine kreative Begrenzung oder eine Notlösung, oder ist da noch viel künstlerische Luft? Kann man auch mit geringem Aufwand ein Artwork umsetzen, das vom Material her aufwändiger ist? Sollte man das sogar?
Ich finde alles gut, wenn es in sich irgendwie Sinn ergibt. Dieses auf Biegen und Brechen Unikat- und Sammlerobjekt-sein-wollen finde ich auch komisch. Da ist für meinen Geschmack eine Schieflage in die andere Richtung erreicht: die eigentliche Musik tritt vor den limitierten, durchnummerierten, farbigen oder sonst wie auratisch aufgeladenen Vinyl-Sammlerstücken in den Hintergrund. Das wirkt oft so, als wäre die Platte direkt für den Discogs-Gebrauchtmarkt hergestellt worden. Prinzipiell sollte man alles ausreizen dürfen, was die Fertigungspalette hergibt, solange es als Gesamtprodukt funktioniert und nicht zu sehr gewollt wirkt. Ich habe zum Beispiel gerade sehr viel Freude beim Entwerfen von mit Lyrics bedruckten Inner-Sleeves gehabt. Das ist so was Klassisches, was einen Mehrwert für den Käufer der Platte darstellt.
Ist das Vollcover trotz Krise wieder auf dem Vormarsch?
Ich denke ja. Nach dem Trend der steigenden Release-Zahlen, um die schrumpfenden Verkaufszahlen pro Release zu kompensieren (was eine Milchmädchenrechnung ist), wird es eine Tendenz zu mehr Qualitätskontrolle und Begrenzung geben. Die klassischen Label-Tugenden wie gutes A&R, Künstleraufbau etc. werden in kleineren Rahmen wieder an Bedeutung gewinnen und die Musik wieder langlebiger werden. Damit kann auch wieder mehr in einzelne Releases investiert werden. Das ist aber nur zur Hälfte meine Einschätzung und zur anderen meine Hoffnung.
Es wird heute auch bei Vollcovern meistens nicht mehr viel in Material und Druck investiert. Wird das so bleiben, und kann man das umgehen und dennoch “aufwändige” Effekte erzielen?
Für einen kreativen Kopf stellen Limitierungen ja auch immer Herausforderungen dar. Ich mache mir da keine Sorgen. Die Technologien haben sich immer verändert und die Leute mussten zu jeder Zeit alles herausholen. Selbst wie Kartoffeldruck wirkende Reggae 7″s sehen ja teilweise genial aus. Und man kann sich immer nach neuen (oder alten) Techniken umschauen, wenn einem der Laser-Print von Online-Druckereien nicht gefällt. Honest Jon’s hat z.B. wundervolle Platten mit Prägedruck und Buchbinde-Rücken herausgebracht und ist sowieso ein gutes Beispiel für hervorragendes Plattendesign. Wie oben schon angedeutet, gibt es einen Zusammenhang von der Qualität der Musik und dem Design. Wenn eine Platte eine Halbwertzeit von ein paar Wochen hat, dann investiert man natürlich auch nicht unendliche Summen in das Erscheinungsbild.
Wird das Artwork immer ein integraler Bestandteil von Label-Arbeit sein, wenn man physikalisch veröffentlicht?
Auf jeden Fall, denn das ist ja gerade der Unterschied zum nur-digital-veröffentlichen, dass man etwas mit vielen Sinnen Erfahrbares produziert. Das merkt man auch an den ganzen eben erwähnten Techniken, die in letzter Zeit öfters benutzt werden, wie z.B. Prägungen. Das kann man als 600×600 Pixel-Bild natürlich nicht wiedergeben. Der Drang, etwas zu erschaffen, was sich von dem Vorangegangenen unterscheidet, erstreckt sich auch auf das Cover-Design und sollte es tun. Dafür ist allerdings die Grundvoraussetzung, dass man sich tatsächlich unterscheiden möchte.
Als ihr eure ersten Vinyl-Veröffentlichungen auf den Markt gebracht habt, gingen die Umsätze schon zurück. War das Artwork der Platten schon eine Reaktion auf veränderte Voraussetzungen?
Ehrlich gesagt haben wir uns über den Markt kaum Gedanken gemacht. Wir wollten Schallplatten machen, weil es das beste Medium für Musik ist. Das Design für das erste Release kam aus frühen Entwürfen, als einer von uns noch Flyer gestaltet hat, und war eigentlich auch kein großes Thema für uns. Viele Gedanken haben wir uns darum am Anfang nicht gemacht. Eigentlich wollten wir auch einfach nur wissen wie es ist, eine Schallplatte gemacht zu haben und wir waren ziemlich froh, dass das geklappt hat.
War das Artwork für euch ein integraler Bestandteil der Release-Produktion?
Das Artwork ist für uns auf jeden Fall ein integraler Bestandteil am Spaß, eine Platte zu machen. Dafür nehmen wir auch Extra-Arbeit in Kauf. Wir scheuen uns auch nicht davor, Nächte lang zu stempeln oder Transparentpapier zu schneiden. Umso mehr freuen wir uns dann über das fertige Produkt.
Welche Überlegungen führten zu dem visuellen Endergebnis? Wie korrespondierte der Inhalt mit der Gestaltung?
Bisher lief es so, dass wir unsere Ideen diskutiert und uns irgendwann für eine grafische Umsetzung entschieden haben. Meistens hörten wir uns die Musik für die Releases an, bis eine Idee für das Artwork kam. Im Laufe der Produktion hat sich jedoch meistens alles anders entwickelt, weil unsere Idee entweder doch nicht so einfach umsetzbar wie erwartet war, oder weil kurz vor Ende noch eine bessere Idee kam. Bei der QNS-Reihe fanden wir, dass zu der Musik ein einfaches Design passt. Daher haben wir uns für Stempel entschieden. Weil wir nicht bloß einen Logo-Stempel draufmachen wollten, haben wir uns dafür entschieden, eine Serie zu machen um eine kleine Mini-Geschichte erzählen zu können. Die Geschichte sollte das Konzept “Quantity not Sufficient” thematisieren. Weil wir die Musik schließlich mit Science Fiction-Filmen assoziiert haben, kamen wir zu den Stempelmotiven, die eine Freundin für uns entworfen hat. Bei der Solaris-Reihe war der Prozess anders. Wir sind große Fans von Tarkowskis Solaris-Film und hatten uns früh dafür entschieden, eine Serie zu machen, die den Film thematisiert. Als das Konzept soweit stand, haben wir nach Musik Ausschau gehalten. Für das Artwork kam uns die Idee, für jede Platte der Solaris-Reihe unterschiedliche Motive auszuwählen. Das heißt unterschiedliche Designs für knapp 900 Platten. Wir wollten es aber unbedingt ausprobieren. Die Idee kam uns vor einiger Zeit, als wir die QNS-Reihe zu Hard Wax brachten, um uns damit vorzustellen. Wir hatten alle sechs QNS-Platten mit fertigem Artwork mitgebracht und dort dachte man, es wäre nur die erste QNS mit unterschiedlichen Stempelmotiven. Man hielt uns für verrückt. Wir fanden das allerdings so gut, dass wir den Gedanken bei der Solaris-Reihe aufgriffen. Anstelle der Stempel haben wir dort allerdings auf Transparentfolie zurückgegriffen und jede mit einem eigenen Bildausschnitt aus dem Solaris-Film versehen.
Was hat euch dazu bewogen, die Vorgehensweise von QNS gegenüber der Solaris-Serie zu ändern?
Bei QNS haben wir eine Idee ausprobiert, bei Solaris eine andere. Das ist eigentlich das ganze Konzept, dass dahintersteht. Wir wollten uns mit der einen Reihe nicht bewusst von der anderen Reihe abgrenzen. Dahinter stecken eher die Faszination und das Ausprobieren von Möglichkeiten. Zum einen mögen wir den Gedanken, uns immer wieder neu zu erfinden. Das Serienkonzept ermöglicht es, dass wir uns nicht für alle zukünftigen Releases festlegen müssen. Wir können dadurch Musikstile und Designs ausprobieren. Außerdem gefällt uns der Gedanke, Arbeiten abschließen zu können. Zum anderen ermöglichen es uns Schallplattenreihen, “out of the box” zu denken. Eine Reihe wie QNS oder Solaris gibt den einzelnen Musikstücken daraus eine über sie hinausgehende Bedeutung.
Gibt es auch Formen der Gestaltung, die ihr heutzutage ablehnen würdet, z. B. Vollcover, bestimmte Materialien etc.?
Nein.
Wie wichtig ist Artwork für die jetzige Label-Landschaft und Musikwirtschaft? Ist das eher eine traditionelle Beziehung, oder geht das darüber hinaus?
Bei einigen Labels besteht das Artwork gerade darin, kein Artwork zu haben. Wir würden sogar behaupten, Vinyl kommt auch ohne Artwork aus, weil Vinyl als solches schon Artwork ist. Es gibt zwar viele Acts, beispielsweise aus dem Gitarren-Bereich, die aufwendige Cover und Musikvideos haben. Dort hat man aber auch das Gefühl, dass da ein richtiges Management dahintersteckt und dass dort viele unpersönliche Produktionsschritte ablaufen, bevor das Musikstück zum Kunden kommt. Bei elektronischer Musik ist das oft anders. Da ist ein Management aufgrund der relativ einfachen Musikproduktion nicht erforderlich und traditionsgemäß spielt Selbstdarstellung keine allzu große Rolle. Entscheidend ist vielmehr, ob die Musik gut ist. Das beste aufwendigste Artwork hilft einem nicht unbedingt dabei, einen Vertrieb oder Käufer zu finden.
Wie sollte ein neu gegründetes Vinyl-Label mit dem Thema Artwork umgehen? Lohnt es sich, darin zu investieren? Gehört das unabdingbar dazu?
Für uns ist Artwork ein wichtiger Grund, um zusätzlichen Spaß an der Release-Produktion zu haben, weniger ein Kaufgrund.
Seht ihr Trends in der Gestaltung, die sich aus den momentanen Gegebenheiten ableiten lassen?
Naja, es werden kleinere Stückzahlen gepresst. Vielerorts regen sich Leute auf, dass sie von einem Release keine Kopie abbekommen haben, oder sie regen sich darüber auf, dass es kein digitales Release davon gibt. Tatsächlich sind die kleinen Stückzahlen eine Anpassung an die Gegebenheiten und eine Reaktion auf die Entwertung der Musik durch beliebige Reproduzierbarkeit im Internet. Die Knappheit erzeugt bei Schallplatten eine Wertsteigerung. Auf Discogs kann man beobachten, zu welch verrückten Ergebnissen das leider führt. Die teuren Platten sind jedoch nicht immer die hübschesten. Was mit den kleineren Stückzahlen einhergeht, sind die wachsenden Möglichkeiten bei der Gestaltung des Artworks. Es ist plötzlich möglich, jede Kopie eines Releases einzeln zu designen. So persönlich war die Musikindustrie noch nie. Es ist auch relativ leicht, derzeit ein schönes Produkt bestehend aus Musik und Design herzustellen. Ein aufwendiges Stempeldesign etwa wäre bei Stückzahlen von über 1000 Stück kaum denkbar.
Wie wichtig ist die Gestaltung noch als identitätsstiftendes Element eines Labels?
Uns ist unsere eigene Label-Identität gar nicht in dem Maße bewusst, als das wir wüssten, welchen Einfluss unser Artwork darauf hätte. Wir sind uns zwar über die Wichtigkeit eines Labels für die Veröffentlichung von Musik bewusst, unser Ziel ist jedoch schon erreicht, wenn wir durch unser Design niemanden vom Kauf abhalten. Generelle Aussagen für andere Labels sind schwer zu treffen, weil es darauf ankommt, welche Vorstellung die Labels von ihrer Musik und ihrer Selbstdarstellung haben. Die meisten Labels definieren sich doch eher über ihren Sound als über das Design. Das Design hilft dann bei dem Wiedererkennungswert oder als ein Medium für ein ästhetisches Zugehörigkeitsgefühl. Das kann auch ein einfaches, nicht aufwendiges DIY-Artwork leisten.
Sollte man denn einen professionellen Grafikdesigner beschäftigen, oder kann man auch mit einer DIY-Strategie erfolgreich sein?
Das hängt davon ab, was man unter Erfolg versteht. Heutzutage ist man ja schon erfolgreich, wenn man die Platten die man presst auch verkaufen kann. Dafür ist DIY sogar eher geeignet. Der DIY-Markt ist relativ groß und ein handgefertigtes Artwork wird von vielen Seiten gewürdigt. Will man dagegen eher den Rockstar-Erfolg, dann ist wohl ein identitätsstiftendes Design gefragt, das einen medialen Mehrwert erzeugt. Dafür ist ein professioneller Designer besser geeignet, wenn es darum geht eine ganze Kampagne mit Video usw. zu machen. Der Profi sorgt allerdings auch nicht dafür, dass das Artwork immer gut aussieht. Es gibt auch jede Menge hässliches aufwendiges Artwork (siehe UK). Wir dagegen haben Spaß an DIY und beschäftigen keinen professionellen Designer. Das heißt nicht, dass unser Design nicht von Leuten käme, die auch als professionelle Designer arbeiten könnten. Wir beauftragen jedoch keine Agentur damit, sondern Freunde, die verstehen was wir wollen und mit denen wir gerne Zeit verbringen und mit denen wir gerne planen.
In welcher Art und Weise möchtet ihr Design-Möglichkeiten künftig nutzen?
Am besten wäre es, wenn wir uns immer wieder selbst überraschen.
Right, we’re going to set it off with “Set It Off”. Basically with “Set It Off”, growing up in New York in the 70’s and 80’s, I grew up with my parents and my brother – my brother being a DJ since 1980, and there were a lot of musical roots in my household. I was always around music. Mostly disco and electro, stuff like that. Growing up with my parents in the 70’s, they were really big on disco and I was hearing everything from “Ten Percent” by Double Exposure to so many underground disco records, like from 76, Jimmy and the Vagabonds, or Crown Heights Affair. Old school disco. I always had roots in the family. My father also had a pretty big rock collection from the late 60’s – Sabbath, Zeppelin, psychedelic rock. That was played probably when I was really younger, but 74/75 my parents were already getting into disco at that time. The roots of the music were always there with me and I would buy records on the occasion. I remember buying Fatback Band’s “King Tim III” which was pretty much the first rap record, Michael Jackson – “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”, “Let’s All Chant”, stuff like that. I was like 7 or 8 years old buying this stuff but I was never really into DJing at this time. My brother was the DJ. He was the one buying the records and DJing. He knew what was going on musically. I would say when I really first started to pay attention to music a lot, but I still was not a DJing, was around 83/84, and I was around 12 years old at the time and I was getting into graffiti which I was actually documenting on subway trains by photographs. I was travelling from Brooklyn to the Bronx. I was going everywhere with a camera – all four boroughs that had a subway system. The records at that time were a lot of electro stuff that was being played. A lot of freestyle like C-Bank’s “One More Shot” or “Al-Naafiysh” by Hashim. I still didn’t really know who the artists were and stuff like that, but I knew the records and heard them all the time on the radio. Around 84 I went to a break dancing club at a roller skating rink to watch a bunch of people battling, and I heard “Set It Off” for the first time. I don’t know what it was with that record but it fit all the movies I liked at that time: New York movies like The Warriors, Death Wish. It was just this dark record that was kind of like the soundtrack of New York City at the time, when New York City was just like in urban decay. On my way somewhere with my parents you would see all these abandoned building like in Berlin in 1945 in certain areas. Then taking the train to the South Bronx and seeing that…I have such a vivid memory of being on the Pelham subway line going to see one of the most famous Graffiti writers in New York called Seen, who was in the documentary Style Wars, and I befriended him when I was probably like 13. He used to airbrush t-shirts in a flea market. I don’t know why music always has a place in a moment that you can remember a certain situation. I can remember being in that flea market and then playing that track. It was just like the track of tracks. It was the soundtrack of graffiti, of New York, the rawness. When I got into techno in about 1990 and I went to trace back all the records that I’d been collecting and I would go back and listen to that record it just sounded so current. Not current to what techno was, but on the production level. When you listen to other electro records or freestyle records from that time, nothing has that 808 feel like “Set It Off” does. That production is just sick. The bassline. There’s really no other record from that time period, apart from maybe “Hip Hop Be Bop” or “Boogie Down Bronx”, that should have been the soundtrack to The Warriors. It’s just an amazing track. The irony of whole record being my favourite record is that it was produced on a label located in Ocean Avenue in Brooklyn, so that record was made probably two miles from where I lived. I guess Walter Gibbons produced Strafe, but it was made in Brooklyn. It’s a 100% Brooklyn. That record… the build up, the vocals, just everything about it…I could listen to it over and over again on repeat mode.
Would you say they produced a prototype with this? It’s a lot darker than most of the electro productions around that time.
I think it’s definitely the prototype for a lot of the future electro stuff that was coming out through the techno scene in the 90’s. Anybody making electro music at that time had to know that record. You have “Planet Rock” and you have “Clear” by Cybotron but that record just stands out for me. It’s such a better record. I love the other records but when I hear “Set It Off” the goose bumps come up. It sounds like something from a John Carpenter movie. It could be from “Assault On Precinct 13”, even if you can’t mess with that soundtrack. It is in the same mode as that. It gives the same feeling, and the same vibe and mood. Those eerie chord strings in the back and the bassline. You can’t mess with it.
> Ryuichi Sakamoto – Riot In Lagos
The next one is “Riot in Lagos” by Ryuichi Sakamoto.
This is an interesting track that Bones had turned me onto in probably sometime in the early to mid 90’s. He was refreshing my memory on records that were on when we used to go to roller skating rinks, and one of the other records was Kasso’s “Key West”. I remember he was playing all these records and I was like flabbergasted by the sounds and the music and how futuristic it was for 80’/81′. The thing was when I got into techno and I realised what electronic music was, and I’m hearing Bones and Lenny Dee – this is the 808, this is the 909 – trying to get my head around all these machines, and Bones was playing me records later on saying “these are the first 808 records, or 909 drum rhythm records”, and I never looked at the music I was listening to in the early 80’s, like Kraftwerk, as electronic music or acoustic music – I never made that difference in my head. I never sat there and thought “Oh, I like music with synthesisers”. When I heard this Sakamoto record, I kind of recalled hearing it but it didn’t really ring a bell in a big way for me. But it did ring my bell. [laughs] I was like “Whoa! What the fuck is this?” because I guess it’s got that Eastern, Asian kind of melody sound to it. That is a one of a kind record. There is nothing that sounds like that. I have never, ever heard another record ever sound like that. It cannot be copied.
It even sounded different to the sound Sakamoto was doing with Yellow Magic Orchestra.
Yeah. There is another Sakamoto record that I got a little later on, once I realised who he was, that is quite rare. Not many people know it, it’s called “Lexington Queen”. It’s amazing. It was released as a 12” and also a 45 as well. I probably should have been digging a little deeper on Sakamoto stuff, when I was doing my East kind of record shopping ten years ago, when I was looking for all this 80’s stuff. But I heard a few things by him that didn’t hit me the way those two records hit me. But “Riot In Lagos” is just a special record, what a special piece of electronic music. It’s up there with Kraftwerk.
It is pioneering electronic music, but from a very different angle.
Again, it’s got that Japanese sound to it. Whatever Japanese electronic music was in the 80’s, I don’t really know much about it, but this is a brilliant track. Read the rest of this entry »
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