As it was a continuation in the timeline of club music it is quite natural that via sampling the early years of house were already littered with references to what happened before: disco. Pioneering Chicago house records used vocal snippets of the classic repertoire of disco and replayed its basslines and arrangements. Just take Isaac Hayes’ „I Can’t Turn Around“ for example, which was not only used in Farley Jackmaster Funk’s „Love Can’t Turn Around“, but also numerous other house tracks at that time. And acapellas from the back catalogue of classic disco labels like Salsoul, Prelude or West End never stopped being used for giving a track that extra imperative on the floor. But as well as disco always remained an integral of house music’s matrix, particularly lesser productions means led to different approaches of utilizing it. From the mid 80s on, nearly no house producer could afford to set up an orchestra in a studio, also many were not trained to write and arrange music as many protagonists of the classic disco era were. Still, the desire to reference or recreate the disco legacy with a house groove was always there until today, and the ways with which disco and house connected were manfifold and innovative. We take a look at some prime examples.
Mitch Winthrop – Everybody’s Going Disco Crazy (Everybody’s Much Crazy Records, 1991)
I first heard this record at Hamburg‘s Front club, where it was a total anthem. At the time most people were actually not disco crazy anymore, but this was a perfect reminder to never forget where it was all coming from.
Reese Project – Direct Me (Joey Negro Disco Blend Mix) (Network, 1991)
Dave Lee aka Joey Negro was one of the first house producers that were not content with only sampling disco elements, but who aimed for a production that came as close as possible to disco’s original production and arrangement values. His remix for Kevin Saunderson’s garage house project went all the way. Joey Negro had the knowledge and had paid close attention, and obviously his directive was to achieve anthemic euphoria, and as all was done with loving detail, straight to the syndrum pew pew pews, he proved himself to be a trustworthy ambassador of the disco heritage, and remained ever since.
Milo from Bristol‘s legendary Wild Bunch soundsystem deconstructing disco source material down to dark and gritty netherworld. None of the glitz of the sample references survived the process, and the music seemed to rather kick you out into the back alley through the back door than sway you in through the velvet rope on the other side of the building. I found „Ruff Disco Volume One“ in a bargain bin in the early 90s and I think it still sounds totally visionary and unique.
A tribute to Tony Humphries and the whole New Jersey legacy by Romanthony, one of house music’s greatest producers ever. If there ever was a more convincing argument to never deny your roots and keep them alive in what you are doing, I would like to hear it.
Jump Cutz – House Luck (Luxury Service Records, 1995)
One of many highlights from the Jump Cutz series, produced by Rob Mello and Zaki Dee. This really shows that often a good disco house track is no rocket science. Deconstruct source material into several parts. Reconstruct said parts as you please. Watch them go.
The Morning Kids – Free Lovin’ (Housedream) (Balihu Records, 1996)
As a true disco lover and dancer, Daniel Wang knew that it is the early morning hours when the magic of a good night out really unfolds. A rather simplistic meditation based on just a few samples compared to his later vintage syntheziser led output, but it still works a treat if the DJ decides it is finally the right time to switch gear. When it was released, the balearic revival was just a few sunrises away.
Los Jugaderos – What You Doing To This Girl? (Jus’ Trax, 1996)
A rework of Dazzle’s „You Dazzle Me“ which is indeed dazzling. The well-proven disco evangelists Ashely Beedle and Phil Asher concentrate on building up the tension mesmerizingly and release the strings at exactly the right moment. A masterclass in structure.
Turntable Brothers – Get Ready (Music Plant, 1996)
There once was a seminal live recording archived on deephousepage.com that captured Ron Hardy whipping his floor into a frenzy with an extended reel-to-reel edit of Patti Labelle’s „Get Ready“. This Chicago label already carrries the legacy of two legendary windy city clubs in its name: the Muzic Box and the Warehouse (later Power Plant). So it should come as no suprise that most records on Music Plant are a straight homage, albeit with banging beats and the freewheelin’ demanour with the use of samples so typical for Chicago. „Get Ready“ skips the traditional verse part of the original and heads straight to the climactic chorus, then rides it far into ecstacy.
How did „”Homework”“ found its way to your years? Was it by coincidence, or did you seek it out on some recommendation?
It was totally by a coincidence. I think it was back in the fall or winter of 1996 or something, I can’t really remember. My brother and me were listening to the radio one evening in the kitchen. Back then, we always listened to the radio when we were eating or hanging out, usually making drawings. In Norway around the time it was a channel called NRK P3. It’s still around, and it was one of the main National broadcasting channels. There were three of them. NRK P1 the original, NRK P2 mostly for culture, and NRK P3 for the younger generation. This station was aiming for a younger audience – but in a very different way than today. They used to have a broad selection of different programs. My favorite was the programs in the morning and afternoon because they had a lot of intelligent humor and also sometimes pushed things a bit further in terms of what was socially acceptable, at least back then. In the evenings, six days a week, they had different shows dedicated to music belonging to a certain scene or niche. Tuesday, Wednesday and Thursday it was Roxrevyen, which later became Karlsens Kabin, and Hal 9000. Karlsens Kabin mainly covered indie music, but also electronic music. Hal 9000 with Harald Are Lund was a broad selection of rock, electronic and experimental music with a very open minded approach. A lot of older things got played as well. Friday, it was National Rap Show with Tommy Tee, Hip Hop concentration mostly on early nineties East Coast Hip Hop. And then, Saturday, it was DJ Dust with Funk and Disco, DJ Strangefruit with his eclectic selections, and later in the evening DJ Abstract with mostly House and Techno. On Sunday it was Chill Out with DJ Friendly in the morning and Ambolt on Sunday evening, which was dedicated to Metal and harder Rock. Overall, NPK P3 had a pretty broad selection of music from different scenes. It provided a great musical education for when you are young and from a small Norwegian town. These programs were so dedicated to their scene, they always played a lot of demos or unreleased music. Karlsens Kabin and Hal 9000 played some of our oldest music, even things only made on CD-R, so it was a very supportive scene on the radio back then. You can just imagine how crazy it was for us back then being played on national radio!
OK, now back to the question. First time I heard something from Daft Punk was through Karlsens Kabin or Roxrevyen as it was called then. It was a mid-week evening, and suddenly “Around The World” was on the radio. This was before it was a big hit, and before people knew what Daft Punk was. It was probably a radio promo that was played or something like that.
It just blew my mind at the time. Back then it was so cool, different, even strange. Right after they played the song, they said the name and title of the song. And one second later I forgot it all, except the song. But a few months later, Daft Punk was everywhere with “Da Funk” and “Around The World” on MTV all day long.
Do you like the album as a whole, or are there personal highlights, or even tracks you do not like as much?
I like the album as a whole. Before when it was new, you could hear the hits everywhere, so I was pretty familiar with them. I remember when my brother and I got the album. It was an interesting listening experience, since most of the tracks were actually not hits or mainstream material. For instance, “Rollin’ & Scratchin’, “High Fidelity”, “Rock’n Roll”, “Indo Silver Club”, “Alive” or the intro “Wdpk837 Fm.” But, since everything was on the album, it just became associated with something mainstream.
Now it’s a classic of course, but back then, it was the combination of making something catchy, a bit more demanding, and for a scene. In this case, obviously House and Techno. You can hardly say that something is demanding or edgy on the album anymore, because of its place in music history. I think there still are some tracks that are edgy. Back then, for a 15-year-old kid without any experience, this was a big and new thing. Just imagine what influence this had. I remember even in the beginning, I didn’t like “Rollin’ & Scratchin.’ However, it changed after I gained more of an understanding for where the song and its influences came from.
For me, the whole album is a personal highlight. There are different vibes to the tracks and your mood shifts. Some songs are more uplifting, some more mellow, and some noisy or slow. But everything is a favorite of mine in different ways. They all have different elements of influences for me in terms of musical education. The whole album is a favorite of mine. Everything, from how the sound is mixed, the way Daft Punk samples, the artwork aesthetic, the music videos and Daft Punk’s anonymity at the time. It’s a whole package, and I embraced it all. I loved it all and still do!Read the rest of this entry »
Noch lange nach dem offiziellen Niedergang zog sich das Erbe der Disco-Ära mehr oder weniger latent durch das jeweils aktuelle Clubmusik-Geschehen, aber in den letzten Jahren nahm die Auseinandersetzung mit dem Thema neue Formen an. Damit einhergehend meldete sich eine Form der Musikbearbeitung zurück, die schon abgelegt schien: der Edit. Wo zur klassischen Phase des Edits noch DJs und Produzenten zu Schere und Klebeband griffen, um individuelle Versionen für Club-Sets maßzuschneidern, führten die fortschreitenden technischen Erleichterungen in der Musikproduktion zu einer Flut von Edits bekannter oder obskurer Titel. Es war nun geradezu üblich, sich erst mit ein paar editierten Fremdkompositionen schwankenden Mehrwerts einen Namen zu machen, und sich dann allmählich als eigenständiger Künstler zu etablieren. Je mehr Disco sich in die breite öffentliche Wahrnehmung zurückmeldete, desto weiter drifteten die Lager derer auseinander, die Disco in immer entlegenere, spezialisiertere Winkel erforschen wollten, und derer, die Disco einfach mehr Popularität wünschen. Aber beide Lager machten für ihre Zwecke zahllose Edits. Bis dahin wurde jedoch schon ein ganz schön langer Weg zurückgelegt.
Ab Mitte der 70er Jahre war die Bandmaschine fester Bestandteil der Setups von Studio und DJ-Kanzel. Schon 1974 nahm der New Yorker DJ John Addison damit seine Sets im Club auf, und ungefähr zur gleichen Zeit verbrachte Tom Moulton, frustriert von den damals noch gängigen Fade-outs und Pausen auf der Tanzfläche, etliche Arbeitsstunden damit, Tapes für den Club Sandpiper auf der Schwulen-Enklave Fire Island zusammenzuschneiden, auf denen die Songs ineinander übergingen. Der Arbeitsaufwand, die Methodik und das Arbeitsgerät dabei waren mit dem Cutter beim Film vergleichbar, und man brauchte eine Menge Geduld und ein fein abgestimmtes Ohr dafür, die Parts der Musik harmonisch und punktgenau zu trennen und an anderer Stelle wieder zusammenzufügen. Moulton war somit nicht nur ein Pionier der Mix-Compilation, er führte 1976 auch die 12“ in die Clubkultur ein, als er eine verlängerte Version von Moment Of Truths „So Much For Love“ für das Format anfertigte (seine Glanztaten als Mixer würden diesen Rahmen sprengen). Moulton war jedoch nie DJ, wohingegen der legendäre Walter Gibbons, der sich mit ihm anhand seiner Version von Double Exposures „Ten Percent“ die Verdienste um die erste 12“ teilte, seine Erfahrungen als Ausnahmetalent in der Kanzel in seine Edits einfließen ließ. Die Mixe, die er im Club machte, indem er bestimmte Parts von Songs am Mischpult ausdehnte und wiederholte und ihnen somit eine völlig neue Dramaturgie und Dynamik verlieh, bannte er bald auf Tonbänder und Acetat-Pressungen, um sich die Arbeit im Club zu erleichtern. Und in Zeiten, in denen der DJ pro Nacht viele Stunden am Stück zu arbeiten hatte, war das ein ernstzunehmendes Kriterium. Die Umstrukturierung eines Stückes mittels Editieren war demzufolge schon von Beginn auch durch Funktionalität definiert, gleichermaßen das Erlebnis auf der Tanzfläche betreffend, als auch das Wirken des DJ, der für das Erlebnis sorgt. Schnell wurde aus der tanzbareren Alternative zum Originalversion der Standard, und ein DJ ohne signifikante eigene Edits war kaum noch konkurrenzfähig. Anfang der 80er, nach dem klassischen Disco-Boom, wurde dieses Gewinnerteam nicht ausgewechselt, sondern weiterentwickelt. In New York zogen Studio-Asse wie François Kevorkian oder Shep Pettibone wegweisende Lehren aus den frühen Tagen des Edits, und arbeiteten ihr Ausgangsmaterial von Underground bis Pop zu kaum noch wiedererkennbaren Versionen um. Gleichzeitig sorgte die etwas jüngere Generation, am prominentesten vertreten durch die Latin Rascals und Mr. K alias Danny Krivit, dafür, dass einerseits die Tradition neu erblühte, andererseits den Anschluss an neue Sounds fand, und von England aus kümmerte sich Greg Wilson darum, dass die Kunst des Edits von England aus auch in Europa um sich griff. In Chicago rumorte wenig später bereits das Phänomen House, das maßgeblich von den dort tätigen DJs Frankie Knuckles und Ron Hardy auf den Weg gebracht wurde, wobei auch ihre Edits eine gewichtige Rolle spielten, vor allem die radikalen Dekonstruktionen, mit denen Ron Hardy seine favorisierten Tracks behandelte.
Als House dann ab Ende der 80er seinen Siegeszug antrat, wurde der klassische Edit vom Sampling verdrängt und geriet aus dem Blickpunkt. Nicht nur das mühselige Arbeiten mit Tapes war schon längst Vergangenheit, man konnte mit Sampler und Sequenzer wesentlich schneller vorgehen, und oft war eine gezielte Referenz wichtiger als eine sorgfältig arrangierte Neubearbeitung. Aber schon in den 90ern wurden diese Referenzen wieder nostalgischer, und man erinnerte sich daran zurück, dass eine eingehende Beschäftigung mit prägnanten Einzelparts einem Track zu neuem Glanz verhelfen konnte. Dieser Glanz färbte auf die liebevollen Edits ab, die DJ Harvey und Gerry Rooney auf Black Cock veröffentlichten, und zog sich von den Dub-Exkursionen der Idjut Boys, den Respektbekundungen Ashley Beedles, der Expertise von Joey Negro und Dimitri from Paris bis hin zur Experimentierfreude Theo Parrishs und der verantwortungsbewussten Archäologie von Morgan Geist.
Viele der genannten Protagonisten bestimmen auch die Renaissance des Edits in den letzten Jahren. Auch sie bedienen sich dabei der Neuerungen, die die Herstellung eines Edits wesentlich vereinfacht haben. Tonbänder sind jetzt Files, Schnitt- und Mischpulte sind Produktionssoftware, und das Studio ist im Laptop. Der Weg vom Original bis zum Edit hat sich auch vor dem Hintergrund virtueller Distributionswege derart verkürzt, dass vom Flohmarktfund bis zum Release theoretisch nur wenig Zeit vergehen muss. Damit geht aber leider oft eine Bootlegger-Mentalität einher, die sich nur noch rudimentär um die Qualitäten und Lizenzrechte von Basismaterial schert, und die Auswahl der Musik beschränkt sich nur zu häufig auf Distinktion durch Obskurität und Verfügbarkeit. Tracks werden dann nicht mehr individuell interpretiert, sondern nach den Convenience-Geboten modernen Auflegens zwangsbegradigt. Kickdrum schlägt Schlagzeuger, Arrangement schlägt Neuarrangement. Natürlich gibt es genug Produzenten, die, dem Grundgedanken der Edit-Klassiker gemäß, einen Track so auseinander- und wiederzusammenbauen, dass ein Mehrwert entsteht, aber man muss in der Schwemme von Edits, die daran nicht weiter interessiert sind, immer tiefer tauchen. Über die Verantwortlichen dafür stellte Lars Bulnheim, Gitarrist bei Superpunk und begnadeter Soul-DJ, einst treffend fest: „Da will einer Kalif sein, anstelle des Kalifen“.
Es lohnt es sich in jedem Fall, sich bei den Pionieren zu unterrichten, wie man mit einem Edit eine neue Version schafft, die neben der alten Version mindestens besteht. Anschauungsmaterial dafür gibt es mehr als genug.
25 Edits:
Bettye Lavette – Doin’ The Best That I Can – Walter Gibbons Remix (West End Records, 1978)
Yaz – Situation – François Kevorkian Dub Version (Sire, 1982)
First Choice – Let No Man Put Asunder – Frankie Knuckles Vocal Mix (Salsoul, 1983)
Jimmy Ruffin – Hold On To My Love – Robbie Leslie Disconet Remix (ERC, 1984)
MFSB – Love Is The Message – Mr. K Re-Edit (T.D. Records)
Carl Bean – I Was Born This Way – Shep Pettibone Better Days Version (Next Plateau, 1986)
La Flavour – Mandolay – Latin Rascals Version (Seathru Records, 1987)
Data – Living Inside Me – Razormaid A-2 Vinyl Mix (Razormaid, 1989)
DJ Harvey – Love Finger (Black Cock, 1998)
Patti Jo – Make Me Believe In You – Black Science Orchestra Re-Edit (Original Sound Track Recordings, 1999)
Patti Labelle – Get Ready (Looking For Love) – Ron Hardy Back To The Music Box Edit (Nuphonic, 2000)
Theo Parrish – Ugly Edits Vol. 2 (Ugly Edits, 2002)
Dance Reaction – Disco Train – Morgan Geist Caboose Mix (Environ, 2003)
Johnnie Taylor – What About My Love – Joey Negro Re-Edit (Rapster, 2004)
Isaac Hayes – I Can’t Turn Around (Ron’s Edits, 2004)
Tantra – A Place Called Tarot – Idjut Boys Re-Edit (Tirk, 2004)
Während die nachberufenen Cosmic/Balearic-Botschafter mit zunehmender Verzweiflung auf den Flohmärkten die definitive B-Seite einzukreisen versuchen, fängt Dimitri from Paris wieder am anderen Ende an und kontextualisiert mit erwiesener Buddel-Expertise die vernachlässigten Geschwister von Dr Buzzard in seine fixe Idee von Glamour. Der Titel dieser Compilation ist etwas arg geraten, aber die Musikauswahl ist mitnichten nur oberflächliche Tanzorchester-Disco-Opulenz mit Choreinlagen sondern bietet einige wirklich bemerkenswerte Facetten zwischen ausladenden Broadway-Arrangements, Instant-Karibik-Exotik und B-Liga-Philly. Von Astrud Gilberto, der Ritchie Family und Paul Mauriat mal abgesehen, durchweg Spezialistenfunde, mit einer properen Dosis Soul im Glitz und nicht wenig Schmackes im Groove. Im Gesamteindruck eine prächtige Mischung aus der Sleaze-Phase der New Yorker Tanzpaläste der 70er und Oberklassecamp mit Unterklassemitteln. Hier werden die Satinblousons kunstvoll verknotet, Schulter schmiegt sich an Schulter und jede Hustle-Formation bekommt mit klingendem Kristall ihren Tribut. Für übersensibilisierte Geschmacksvorgeber vielleicht des Guten zuviel, für Geschmacksgestresste vielleicht fast eine Befreiung.
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