We should probably start at the very beginning. What were your baby steps as a DJ, what led you to being a DJ in the first place?
I think in the first place was the love for music. And I can remember when I was really, really young, with a babysitter, and we’re talking about the days of 45s. The first record that I actually remember and I was spinning was „Spinning Wheel“ by Blood, Sweat & Tears.
Good choice.
You know my family was from Puerto Rico and there was no American music in my house.
It was mostly Latin music?
Only Latin music. And we’re talking about Merengue, Salsa. Folk music from Puerto Rico. And I didn’t like it. And it’s funny because today I appreciate Latin music. Since I became a producer, now I appreciate Latin music for the production, the instrumentation, the musicians, because Latin music is not machine-made, not at all. So the first 45 that was in my house was “Jungle Fever” by Chakachas. My parents had this fucking 45 that was this erotic fucking record. And we’re talking about these stereos that were like these big fucking wooden consoles with the big tuner for the radio and the thing with the record where you put some records in the thing and it dropped one at a time and when it ended the thing drops. It must’ve been when I was about six or seven there was an illegal social club. You know I was living in the ghetto. So there were illegal social clubs that were like a black room, with day-glo spray paint, fluorescent lights to make the paint glow and they had a jukebox. And they’d play the music back then. „Mr. Big Stuff, who do you think you are“. It was all about the O’Jays and that kind of music. And I liked that. I used to sneak downstairs and such.
So when was that?
It was like the late sixties. Because I was born in ’62 so by ’70 that makes I was 8 years old. So it was before that because then I moved. Anyway, so fast forward the first 45 that I liked was the O’Jays. The first 45 I actually bought. And I remember playing that record I a hundred times a day. Putting the bullshit speaker we had in the house outside the window, we lived on the first floor. I played the record to death.
So you played it to the whole neighborhood?
The whole neighborhood. The only record I had really. So then when I graduated elementary school, I used to be into dancing, like the Jackson 5 they had “Dancing Machine”, there were The Temptations and Gladys Knight & The Pips and I liked that music. So then when we got into Junior High School – when I was like 13 years old, I had a girlfriend and we went out when the first DJs came on in the neighborhood, which was like the black DJs. I saw the first two Technics set up and a mixer in someone’s house. I was like “Wow! That’s interesting.” I saw somebody doing this non-stop disco mix and I never knew what that was all about. So, I used to hang out with all my friends. I was a dancer, we used to do all this what we now call breakdancing. We would do battles. So, I had one turntable and my friend would say “David, we hangin’ at my place” and I would play some music for us. So I just was a kid that sat by the stereo with the records and put on the tunes, one at a time. Because back then that’s what it was, you’d play one tune at a time. If it ended, the people clapped and you’d play the next tune. And it was all songs.
How did you proceed from there?
I was one of those kids that used to go to the record store even though I had no money. Just to look at the records. To walk by a store that sold turntables and a mixer and be like “one day, one day…” And I’m not working so I can’t afford to buy anything. My first mixer was a Mic mixer. 1977 there was a blackout in New York and there was a lot of stealing so I came across a radio shack little Mic mixer that I set up to make it work with two turntables. You had to turn two knobs at the same time and it was like mixing braille because there was no cueing. My one turntable had pitch control, the other one had none. I was too young to go to clubs, so I never saw a proper DJ mixing. I only saw people outside, we would have block parties and people would be mixing. And I was one of those kids that was just standing there, watching. The first time I went to a club I was 15 years old, it was Starship Discovery One. It was on 42nd street in Times Square, and we got in. We shouldn’t have got in, but you know it was the end of the club, I was 15 and I got in. The DJ had three Technics, the original 1200s, and a Bozak mixer. The booth was a bubble, and I had my nose at the fucking bubble and I was just mesmerized. The first time I actually played on a real mixer I went to a house party at my friend’s brothers apartment. And in those days, most of the DJs who were really playing were gay DJs. “San Francisco” by the Village People was the big record. But I was into The Trammps, I was into James Brown, I was into Eddie Kendricks, Jimmy Castor Bunch, “The Mexican”, Sam Records and of course Donna Summer and all this kind of stuff. So I went to this house party and he was the DJ, the first proper mixer I saw – this was before I went to that club. And it was a black mixer, it had two faders and it had cueing. So I see the DJ there, he’s using headphones to cue. So my friend says “D, you wanna play some music?” and I’m like “Yeah, sure.” I grabbed the headphones, put them on and I hit the cueing, because I was watching the guy, and I’m hearing some music and and I was like “Oh shit…” When I played at that party, I’d still play how I know how to play, which was braille. Intro, outro. And it wasn’t about mixing. All the new bars at that time were advertising nonstop disco mixes.
It was even mentioned on the record sleeves.
Yes. And all that meant was that the music never stopped. Because before the music used to stop before the next record came in. So now it was continuous. That worked, so here came the name nonstop disco mix. And then at that time all these records started coming out. The disco 45 record. At my junior high school prom “Doctor Love” by First Choice was big. And I remember the guy playing it about four times. So my first 12″ of course was “Ten Percent” by Double Exposure, on Salsoul. Another record that I played to death out the window.
You were still doing that?
I was still doing that. I used to live to just play music. I loved it. I would leave in the morning to go to school because my parents would go to work. I would buy a bag of weed, buy a quart of beer and I would go home. And you know in the old days we had all those buildings where you could really play loud music and I had these stupid double 18 boxes in my fucking bedroom. Before I’d take a piss, I turned my system up. My mother used to be like “turn that music down, turn that music down, turn that music down!”
Did you begin to play out around that time?
Yes, and playing at parties in those days meant you carried your records. Because you didn’t play for two hours, you played the whole party. And the thing is, if you owned 5000 records, you took 5000 records to the party. And in those days we carried milk crates. So here I am carrying eight to ten milk crates to a party. Getting in a car, getting a cab, you have all your friends who would help you going there, but when you’re leaving there is nobody to help. And you had to take the stereo system with you. So you carry the sound system and you carried your records. You took everything. It wasn’t like going somewhere and you just bring your records and they have everything. You had to take everything. I did parties for 15 dollars, for 25 dollars and you had to chase people down for your money.
What kind of events were you doing?
I played in clubs, I did Sweet Sixteens, I did weddings, I did corporate events. I did anything. I also did parties in high school. I would advertise a party, we would bring the sound system to some kid’s house, the parents left to go to work, we’d bring the sound system fast, and I would advertise free beer and free joints. Even 50 people is a lot of people in somebody’s apartment. Imagine we’d take over the apartment and it’s like 10 in the morning and we’d be fucking banging it, banging it, banging it — and we’d get out by 3 in the afternoon before the person’s parents come home. God knows the mess, whatever the case, baby. And in those days the sound system was in the living room, the DJ booth in the bedroom. No monitors, it was just bang bang bang. As I started doing parties at an apartment I used to charge a dollar to get in, decorate the apartment, put up balloons, and it just started with friends. Obviously still free beers, free joints, the whole thing. And like I said, I just loved the music, it was just everything for me. I wanted to play every single day. Even when I didn’t have the equipment, I knew friends that bought decks and a mixer and a small sound system for their house and they weren’t DJs and they used to say “David, come to my house and play music for me.” And I would just die to play, it was just everything for me. Read the rest of this entry »
ZE Records, die beste Schnittstelle zwischen Post Punk und Disco die man sich überhaupt jemals herbeisehnen konnte, ist nach wie vor faszinierend wenig ausgelaugt von fortlaufenden Retrospektiven und allgemeinem Beifall. Die Musik war einfach zu gut, von dem unsäglichen Davitt Sigerson mal abgesehen, den ich mir immer als eine Rockparodie schön gedacht habe, der aber leider wirklich nur Rock war, und wirklich kein guter. 1980 war das Label auf dem ersten kreativen Höhepunkt, August Darnell wurde zusammen mit Andy Hernandez aus den Trümmern von Dr. Buzzard’s Original Savannah Band herübergeholt, und zusammen wurden sie als Kid Creole und Coati Mundi zu Hausproduzenten erkoren. Schon das erste Album von Kid Creole & The Coconuts, ”Off The Coast Of Me“, machte klar, dass Darnell keineswegs daran dachte, seine textlichen, musikalischen und konzeptuellen Geniestreiche bei Dr. Buzzard und Machine zurückzulassen, er überführte sie einfach in den neuen Lebensraum. Und da sein Talent zu dieser Zeit vor brillanten Ideen unbändig umhersprühte, gab es nicht die geringsten Abstoßungsreaktionen. Demzufolge war es natürlich eine Prachtidee, ihn mit dem Debütalbum von Cristina zu betrauen, einem sehr schicken Mädchen aus gutem intellektuellem Hause, das vorher vornehmlich smarte Texte für die lokale Hipsterpresse verfasste, und dann nach Überredung des Labelmitinhabers und späteren Ehemannes Michael Zilkha die Single ”Disco Clone“ aufnahm, eine furiose Ansage an die im Aussehen und Persönlichkeit gleichgeschalteten Hühner im Club, mit kongenialer Musik, die sehr zickig gängige Disco-Arrangements mit schrägen Refrains und merkwürdigen Latin-Eskapaden verband. Cristina hatte eine eher begrenzte Singstimme, aber sie strahlte im Überfluss alles aus, was einer Diva der Disco-Gegenkultur förderlich war: gebildete Cleverness, kalkulierte Distanziertheit und nicht zuletzt fragiler Sex-Appeal, der durch treffsicher modisches Auftreten noch forciert wurde. Darnell war natürlich schlau genug, sie die ganze Gegensätzlichkeit und Komplexität ihrer exaltierten Kunstfigur ausleben zu lassen, und ergänzte ihre Posen mit luftig-beschwingtem Latin-Disco und exotischen Dschungelklängen auf der absoluten Höhe seines Könnens. Dadurch ergab sich, dass Cristina immer glaubwürdig war, sei es als Disco Clone-Fortsetzung in Polnareffs ”La Poupée Qui Fait Non“ oder als frustrierte Strohwitwe in ”Blame It On Disco“, und vielerlei andere tolle Rollen mehr. So perfekt kam das danach nicht mehr zusammen, die Musik ihres zweiten, von Don Was produzierten, Albums hatte andere Qualitäten, konnte jedoch mit der schlauen City-Dekadenz ihrer Texte nicht mehr mithalten, und sie zog sich wieder aufs Schreiben zurück. Was für eine Verschwendung!
Im Gespräch mit Thomas Meinecke über “Dr. Buzzard’s Original Savannah Band” von Dr. Buzzard’s Original Savannah Band (1976).
Beginnen wir mit einer simplen Frage. Wie bist Du auf Dr. Buzzard’s Original Savannah Band gekommen?
Den Namen habe ich zuerst in Andy Warhols Magazin Interview gelesen, ich würde mal tippen so 1977 oder 78. Da gab es damals eine sehr gute Musikkolumne von Glenn O’Brien, und Interview war in den Zeiten, als es noch nicht so richtig losgegangen war mit dem Hedonismus in der Subkultur, ein Zentralorgan. Man konnte sich sowohl über P-Funk informieren als auch über frühe Ausformungen von New Wave, Pere Ubu, Richard Hell, Blondie usw. Diese ganze Szene wurde natürlich sofort quasi vor der Haustür chronistenmäßig mitgeschrieben. Hier in Deutschland war von der Informationsseite in Sachen interessanter Rock, Pop, Soul und sonst welche Musik nicht viel geboten. Es gab damals die Zeitschrift Sounds, dort glänzte dann manchmal Ingeborg Schober mit einem Artikel über Kevin Ayers oder Roxy Music-Ableger, oder La Düsseldorf und Neu!, es war noch die Zeit bevor Leute wie Diedrich Diederichsen dort geschrieben haben, oder Hans Keller, die das Andere dann auch aufgegriffen haben. Wenn man aber ein bisschen mehr wissen wollte, fand ich es echt schwierig, und ich bin sowieso Warholianer und fand in Interview eine schöne Quelle. Und da wurde dann im Zusammenhang mit ganz anderen merkwürdigen Musikformen, ich glaube es war tatsächlich gerade etwas mit P-Funk geschehen, Dr. Buzzard erwähnt. Und wie das dort beschrieben wurde hat bei mir sofort eine Sehnsucht losgetreten. Ich war eben jemand, der auch damals gerne Disco hörte, ich hörte aber auch gerne Punk und mochte das Gebrochene in Disco. Ich fand den Camp-Aspekt, den man als Leser von Andy Warhols Interview sowieso beherrschte oder erkennen konnte, an Popmusik immer sehr reizvoll. Das Zitathafte, das Vorformulierte. Und es schien mir in der Beschreibung dessen, was diese Band machen würde, als wäre das so eine Art afroamerikanische Ausgabe von Roxy Music. Eine dandyeske, hedonistische Formation, die über das, was man von anderen, sehr eleganten Formationen wie Chic kannte, hinausging. Und so war es dann auch. Ich habe mich auf die Suche gemacht, man konnte über Import die Sachen schon irgendwie erwischen, und da kam dann gerade das zweite Album „Meets King Pennett“ raus als ich das las. Das habe ich mir gekauft und dann das erste gleich danach, was ja schon 1976 erschienen war. Und 79 kam dann ja gleich noch „Goes To Washington“ raus. Das sind die drei ganz großen Alben dieser Band. Es gab später noch ein etwas verunglücktes, wo auch die Besetzung nicht mehr dieselbe war. Und es gab natürlich eine ganz große Folgegeschichte ins etwas leichter Verständliche, mit Kid Creole & The Coconuts, den Coconuts und Coati Mundi usw. Diese ganze New York-Paris-Achse auf dem ZE-Label, wo es dann rüberging bis zu James Chance, der dann plötzlich bei den Aural Exciters mitspielte. Und plötzlich mischte sich das, was man Post Punk nannte, mit Disco, was ja heute ganz modisch und modern ist, diese ganze Post Punk/Disco-Connection. Und das Ganze kündigte sich mit Dr. Buzzard schon an.
Wenn Du damals über Interview davon erfahren hast, ist das ja schon ein Erstkontakt, der kontextuell vorbelastet ist. Konnte die Musik denn einlösen, was Du Dir davon erhofft hattest?
Ja, es hat es total eingelöst und ist sogar noch darüber hinausgegangen. Ich fand es, um mal den etwas merkwürdigen Begriff von Ornette Coleman auszuleihen, „harmolodisch“. Ich hatte das Gefühl hier ist eine musikalische Theorie am Start, die ich gar nicht in Worte fassen kann, aber der ich völlig fasziniert lausche. Und nicht nur lausche, zu der konnte man ja auch ganz toll tanzen. Es hörte sich an wie wenn man zwei Radiosender gleichzeitig hört. Die Anleihen bei leicht verständlicher Musik wie Swing, was ja die Camp- (schwule) Subkultur schon seit Jahrzehnten vorgemacht hatte, wie man spießige Elemente wie Glenn Miller gegen den Strich lesen konnte zu einem Soundtrack der Dissidenz, der sexuellen insbesondere, die ja auch immer eine politische war. Es war ja damals sowieso gang und gäbe, dass Disco sehr zickige und spießige Swing-Elemente rekontextualisierte, resignifizierte, völlig neu ins Feld führte. Aber hier ging es noch darüber hinaus, hier war es tonal sowas von komplex und schwierig. Versuch mal so eine Melodie nachzusingen, die diese unglaubliche Sängerin Cory Daye da immer zu singen hat bei denen, das ist unglaublich komplex und wurde später bei Kid Creole auch runtergerechnet auf einfachere, und dann vielleicht auch massentauglichere Formeln. Ich erinnere das so, dass mich das echt umgehauen hat. Ich fand den Sound der Bassdrum unglaublich. Den habe ich eigentlich erst wieder bei Theo Parrish gehört. Eine große, runde, weiche, unverhältnismäßig laut abgemischte Bassdrum, die dann sogar in Stücken wirkt, die gar nicht Disco sind, so wie bei „Sunshower“, das vor kurzem von M.I.A. noch mal als Sample auf die Tanzfläche geführt wurde. Unglaubliche Sounds, unglaublich viel Arbeit. Ich habe irgendwo mal gelesen, 600 Stunden waren sie im Studio fürs erste Album und haben dann wohl trotzdem von der Plattenfirma kein weiteres Backing erfahren. Sie haben gesehen, „Ah, die Platte steht ja schon in den Läden!“, und hatten davon noch gar nichts gewusst. Aber sie wirkt so, wenn man sie sich anhört, von einer solchen Elaboriertheit und Sophistication, wie man es selten bei Plattenproduktionen hat. Read the rest of this entry »
Second appearance at Betalounge in Hamburg. At that time I was still celebrating by rekindled love for disco, mostly with Hunee, whom I got to know in a record store, of all places. We were some kind of go-to tag team when a floor required some vintage gems and we had tons of fun. Playing a set of that kind in Hamburg was a bit like carrying owls to Athens, though. After all I learnt most of what I knew about disco in that city and its clubs, and there were really many DJs and collectors there who were hard to impress with this playlist. Anyway, I had to try, and paying dues and so on.
Der Journalist, Cartoonist und Schriftsteller Haden-Guest betreibt mit The Last Party eine persönliche Aufarbeitung New Yorker Nightlife-Kultur von der Eröffnung der ersten Disco Clubs Mitte der 70er Jahre bis zu den Großclubs Mitte der 90er Jahre. Schwerpunkt und Fallbeispiel ist dabei der Aufstieg und Niedergang vom Studio 54 bzw. dessen Betreibern Steve Rubell und Ian Schrager. Als eine Art mehr oder weniger beteiligter Chronist Tom Wolfe’scher Prägung und regelmäßiger Gast gelangt er zu detaillierten Eindrücken vor und hinter den Kulissen und schob damit eine Wiederbelebung öffentlichen Interesses an der klassischen Disco-Ära an, die dann auch Hollywood 1998 mit den Filmen Studio 54 und Last Days Of Disco aufgriff. Ein Blick in den Index offenbart augenblicklich, worum es dem Autor geht; musikalische Protagonisten und DJs stehen in einem ausgeprägten Missverhältnis zu all den Celebrities, die den Ruf der Discoclubs als Hort von Glitz und Glamour begründeten. Auf eine Schwadron von Anekdoten über Truman, Bianca, Liza und Andy kommen nur ein paar über Nile, Larry oder Richie Kaczor, immerhin der langjährige Resident DJ des Studio 54. Francis, Nicky, Walter oder Francois finden gar nicht erst statt. Die Musik als Soundtrack des Ganzen gerät sehr arg zur Hintergrundbeschallung. Dennoch gelingt Haden-Guest bei allem Namedropping eine authentische Darstellung des Promi-Faktors und der nächtlichen Exzesse, beides natürlich auch ein wesentlicher Bestandteil des Phänomens Disco. Vor allem am Beispiel von Steve Rubell und dem Clubkid-Killer Michael Alig erhält man interessante Einblicke in drogenvernebelte Hybris und dessen Konsequenzen, denn beträchtliche Episoden des Buches befassen sich mit den gerichtlichen Auseinandersetzungen der Nightlords mit den Behörden, welche letztendlich die heutige repressive Situation nach Guiliani vorwegnahmen. Haden-Guests snobistisch-abgeklärter Kolumnenstil transportiert den Hedonismus und die Skandale angemessen und sehr unterhaltsam und auf all die Dramen zwischen Samtkordel und Katakomben des Studios gibt es durchaus auch Einblicke auf die andere Seite der Discokugel, da er seiner Szene-Entourage auch in alternative Läden wie Mudd Club, Mine Shaft oder Hurrah’s folgt. Wenn auch sein Augenmerk eher auf Neil Bogarts Casablanca Records liegt, fällt dann eben auch Michael Zilkhas ZE Records ab. The Last Party ist folglich eine prächtige Sittenchronik, die bei allem Klatsch einen Gutteil an Disco-Wissen abwirft, ich wusste zum Beispiel vorher nicht, dass Kevin Kline bei Cristinas ‚Disco Clone’ den männlichen Part sprechsingt. Plattensammler und Kulturhistoriker mit dem Schwerpunkt DJ-Kultur müssen dennoch weitgehend woanders nachschlagen.
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