To Underground Resistance’s early fans, it wasn’t surprising when the Detroit outfit released club music with vocals. Mike Banks produced the garage house group Members Of The House, which released a 1987 album and a string of acclaimed vocal EPs. The first release on UR’s main label, Your Time Is Up, featured the singer Yolanda and a take on the sound Kevin Saunderson made popular with Inner City, backed with remixes that hinted at what the determinedly underground techno sound would become.
When they released “Living For The Nite” in 1991, again with Yolanda, it was already clear that vocal house was an integral part of UR’s sound. It worked with their rolling, pumping grooves. But the success of their pure techno overshadowed these moments, especially when the European press portrayed UR as a Detroit techno counterpart to hip-hops‘s Public Enemy, noting the masked personas of Mike Banks and Jeff Mills, and their unmasked political attitude. Different strands of the UR sound were eventually channeled into separate outlets, and thus Happy Records came into being, serving as the label for house productions from 1992 to 1994. (It was followed by the sister label Happy Soul.)
Happy Records soon established itself with positive releases produced with frequent collaborators like Niko Marks, Yolanda and Bridgett Grace, the latter a former vocalist of the 1989 club hit “Take Me Away” by the UR predecessor True Faith. Her “Love To The Limit” was a fine example of how well Banks’s production worked with an anthemic vocal. And yet those accomplished records, even if they were recognisable as UR productions with a distinctive signature sound, could still be placed in the early vocal house canon of 1992, before house music reached the huge crowds of later years.
In 1992, vocal house was not as punchy as it would become. Most garage records paired their sweet melodies with swinging, elegant grooves. Usually, the “main mix” of a track was that tune in all its glory, while the more daring ideas were kept for the dubs and instrumental versions. But then Davina‘s “Don’t You Want It” arrived, produced by Mike Banks. It was a mighty tune that worked within the conventions of vocal house while also shaking its foundations.
First, there was the intro, where dynamic chords were waiting to be teased by the DJ. When I heard the intro for the first time, it reminded me of David Morales’s mix of Black Sheep’s “Strobelite Honey,” albeit on another level. The track unfolds into a hybrid of uplifting, soulful garage and UR’s deeper techno sound (heard in tracks like “Sometimes I Feel Like” and “Jupiter Jazz“), adding layers of bittersweet pads and dramatic starts and stops.
And Davina? Unlike most vocal tracks, she isn’t heard until a heavenly break around three minutes in. The track was already perfect, but the magic really happens when she begins to sing. The lyrics neglect conventional verse-refrain structure, instead choosing a direct, personal conversation with the dancers. At seven minutes, the track certainly isn’t short, but I’m sure I’m not the only one who’s sad when it fades out.
The high point for any producer is to make a track that reaches classic status. It’s even better when that recognition comes from different scenes and styles. “Don’t You Want It” works within almost any context, from small night to a large rave, uniting more crowds in instant happiness than almost any other. As soon as you hear it, you will definitely want it. And more of it, again and again.
There were several reasons for the popularity of minimal techno and
house in the late 90s and early 00s. For one, a lot of electronic
club music of the preceding years was quite boisterous. Its
ingredients and purpose was often not exactly subtle, satisfying
clubbers and listeners that emerged from the acid house and rave days
with direct signals and relentless dancefloor dynamics. And as soon
as a sound becomes too dominant in the club scene, there is a
reaction, and alternatives develop, and as it happened with the
minimal approach they might even take over what was happening before
and become dominant as well. And a freshly initiated influx of
dancers and listeners had also come with different musical
requirements. While the big room and big festival acts like Prodigy
and the Chemical Brothers converted a rock clientele to the dance
floor, a lot of people who earlier preferred less heavier independent
rock music fell in love with the early Detroit minimal techno
prototypes by Robert Hood , Jeff Mills, Richie Hawtin and Daniel
Bell, and its more dubbed out counterparts around the Berlin
conglomerate of Basic Channel and its affiliated labels, or Wolfgang
Voigt with his Profan and Studio 1 imprints in Cologne, or Force Inc.
and later Perlon in Frankfurt or Säkhö in Finland, or Peter Ford‘s
Ifach and Trelik labels. Furthermore the club scene itself went
through changes. Budget airlines stormed the market and made
travelling to parties affordable, new open air venues and festivals
entered the circuit but they had to make concessions to surrounding
areas and embraced a sound that was efficient without significantly
loud and low end sound systems. Also drugs like ketamine or GHB
became popular and their users liked a sound that was more reduced,
hypnotic and subtle. And soon enough minimal techno crossed over to
house as well, and was out to conquer.
Right
in the centre of these developments was the Frankfurt imprint
Playhouse founded by Ata and Heiko M/S/O, which began as the housier
end of parent label Ongaku Musik, along with its fellow sub label
Klang Elektronik. It put artists like Ricardo Villalobos on the map,
as well as Isolée or Roman Flügel with his Roman IV or Soylent
Green aliases, and they reinterpreted house music with a lot of
attention to details, abstraction, reduction and repetition. Peter
Kremaier aka Losoul was arguably the most defining artist in the
label‘s early stages, and his productions had a signature sound
that is still unique. He probably was inspired by the layering
experiments of DJ Pierre‘s wild pitch sound or the immersive deep
house of Ron Trent and Chez Damier, but his own tracks soon took off
into their own creative zone. Beginning with 1996‘s „Open Door“
the following 12“ releases „Mandu“, „Don Disco De Super
Bleep“, and „Synchro“ were masterclasses in dancefloor
mesmerism. Over beats more pumping than those of his label peers,
subliminal percussion and chopped chords, he worked with
deconstructed disco and funk loops and occasional vocal samples that
were so perfectly captivating that he could ride them over extended
tracks that gradually introduced element after element with logical
patience, resulting in trips you felt should never stop. But by the
end of the 90s the structure of his tracks became less strict, and he
also explored different sounds on dark, bass heavy tracks like
„Ex.or.zis.mus“ or „Brother In Love“, to fine effect. It
seemed what was still needed was an album to round up this artistic
phase of his, before he would potentially venture into something new,
or different.
When
said album „Belong“ was then released in 2000, it came as
surprise to many of his followers. The opener „Taste Not Waste“
is deceiving, as it is a brooding punchy excursion that would not
have been out of place on the preceding 12“s, but already the
following track „Late Play“ is a weird off-centre sounding sketch
in comparison, hinting at the fact that the artist would not give
away the chance to represent more of his repertoire than his
trademark club stylings. „Resisting Curare“ takes up on the
quirkiness, albeit speedier, while „Overland“ is an eccentric and
playful take on the ever reliable Billie Jean groove, coming across
like a cross between the original groove and „Kaw-Liga“ by The
Residents, with extra weirdness. Then things take another unexpected
turn with „Sunbeams And The Rain“, which in my humble opinion is
one of the most astonishingly beautiful and sublime tracks ever to
merge deep house and techno. Only slightly erratic, this majectic
masterpiece is followed by the chunky slow groover „Position“,
which dubs down the proceedings before the sparsely tripping yet
funky „Depth Control“, another demonstration how much you can
achieve with just a few thought-out, gripping elements. Next is „You
Can Do“, which contains the sunniest loop Kremeier produced up to
that point, a spiralling, almost balearic melody which does not let
go for most of the track, thus resulting in another track you can
completely lose yourself in, although it achieves that typically
intense Losoul sensation with an untypical joyful mood. The last
track „Trust“ is a warped and chopped hip hop version of Bill
Withers‘ „Use Me“ that would grace any tape of later L.A.
beatmakers, and it makes you wonder what whole other sounds the
artist might have left in the vaults.
Although
Losoul has continued to drop releases of consistent quality, I think
„Belong“ marks the end of a certain era, in which he acted as a
true solitaire, even among likeminded and similarly talented cohorts.
To me it seems that only shortly after the imaginative ideas of the
minimal techno and house of those years time soon were often forsaken
for a sound that was already looming, more eager to please, and less
interesting to listen and dance to, however exceptions might prove
the rule. But it is undeniable that here lies the foundation for
many backlashes and resurgences to come.
Although acid house exports provided the sound blueprints for Second
Summer of Love in the late 80s, the rawness of the US originals often
did not really match the ecstasy fuelled day-glo hedonism that was
sweeping UK clubland. Of course the pioneering tracks from Chicago,
Detroit and New York had the same huge impact in English clubs as
they had in Continental Europe, and the American originators brought
music that was informed by no less aspiring ambitions, but it was
also often produced on the equipment that you could afford in
problematic social environments, and its initial target group was
more local, and on another street level than the almost proverbial
MDMA hugs between football hooligans or other thugs and the dancers
they were previously beating up. But UK pop and club culture had
interpreted outside influences into something more pop before and
sent it back, as it had happened with the British Invasion in the 60s
and lovers rock in the 70s, and house, and particularly acid house,
was no exception. In the UK, some clever people not only heard a
difference, they also understood that it had potential far beyond
that. Just a new, small and dedicated scene at first, but maybe more.
Or even much more.
Baby
Ford seemed to have a very clear vision of what was missing for the
music to really cross over and reach such potential, and with his
first promising releases from 1988 up to his first album „Fordtrax“
he brilliantly merged inspirations from Larry Heard, Derrick May or
Todd Terry with a knowledgeable pop sensibility. But in contrast to
other successful London cohorts of the Rhythm King label like Bomb
The Bass, S‘Express, The Beatmasters, and Coldcut on their label
Ahead Of Our Time, he did not succumb almost entirely to the charms
of the wild days of sampling, instead aiming more for his own
musicianship than a wild collage of references with a beat. And in
contrast to Manchester artists like 808 State and A Guy Called
Gerald, who achieved a similarly distinctive sound, he was ready,
willing and able to sing as well, and he implied his sense of humour.
Be it „Ooochy Koochy“ or „Chikki Chikki Aah Aah“, his music
was catchy and smart, but instrumental gems like „Fordtrax“
already proved that he knew how to arrange and set a mood. He seemed
to make fine use of his influences as much as he made them his own,
and he established a mini-canon of his own work in which his ideas
naturally referred to each other.
Already a year later his second album „’Ooo’ The World Of Baby
Ford“ aimed considerably higher. There are variations of „Fordtrax“
material but in a different, more mellow mood („Milky Tres / Chikki
Chikki Aah Aah“). Which is perfectly ok if your source material is
good enough to be reinterpreted in such a short time. Other tracks
like „Let‘s Talk It Over“ or „The World Is In Love“ have a
similar mood, somehow as urban as pastoral, sublime and full of hope.
„Beach Bump“ or „A Place Of Dreams & Magic“ are more over
the top, reviving the camp fun of „Oochy Koochy“ and other
livelier tracks he made before. And then there are tracks that hint
at the idea of this album as a continuation of gone but yet still
lasting UK youth cultures. In terms of music „Poem For Wigan“ and
„Wigan“ have not much in common with the 70s northern soul haven
Wigan Casino (or the Jazz Funk and later Electro played at Wigan Pier
club by its resident DJ Greg Wilson), but Baby Ford grew up near
Wigan and experienced what happened there, and both tracks have a
sentiment true to the inspiration. You may now flock to other clubs
and dance to other sounds, but the spirit is the same. Else the cover
version of T.Rex‘s „Children Of The Revolution“ is more
obvious, putting the 70s glam rock anthem into the context of the
acid house movement, whose children won‘t be fooled either. It is
time again for the UK youth to rise up against it, and this is how it
sounds. And then the according modern grooves also meet the
modernized version of the hippie era aesthetics that the tabloids and
authorities directly diverted to blame and prosecution. Where there
are loved up messages and melodies, psychedelic colours and a quest
for an alternative way of living, there must be something for society
to fight back, regardless of what you are afraid of in the 60s, 70s,
80s, or the decades to come. Us against them, forever irreconcilable.
This
album captured the revolutionary spirit and joy of that time
perfectly, and it indirectly predicted why it could not last. It was
not widely perceived as a defining statement and Baby Ford did not
become the defining pop star, and he seemed to abandon his bright
ideas soon after. First with the subsequent 1992 album „BFORD9“,
which still had some traces of his prior optimism left, but which
also confrontationally displayed disillusionment, darker topics and
harder sounds, until he reduced his persona and sound more and more,
albeit still with consistently great creative results. Either way,
Baby Ford‘s world may have not been big enough, but you still think
‚Ooo‘ when you think of it.
Finn, wann und wo wirst du das nächste Mal auflegen?
Das ist nächste Woche (Ende Dezember), da feiern wir zwei Jahre Druffalo in der Paloma Bar. Und zehn Jahre Druffalo insgesamt, aber das feiern wir schon das ganze Jahr lang. Wir machen das so ein bisschen wie am Anfang, denn Kummi und ich spielen 70er-Jahre-Disco auf dem oberen Floor. Da kommen aber auch recht viele Rare-Soul-Fans, um bei uns zu tanzen, weil sie Disco für sich entdecken. Für die gibt’s dann den unteren Floor.
Hast du dich schon auf den Abend vorbereitet?
Dieses Mal habe ich sogar schon komplett gepackt. Über Weihnachten fahre ich nach Kiel und komme erst kurz davor wieder, das wäre sonst zu hektisch geworden. Da habe ich jetzt die Tage einfach einen freien Abend genutzt und Platten rausgestellt und gepackt. Den Stapel noch schnell in den Trolley gerammt und ich könnte loslegen.
Reicht denn da überhaupt eine Tasche?
Ok, vielleicht werden es auch zwei. Bei so einer Disco-Nacht kannst du nicht die ganze Zeit nur ein Tempo spielen, das geht einfach nicht. Theoretisch ist es möglich, macht aber nicht viel Spaß. Deshalb habe ich in solchen Fällen immer noch eine zweite Tasche mit so langsameren Sachen dabei. Gerade bei so einem Discoabend muss das Ende eben emotional sein – und möglichst alle müssen weinen.
Kam das schon häufiger bei euren Partys vor?
Sehr oft sogar! Wir haben mit der Musik schon gestandene Männer zu Tränen gerührt.
Wieviel Auftritte hast du derzeit ca. pro Monat?
Das sind etwa drei bis vier.
Packst du dafür jedes mal neu oder bleiben schonmal alte Platten im Case?
Meistens packe ich komplett neu. Eine Ausnahme sind die Residencies, weil wir da halt schon einen bestimmten Sound spielen, ohne aber immer das gleiche Set zu spielen. Wir machen da ja nicht nur Disco, sondern auch mal Garage und so. Da achte ich aber auch darauf, dass ich mich nicht zu sehr wiederhole. Es gibt natürlich so ein paar Druffalo-Hits. Und bei der „Power House“-Reihe mache ich das eigentlich genauso. Ich habe so viele Platten in der Richtung, da muss ich mich nicht wiederholen. Da stellt man sich ja auch jeweils neu auf den anderen DJ ein. Für die Club-Gigs an sich packe ich aber wirklich immer komplett neu. Zum einen weil ich Routine hasse, das macht mich wahnsinnig. Und ich bin kein Touring-DJ und zwischen den Auftritten immer wieder zu Hause.
Gibt es aber dennoch so zwei, drei Platten, die du häufiger dabei hast?
Bei den Discoabenden muss ich auf jeden Fall eine Chic-Platte dabei haben. Für den Schluss gibt’s auch so ein paar Favoriten. Zum Beispiel „Touch Me In The Morning“ von Marlena Shaw. Und so eine richtig klassische Druffalo-Platte ist auch Nicolette Larson – „Lotta Love“. Beim House und Techno ist das zum Beispiel „Reasons To Be Dismal“ von den Foremost Poets, die habe ich wirklich oft dabei, so eine alte Nu Groove.
Wie lange brauchst du in der Regel, um Platten zu packen?
Das hat sich über die Jahre total geändert. Ich lege ja jetzt schon seit dreißig Jahren auf. Früher hatte ich immer die gleiche Grundprämisse: Was würde ich selbst gerne hören, wenn ich heute in den Club gehen würde? Früher habe ich dann aber immer viel zu viel mitgenommen, weil ich damals aber auch viel mehr improvisiert habe.
Was genau meinst du mit improvisiert?
Ich habe einfach losgelegt, eine Platte nach der anderen gegriffen, dann hat sich das von alleine ergeben. Da habe ich auch viel mehr stilistische Sprünge gemacht. Aber irgendwann wurde mir das dann zu viel, das alles mitzuschleppen und bekam so meine Rückenprobleme. Das hat mich dann auch irgendwann gelangweilt. Denn wenn man auf zu viele Sachen reagieren kann, verliert man irgendwann den Fokus. Ich konnte das sehr gut, sehr eklektisch und offen, aber dann bin ich dazu übergangen, eher thematisch aufzulegen.
Was sich in den letzten Jahren ja auch in deinen Mixen widergepiegelt hat. Man merkt, dass du dich gerne an Themen, Stilen und Genres abarbeitest.
Ja, auf jeden Fall. Ich habe ganz oft so einen Quartalsfimmel, wo ich gerade Spaß daran habe, etwas wieder oder auch neu zu entdecken. Und das nutze ich auch für Gigs, wenn es geht. Ich bereite mich inzwischen auf jeden Fall sehr genau vor. Einfach aus dem Grund, dass ich durch die ganzen Jobs und meine Familie kaum Zeit habe. Und da bin ich dann dazu übergangen, mir das insofern leichter zu machen, dass ich recherchiere, wo spiele ich, was ist das für ein Club, was läuft da normalerweise für Musik, was sind das für DJs mit denen ich auflege. Das lasse ich auch gerne mal meinen Booker fragen, was möchten die, was haben die von mir gehört, was sie toll fanden.
Führt diese genaue Vorbereitung und diese Abkehr vom eklektischen Auflegen dazu, dass du schneller packst? Weil du genauer weißt, wo du in deiner Sammlung gucken musst – und nicht nochmal alles durchgehst.
Nee, eigentlich nicht. Verschiedene Stile erfordern einfach verschiedene Arten der Vorbereitung. Es hat schon seinen Grund, dass auf vielen Discoplatten die BPM-Zahl steht. Das Live-Drumming ist da auf jeden Fall ein Faktor. Ich packe Disco zum Beispiel schon sehr strikt nach Tempo. Von da aus geht es dann um Harmonien oder Texte, die zueinander passen. Das ist eine andere Art von Vorbereitung.
Ich arbeite auch bei der Musik immer an recht vielen Dingen gleichzeitig, habe so vier bis fünf Stapel rumstehen, für bestimmte Auftritte oder manchmal auch Mixe. Die bestücke ich so nach und nach, das kann auch schon mal mehrere Wochen dauern. Wenn ich abends mal ein paar Stunden Zeit habe, wühle ich mich durch meine Sammlung, so macht mir das am meisten Spaß.
Machst du das bei anderen Platten auch, die BPMs drauf schreiben?
Ich spiele schon ewig Disco, das höre ich recht schnell raus. Die stehen nicht im Regal vorsortiert, aber wenn ich eine rausziehe, dann weiß ich das schon ungefähr einzuschätzen. Bei House-Sets ist das eigentlich überhaupt kein Faktor. Ich mag das, wenn man Sachen verknüpft, die sich gegenseitig als Referenz bedingen. Beim Reggae zum Beispiel das Original und dann die Version dazu, das kann man bei House auch machen. Also zum Beispiel einen Vocal-Mix mit einem Dub-Mix. Oder Cover-Versionen, einfach Tracks, die die gleichen Samples haben. Ich mag das, weil man da so kleine Botschaften verpacken kann. Ich kaufe die Platten nicht gezielt danach, das sind eher so Zufallsfunde, wenn ich so durch die Regale gehe. Das mag ich so daran, dieses Beschäftigen mit der eigenen Sammlung. Read the rest of this entry »
Auch wenn das neue Jahr nun schon begonnen hat, vielleicht zunächst ein kurzer Blick zurück auf 2014. Würdest du sagen, es war ein gutes Jahr für elektronische Musik? Falls ja, wer war deiner Meinung nach u.a. mit dafür verantwortlich?
2014 war nicht besser oder schlechter als die Jahre zuvor. Es gab genug gute neue Releases, aber kaum neue Trends. Es kam mir so vor, als würden einige vorherige Entwicklungen langsam auslaufen. Lo-Fi House- und Techno etwa. Da hat die Ästhetik vielleicht etwas zu oft durchschnittliche Musik kaschiert. Es gab auch nicht mehr so viele Retro-80er-90er-House-Platten, was sicherlich auch damit zusammenhing, dass jede Menge alte Klassiker oder Raritäten nochmal veröffentlicht wurden. Manche Nachbauten schnitten da im Vergleich schlechter ab, oder man wollte wohl auch lieber Lücken in der Wantslist schließen, als sich mit neuer Musik zu beschäftigen, die wie alte klang. Ich falle aber nicht gerne in diesen früher war alles besser-Sermon. Ich habe in jungen Jahren auch viel alte Musik gehört, ich wollte auch schon immer wissen, wo was herkommt. Aber das wollte ich selber entdecken, und nicht von Älteren gepredigt bekommen, auch wenn man dann später feststellt, dass viele Einwände durchaus berechtigt sind. Was mir letztes Jahr gut gefallen hat, kann man ja bequem bei meinen Hot Wax-Radiosendungen überprüfen, oder meinen Charts. Sicherlich hat nicht jede Platte darin das Rad neu erfunden, aber es waren für mich genug neue Ideen drin, um es unterstützen zu wollen. Generell war es gefühlt eher ein Techno- als ein House-Jahr, aber für mich war es zuviel Techno, der sich nur auf eine jeweilige Atmosphäre konzentriert, und nicht auf Musikalität. Es gab zudem stilübergreifend irritierend viele Alben. Vielleicht war es ein Übergangsjahr, und 2015 passieren wirklich neue Dinge, oder es werden retrospektiv einfach andere alte Stile aufgearbeitet. Da lasse ich mich aber auch gerne überraschen. Ich wünsche mir aber nach wie vor, dass dieser durch künstliche Verknappung ausgelöste Beschaffungsstress für Käufer und Läden zur Ruhe kommt. Aber jetzt habe ich wirklich langsam das Gefühl, dass das ausgereizt ist und der Markt das von allein regelt. Nicht jede überteuerte Platte mit Poster wurde letztes Jahr zum Sammlerobjekt, und da ist noch viel Luft nach unten.
Gibt es einen Abend aus dem vergangenen Jahr, den du als DJ als besonders gelungen/spannend in Erinnerung hast? Wenn ja: Wo und wann war das und was hat den Auftritt ausgezeichnet?
Da gab es einige. Aber am denkwürdigsten war sicherlich der Auftritt von Dreesvn und mir beim New Forms Festival in Vancouver. Das war schon sehr dicht dran an der perfekten Nacht. Wir hatten uns schon die Tage zuvor sehr willkommen gefühlt, und viele interessante Leute kennengelernt, und dementsprechend haben wir uns dann auch bemüht, alles zurückzugeben was wir konnten. Der Live-Auftritt von Dreesen und Sven war einfach wundervoll und sehr beeindruckend, und ich konnte danach wirklich alles spielen was ich wollte, ohne dass es spürbare Einbrüche auf der Tanzfläche gab. Und bei dem Set hätte das schon durchaus passieren können. Es gab dann zum Abschluss des Festivals auch noch eine inoffizielle Party, bei der ich stundenlang im Wechsel mit DJ Sotofett und DJ Fett Burger aufgelegt habe, aber da ist die Aufnahme nichts geworden, was wirklich sehr schade ist. Ich erinnere mich aber auch sehr gerne an eine kleine Griechenland-Tour zurück, den tatsächlich beeindruckenden Sound von Plastic People, no sleep raver bei Washing Machine, feiern gegen alle Widrigkeiten in Ljubljana, Macro mit geballter Kraft im Stattbad, Arme in die Luft in der Panoramabar, und und und. Ach ja, und ich habe bei einer schönen Nacht in Nürnberg die krawallbereiten Besucher des Deutschpunk-Festivals im gleichen Gebäude für klassischen Garage House begeistern können. Ich hatte gar nichts anderes mitgenommen, und es blieb mir gar nichts anderes übrig, aber es ging nicht nur nicht ins Auge, es blieb kein Auge trocken.
Seit einigen Wochen kann man dich als DJ über die Agentur Option Music buchen. Wie kam es dazu, dass du nun bei einer Agentur bist, wo du das doch vorher jahrelang alles selbst geregelt hast?
Nun, ich bin vor vier Jahren Vater geworden, und gleichzeitig nahmen Anfragen für Gigs wie auch der Zeitaufwand meiner diversen anderen Verpflichtungen und Tätigkeiten stetig zu. Nach fast 30 Jahren war ich dann irgendwann so ausgelaugt von der ganzen Logistik, dass ich bereit war, alles in professionellere Hände zu geben. Bei Option Music mag ich sowohl die Art, wie das Booking gehandhabt wird, als auch die anderen Artists, und zwar allesamt. Ich musste die ganzen langjährigen Verbindungen nicht aufgeben, und es kommen neue hinzu. Ich habe mehr Zeit für die Familie, und die Agentur ist auch sehr familiär. Win-Win.
Seit einiger Zeit bist du Teil des Hard Wax-Teams und bist u.a. mit für den Einkauf und somit auch für die berühmten Hard-Wax-Einzeiler verantwortlich. Hast du schonmal das Prädikat “Killer” vergeben und wie leicht oder schwer fallen dir diese Kurzbeschreibungen?
Ja, das Prädikat habe ich schon öfter vergeben, aber eigentlich gehen wir damit bewusst sparsam um. Es wird in der Regel nur für Releases benutzt, die das Zeug dazu haben, irgendwann später vielleicht in der Kategorie Essentials zu landen. Musik, die aus dem Gesamtgeschehen heraussticht. Wir hatten die Webseite ja schon von den Tips bereinigt, nachdem das irgendwann in jeder zweiten Vertriebs- oder sonstigen Promoankündigung zu lesen war, und auch sonst stapeln wir lieber tief als hoch. Wir vertrauen da ganz auf das Urteilsvermögen unserer Kunden, und wollen es nicht beeinflussen. Unser Programm ist sorgfältig vorgefiltert, und somit ist es eigentlich nicht nötig mit Hype-Mechanismen abzulenken, die in so vielen Bereichen des Musikgeschehens sich nur noch gegenseitig entkräften. Als langjähriger Musikjournalist musste ich mich zuerst daran gewöhnen, Musik nicht wertend zu beschreiben, mit nicht mehr Worten als unbedingt notwendig, aber gleichzeitig habe ich den Stil der Beschreibungen wohl auch ein bisschen mitgeprägt. Aber bei Hard Wax steht die Musik im Vordergrund, kurzum.
Viele kennen dich auch als Journalist für Magazine wie De:Bug, Groove oder auch Resident Advisor. Durch deine Familie, den Job bei Hard Wax und das Auflegen bist du zeitlich wahrscheinlich sehr eingespannt – wie wählst du heute aus, über was du schreibst? Sind das nur noch Liebhaber-Themen für dich? Und merkst du eventuell ähnlich wie Gerd Janson, der seit einigen Monaten fast überhaupt nichts mehr schreibt oder Interviews führt. Ermüdungserscheinungen hinsichtlich des Schreibens über Musikthemen?
Ich gebe zu, dass mich mit der Zeit Rezensionen ermüdet haben. Ich denke bei Gerd war das vielleicht auch so. Man hat diesen Wust an Releases, und je länger man sich als Journalist damit befasst, desto schwieriger wird es, dafür frische Worte zu finden. Im Laufe der Zeit wiederholt sich einfach vieles bei der Musik, die man beschreiben soll, und als guter Journalist sollte man schon den Anspruch haben, in Texten Wiederholungen zu vermeiden. Wenn da zu sehr die Routine greift, lesen sich die Platten vielleicht routinierter als sie klingen. Gleichzeitig hat mich aber auch der Mangel an Diskurs frustriert, der heutzutage im Musikjournalismus vorherrscht. Alles ist zu sehr miteinander vernetzt und voneinander abhängig, und im Begriff Soziale Medien sind die Medien nicht ohne Grund enthalten. In allen Bereichen der Musikbranche ist man ob der fallenden Ertragsmöglichkeiten dünnhäutig geworden, gleichzeitig sind die Medien mehr als zuvor auf den Anzeigenmarkt angewiesen, um überhaupt überleben zu können. Und das ist keine gute Grundlage für eine Kritik, von der neue Impulse ausgehen können. Ich habe da auch einige heftige virtuelle Stürme hinter mir, für sorgfältig recherchierte, sachliche und objektive Artikel, die unter anderen Umständen vielleicht eine Debatte angestoßen hätten, von der alle was haben. Mit dieser Art mit Meinungen umzugehen hatte ich schon Probleme, als ich nur DJ, Journalist und Labelbetreiber war. Seitdem ich vor Jahren Teil von Hard Wax geworden bin, ist es noch wesentlich schwieriger geworden. Die Objektivität, die vorher von anderer Seite zuweilen in Frage gestellt wurde, ist jetzt nicht einmal mehr das Haupt-Kriterium. Ich sehe mich in der Funktion als Einkäufer zu einem hohen Maß an Neutralität verpflichtet, was diverse Themen für mich als Journalist von vornherein unmöglich macht. Nicht in erster Linie als Selbstschutz, sondern vor allem um den Laden zu schützen, und das, was ich dort tue. Es ist aber nicht so, dass ich nicht mehr schreiben kann was ich will, und dann lieber gar nichts mehr schreibe. Ich schreibe nur eher über Themen, mit geringerem Potential, negative Auswirkungen auf meine Tätigkeiten zu haben. Und das sind dann schon eher Liebhaber-Themen, Interviews mit Legenden, zeitspezifische bzw. historische Aspekte und schlichtweg Musik, über die ich von einer Fan-Perspektive aus schreiben kann. Es kommt aber auch noch erschwerend hinzu, dass beim gegenwärtigen Musikjournalismus Zeitaufwand und Honorarerträge nur noch in einer akzeptablen Relation stehen, wenn man wirklich viel schreibt. Und dafür fehlt mir einfach die Zeit. Demzufolge schreibe ich weniger, als ich eigentlich gerne würde. Aber es ist mir nach wie vor wichtig, und ich würde es nicht komplett aufgeben wollen.
Seit 2007 betreibst du gemeinsam mit Stefan Goldmann das Label Macro. Was wird uns da in diesem Jahr bzw. den kommenden Monaten erwarten?
Traditionell haben wir zum Ende des vorangegangen Jahres noch nicht allzu viele Pläne für das nächste Jahr. Bei Macro regiert der Freiraum, in jederlei Hinsicht. Stefan ist für einige Zeit mit sehr interessanten Projekten ausgelastet, hat aber auch neue Geräte ausfindig gemacht und mir gegenüber bereits angekündigt, sich dieses Jahr stilistisch umfassend häuten zu können. Und so wie ich ihn kenne, macht er das dann auch. Es wird wohl einen Soundclash unserer beiden Live-Institutionen KiNK und Elektro Guzzi geben, ich rechne in freudiger Erwartung mit neuem Material älter und neuerer Macro-Künstler, und wenn es zu uns passt, sind uns natürlich auch ganz neue Produzenten willkommen. Der Rest wird sich vermutlich wie gehabt aus spontanen Eingebungen ergeben, die wir dann gewohnt akribisch in die Tat umsetzen. Im Prinzip gehen wir auch schon seit 2007 davon aus, dass wir mal problemlos eine Auszeit nehmen könnten, aber irgendwie kam bis jetzt immer eine ganze Menge dazwischen.
Deine Hot Wax Shows auf BCR sind sowohl in ihrer Länge als auch stilistisch teils sehr unterschiedlich und spiegeln damit eben dich als vielseitigen Host und DJ wider. Welchen Themen und Genres willst du dich unbedingt noch in einer deiner Sendungen widmen, bist aber bisher noch nicht dazu gekommen?
Ich habe eine langjährig gewachsene, stilistisch sehr vielfältige Plattensammlung. Gerade wenn man eine regelmäßige Radiosendung macht, sollte man das auch nutzen. Die angesprochene Vielseitigkeit zeichnet mich wohl als DJ aus, aber ich will das auch nicht überstrapazieren. Der Großteil der Hot Wax-Sendungen besteht schon aus Platten, die ich aus dem Laden mitnehme. Ich lasse dann ein paar Wochen verstreichen und mache eine Art Kassensturz, und wähle dann die für mich interessantesten Releases aus, teils im Club erprobt, teils auch nur zuhause. Mir geht es bei den Sendungen oder auch anderen Podcasts nicht darum, meine Aktivitäten im Club zu simulieren, auch wenn ich Clubgigs gerne mal thematisch angehe. Wenn ich irgendwo auflege, fände ich es aber weder für mich noch für andere reizvoll, Sequenzen aus irgendwelchen meiner Sendungen zu wiederholen. Radio hat mich lange Jahre begleitet, und das Format bedeutet mir sehr viel. Was da aber musikalischen Spezial-Themen im Verlauf des Jahres geschehen wird, möchte ich noch nicht verraten, ich mag Überraschungen. Ende Januar wird es aber noch mal eine Sendung mit aktuelleren Platten geben, und dann möchte ich gerne mit einer irregulären Serie anfangen, die sich mit Edits befasst, die in den 80ern auf Remix Services erschienen sind, etwa Disconet, Hot Tracks, Razormaid und anderen obskuren Labels. Ich sammle solche Platten schon seit etlichen Jahren, und finde es sehr faszinierend, was damals mit Tape und Schere mit bekannten Clubhits angestellt wurde. Und es wird einen sehr persönlichen Podcast für Modyfier geben. Ansonsten habe ich eigentlich immer Ideen, wenn ich in den Regalen umhersuche. Und ich habe keinerlei Hemmungen, die dann auch in die Tat umzusetzen. Ich bin sehr dankbar, dass das so viele Leute hören wollen, und hoffe, dass das noch lange so bleibt.
Vielen Dank für deinen Mix! Per Facebook-PN hast du ihn ja schon als “Deutschland in deep, die klassische Variante” angekündigt und daraus wurden dann gleich über drei Stunden. Wie kamst du auf die Idee dazu, wie hast du deine Auswahl getroffen und wie und wo den Mix dann letztendlich aufgenommen?
Das sind meine persönlichen Favoriten zum Thema Deepness in Deutschland, vornehmlich House. Platten, die ich über Jahre regelmäßig gespielt habe, und auch auch immer noch spiele. Von einigen Produzenten hätte man natürlich auch mehrere Tracks nehmen können, aber es ging mir eher um einen breiten Überblick. Es hat eine Weile gedauert bis sich deutsche Produktionen von Ende der 80er an von den US-Vorbildern emanzipiert haben, aber dann ist wirklich viel Eigenständiges passiert, sei es in den Großstädten, oder in der Provinz. Dass es sich hierbei überhaupt um eine Auswahl nationaler Veröffentlichungen handelt, ist vollkommen unpatriotisch. Ich vergleiche einfach gern. Die Charakterisierung der einzelnen lokalen Szenen zu den Platten muss aber an anderer Stelle stattfinden, da gehören mehr interessante Zusammenhänge hinzu, als ich hier anreißen kann. Viele der vertretenen Künstler sind auch heute noch aktiv, aber dieser Mix soll beleuchten, wie das in früheren Jahren klang, und wie gut das gealtert ist, bis hin zu etwas aktuelleren Releases. Für mich sind das alles Klassiker, und wichtige Platten. Die Abfolge der Tracks hat sich beim nächtlichen Raussuchen ergeben, und dann ist der Mix in einem Rutsch am verregneten Tag darauf entstanden, mit zwei MKs und einem erstaunlich unverwüstlichen Ecler-SmacFirst-Mixer. Das Setup benutze ich seit 1995, für alles.
Wo kann man dich demnächst mal wieder auflegen hören?
Ich bin gerade aus dem wohlverdienten Urlaub zurück, und meine Bookerin auch. Wir müssen uns erstmal sortieren. Aber wir sind dran. Have headphones, will travel.
Finn Johannsen is the kind of DJ we didn’t think existed anymore. He has an encylopediac knowledge of music and it’s apparent when watching him play that his understanding of music moves him while he’s moving the crowd. The Berlin based DJ has been a fixture in house music since he began spinning in clubs in the ’80s. His command of music has led him to branch out from DJ’ing, as a buyer for legendary Hard Wax in Berlin, where he curates a selection of sometimes very hard to find vinyl in different genres, like dub or acid techno. He’s a co-owner of Macro Records, a label which reps artists like KiNK and Morgan Geist. He’s also a writer, contributing to electronic bible Resident Advisor.
Our favorite thing about Finn, is his dedication to vinyl. He only plays vinyl during his sets, which is quite a feat, considering he tends to play marathon sets (we caught him during a three-hour feat). It’s easy to keep the crowd moving when you’ve preselected a surefire mix with whatever is trendy at the moment, but Finn chooses to keep an eye on the crowd and let that determine which record he ducks down to grab from the thick stack he’s brought with him (did we mention he doesn’t play the same set twice?).
We asked him to tell us a little bit about how he got started, the state of the music scene in Berlin and his advice for aspiring DJ’s. Catch the Q+A below.
What attracted you to house music?
When I first heard house records in clubs, internet was not an option. I learned where it came from from magazine articles, but later on. I liked that it condensed a lot of music I liked before into something new, which sounded primitive, fresh, and effective. For me it was just another step in the chronology of club music though, albeit one that surpassed early fad status very quickly.
How has house evolved since you first started spinning?
It absorbed a lot of music styles and got bigger and bigger. But it also fragmented into countless sub-genres. Nowadays the style is as detached from its origins as it is close to it. And that is not even a contradiction. It seems anything is house, and nothing.
How do you think social media has changed the way music is shared?
Social media has changed everything in terms of accessibility. You can be up to date with anything you are interested in, no matter where you are. The problem is that you are also up to date with anything you are not interested in, and there is not much you can do about it.
What is the Berlin scene like right now?
Berlin drains a lot of talent from anywhere else in the world with the promise of affordable everyday living, and lots of opportunities to earn money and reputation with what you do, particularly in the club scene. That may be true in comparison, but it also means a lot of competition with a lot of talent, and the affordability is waning. The influx of national and international artists have not yet led to a distinctive sound you can link to the city either. The sound of Berlin now is a plethora of sounds, with a huge network attached. But the city also has a plethora of distractions, which are not always helpful with a creative process.
You impressed us with your 3 hour set, and you’ve said that you don’t play the same set twice. How do you read a crowd and keep the party going?
To me it makes no sense to repeat certain sequences that people might have heard at other gigs or on online recordings of mine. I have enough records to try and avoid that. When I travel and I have to do a succession of gigs with the same record bag, I try to change the set as much as possible, in order to challenge myself and offer some surprises for the ones who came to see me. I am interested a lot of different kinds of music and I like to make use of that. Well, I get bored very easily, too. And I do not want anybody else to get bored either. When I’m about to play somewhere I’m the type trying to arrive in time to check out how the night is evolving. I only play vinyl, so I have to get along with the records I brought, and I select those records by doing some research about the place I’m due to play, and sometimes who else played there as well. But how much I can succeed with said selection is pretty much down to the experiences gained in nearly 30 years of playing out in clubs. It works well most of time, but there is never a guarantee. And there should be none. Routine is the enemy, and failure is as important as success.
You move seamlessly through different fields; is it easy for you to transition through each field? How do you balance?
It actually is not easy at all. Not only in terms of scheduling, but also because certain things I am involved with do not get along to well with others. I think it is obvious that running a label myself and buying and selling other labels at Hard Wax does not really blend well with writing about other labels, for example. So I stepped back from writing considerably, even if I am missing it quite a bit. I still do some interview or features about more general topics, but nowadays discourse is an almost totally neglected aspect of music journalism, both due to networking obligations between the music business and the media, and a lack of self-criticism on the side of the artists. This also applies to the other things I do. Mostly they benefit from each other, but there is also always a potential they might affect each other negatively. You have to keep a lot of things in mind, and often you do not want to, or even can.
We’re in the era of the “laptop DJ”. Do you think it’s important to learn to spin on vinyl?
I have not much respect for digital DJ’s who stress the layering aspects of their setup, and then just play track after track from a huge database. For me then, the only aspect is convenience. But the entertainment value of a DJ set is not dependent on the medium it is performed with. The music matters. Still, I prefer DJ’s who do the mixing by ear, and who rather watch the floor instead of a display. I do not think that you should start DJ’ing by learning your craft with vinyl. But you should learn your craft first.
Is dj’ing an art form?
No, it is the means to an end.
What advice could you give to dj’s who are just beginning?
There are legions of DJ’s. If you want to make a difference, be different.
We go back in the days when DJ rooms only existed as an expanding Facebook page. Finn Johannsen, author, label owner and DJ from Berlin sent us his wonderful room, packed full with records. Of course we’ve had a little interview with him…
Tell us and our readers, when you started DJing:
“I’m playing records in public since the mid-80’s”
What else can you tell us about you:
“I’m an author for several mags (de:bug, resident advisor, sounds like me, groove and numerous other print and web publications). I’m also co-running the label Macro Recordings, and working at Hard Wax. I live in Berlin”
The size of your record collection?
“I think around 8000 records”
What equipment do you use in your room?
“2x Technics SL-1200 MK2 turntables, 1x Ecler SmacFirst mixer, 1x Yamaha RX-495RDS Receiver, 1x Harman Kardon HD7300 CD Player, 2x 1970′s Bang & Olufson speakers, 2x JBL Control 1 Pro monitor speakers, 1x Sony MDR-7506 headphones, 1x Technics Stereo Cassette Deck RS-TR373, 1x Technics Cassette Deck RS-B675″
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