Although Rabih Beaini sure likes to improvise (check him performing live with his analogue setup whenever you can), he has managed to develop a puzzling signature sound that is as rough and ready as it is beautifully textured and detailed. In comparison to this album, most of 2011‘s other productions in electronic music sound like wringing a handful of mediocre ideas to death with a considerable array of gadgets, but no result. Truly individual music from a true individual.
02. Reel By Real: Surkit Chamber – The Melding (Artless)
Considering how long Martin Bonds was an active part of Detroit Techno’s history books, the actual released output was irritatingly scarce. Listening to 2010‘s retrospective on the same label, I had the feeling that he was perfectly fine with keeping his back catalogue slim but impressive. And then this came along, a collection of more recent tracks, and I just felt grateful that this lovingly curated album made public what could have been missed so easily, yet again. Employing a much wider set of references, this is the sound of Motor City transcending the paralysis of its own tradition and then some.
Admittedly some of the most determined space traveller’s recent output is not without flaws, but never enough so as to get me tired of his ongoing mission to refine his sound. Still, every single one of his releases seems to be more unique and consequent than the majority of Techno productions some are ready to dismiss him for. He has created his own universe, and he roams in it. His music has surpassed club credentials, and even if some of his concepts may be pretentious, I would never blame him for pursuing his interests and painting them with his increasingly more spaced-out sounds that are so obviously his own. Let others try to reach the point where they become their own reference. Most will be forgotten when Jeff Mills will be heading for yet another galaxy.
So many tales about the ruthless business tactics of the early Chicago House labels, and unfortunately most of them are true. I don’t even want to know how many gems have never seen the light of day because not every artist was willing and able to take a stand against that. I’m just grateful that sometimes things turn out how they should have, no matter how long it takes. This box set has not a track on it without the power to name and shame legions of clueless copycats. It is a testimony to musicians doing music because they just have to, even without anybody even having the chance to notice it. For every House afficionado still admiring the sheer beauty of their original Trax releases, they did more, in more styles, and now, at last, it can be heard.
It is almost ridiculous that Surgeon is regularly drawn into the debate about what will become of Dubstep since it embraced Techno. For certain, he does not have to worry to deliver less in a genre newly discovered than in a genre left behind. Both Dubstep and Techno owe a lot to his work as DJ and producer, and this album does not even stress that, it just shows how he keeps getting better and better with what he does, and how he will thus be ever important to what is going on.
It seemed that as soon as rumour spread about the two collaborating in a session, the album was about to be released. But it certainly does not sound like a quickfire result. It is impressively accomplished, and already after a short while in, you begin to care less about who contributed what to the proceedings. It is just what modern electronic music should sound like when two major talents get together and nothing less. Keep the continuum and post-whatever talk for those who artistically vanish trying.
07. Container: LP (Spectrum Spools)
And suddenly, among all the good ole warehouse days mimicry, be it by means of analogue equipment or software replica, appeared this album. And it blew most of the competition to bits. I still do not know much about the artist nor do I care. I just hope he continues with this considerably psychotic and no less gripping take on the sounds of way back when and transforming it into something way ahead. A fine example for that it is always better to deconstruct than to reconstruct your references. It just lasts longer.
08. Drums Off Chaos + Jens Uwe Beyer: Drums Off Chaos + Jens Uwe Beyer (Magazine)
One of the most interesting German labels around. All their releases so far do not only look great, they sound great as well. I do not have the slightest doubt that it will be this way for quite some time to come. I’m not particularly knowledgeable in the Krautrock area but enough to maintain that the label’s initial agenda to fuse the modern sound of Cologne with the vintage sound of the German experimental ‘70s is so well-executed that it not only matters but becomes something else entirely. And I trust those people to come up with surprises as well. This project is of course already convincing by the names of the people involved. Jaki Liebezeit is not one to rely on past laurels, and his drumming is as tight and complex as ever, plus it mingles perfectly with the sounds of Beyer’s synths. The generation gap is hereby closed.
I can quite understand some people having their doubts about the music of Ekoplekz. To the passing listener it might seem chaotic, unstructured, aimless even. Retrofuturism drawer opens, Ekoplekz disappears. I, however, am old enough to vividly remember the vast output of the ‘80s tape circuit and all the wonderful ideas that came with it. And the ideas of Ekoplekz are so wonderful that they merit whatever release he has in mind. Kudos to Punch Drunk for featuring someone not afraid to merge the UK progress in bass and beats with sounds lifted from a romantic take on all the library musicians and electronic sound experimentalists who never had their say. Keep soldering that DIY gear and make me happy!
10. Kid Creole & The Coconuts: I Wake Up Screaming (Strut)
Of course the Kid’s comeback could not compare to the masterpieces of his past. The Coconuts are not the same, nor is his band. But as with his cohort Coati Mundi’s recent album, the lyricist wit is still there, as are some of the songs. As if I would mind. For me August Darnell is a genius and forever will be, and just to know that he keeps on doing what he is doing is well enough for me.
In discussion with Luke Howard on “Dr. Buzzard’s Original Savannah Band” by Dr. Buzzard’s Original Savannah Band (1976).
I first fell in love with Kid Creole & The Coconuts in the 80s and then discovered “Dr. Buzzard’s Original Savannah Band” a few years later because August Darnell was involved with it. How was your first time with the band and album?
I came quite late to the album. It was 1991. I was talking with two older friends about our favourite disco artists and they mentioned Dr. Buzzard’s and I hadn’t heard of them, so I quickly found myself a copy. I had known of Kid Creole and Coati Mundi (August Darnell and Andy Hernandez) much earlier, as my sister had been to New York in 1981 and brought back copies of the ZE Records compilation Seize The Beat and the second Kid Creole & The Coconuts album. Also, Kid Creole and the Coconuts went on to be really commercially successful in the UK and they did loads of touring here in the 1980’s. But I’d never heard of Doctor Buzzard until much later.
“Dr. Buzzard’s Original Savannah Band” had a few songs that became notable single successes, but somehow I always thought they worked best being listened to in the context of the whole album. Can you separate the songs from one another? Are there ups and downs?
I think you can separate the songs from each other, yes. They’re all standout songs in my opinion – there’s no fillers on the album. “Sunshower” was big on the Balearic scene in the 90’s, “I’ll Play The Fool” and “We Got It Made” were big on the two-step soul scene in the mid 80’s and “Lemon In The Honey” and “Cherchez La Femme” are disco classics. However, I think it works wonderfully well as a whole album. It’s only seven songs and I think it’s perfect as an album. It’s in my top three favourite albums of all time (I’m not quite sure what the other two are). Read the rest of this entry »
ZE Records, die beste Schnittstelle zwischen Post Punk und Disco die man sich überhaupt jemals herbeisehnen konnte, ist nach wie vor faszinierend wenig ausgelaugt von fortlaufenden Retrospektiven und allgemeinem Beifall. Die Musik war einfach zu gut, von dem unsäglichen Davitt Sigerson mal abgesehen, den ich mir immer als eine Rockparodie schön gedacht habe, der aber leider wirklich nur Rock war, und wirklich kein guter. 1980 war das Label auf dem ersten kreativen Höhepunkt, August Darnell wurde zusammen mit Andy Hernandez aus den Trümmern von Dr. Buzzard’s Original Savannah Band herübergeholt, und zusammen wurden sie als Kid Creole und Coati Mundi zu Hausproduzenten erkoren. Schon das erste Album von Kid Creole & The Coconuts, ”Off The Coast Of Me“, machte klar, dass Darnell keineswegs daran dachte, seine textlichen, musikalischen und konzeptuellen Geniestreiche bei Dr. Buzzard und Machine zurückzulassen, er überführte sie einfach in den neuen Lebensraum. Und da sein Talent zu dieser Zeit vor brillanten Ideen unbändig umhersprühte, gab es nicht die geringsten Abstoßungsreaktionen. Demzufolge war es natürlich eine Prachtidee, ihn mit dem Debütalbum von Cristina zu betrauen, einem sehr schicken Mädchen aus gutem intellektuellem Hause, das vorher vornehmlich smarte Texte für die lokale Hipsterpresse verfasste, und dann nach Überredung des Labelmitinhabers und späteren Ehemannes Michael Zilkha die Single ”Disco Clone“ aufnahm, eine furiose Ansage an die im Aussehen und Persönlichkeit gleichgeschalteten Hühner im Club, mit kongenialer Musik, die sehr zickig gängige Disco-Arrangements mit schrägen Refrains und merkwürdigen Latin-Eskapaden verband. Cristina hatte eine eher begrenzte Singstimme, aber sie strahlte im Überfluss alles aus, was einer Diva der Disco-Gegenkultur förderlich war: gebildete Cleverness, kalkulierte Distanziertheit und nicht zuletzt fragiler Sex-Appeal, der durch treffsicher modisches Auftreten noch forciert wurde. Darnell war natürlich schlau genug, sie die ganze Gegensätzlichkeit und Komplexität ihrer exaltierten Kunstfigur ausleben zu lassen, und ergänzte ihre Posen mit luftig-beschwingtem Latin-Disco und exotischen Dschungelklängen auf der absoluten Höhe seines Könnens. Dadurch ergab sich, dass Cristina immer glaubwürdig war, sei es als Disco Clone-Fortsetzung in Polnareffs ”La Poupée Qui Fait Non“ oder als frustrierte Strohwitwe in ”Blame It On Disco“, und vielerlei andere tolle Rollen mehr. So perfekt kam das danach nicht mehr zusammen, die Musik ihres zweiten, von Don Was produzierten, Albums hatte andere Qualitäten, konnte jedoch mit der schlauen City-Dekadenz ihrer Texte nicht mehr mithalten, und sie zog sich wieder aufs Schreiben zurück. Was für eine Verschwendung!
Im Gespräch mit Thomas Meinecke über “Dr. Buzzard’s Original Savannah Band” von Dr. Buzzard’s Original Savannah Band (1976).
Beginnen wir mit einer simplen Frage. Wie bist Du auf Dr. Buzzard’s Original Savannah Band gekommen?
Den Namen habe ich zuerst in Andy Warhols Magazin Interview gelesen, ich würde mal tippen so 1977 oder 78. Da gab es damals eine sehr gute Musikkolumne von Glenn O’Brien, und Interview war in den Zeiten, als es noch nicht so richtig losgegangen war mit dem Hedonismus in der Subkultur, ein Zentralorgan. Man konnte sich sowohl über P-Funk informieren als auch über frühe Ausformungen von New Wave, Pere Ubu, Richard Hell, Blondie usw. Diese ganze Szene wurde natürlich sofort quasi vor der Haustür chronistenmäßig mitgeschrieben. Hier in Deutschland war von der Informationsseite in Sachen interessanter Rock, Pop, Soul und sonst welche Musik nicht viel geboten. Es gab damals die Zeitschrift Sounds, dort glänzte dann manchmal Ingeborg Schober mit einem Artikel über Kevin Ayers oder Roxy Music-Ableger, oder La Düsseldorf und Neu!, es war noch die Zeit bevor Leute wie Diedrich Diederichsen dort geschrieben haben, oder Hans Keller, die das Andere dann auch aufgegriffen haben. Wenn man aber ein bisschen mehr wissen wollte, fand ich es echt schwierig, und ich bin sowieso Warholianer und fand in Interview eine schöne Quelle. Und da wurde dann im Zusammenhang mit ganz anderen merkwürdigen Musikformen, ich glaube es war tatsächlich gerade etwas mit P-Funk geschehen, Dr. Buzzard erwähnt. Und wie das dort beschrieben wurde hat bei mir sofort eine Sehnsucht losgetreten. Ich war eben jemand, der auch damals gerne Disco hörte, ich hörte aber auch gerne Punk und mochte das Gebrochene in Disco. Ich fand den Camp-Aspekt, den man als Leser von Andy Warhols Interview sowieso beherrschte oder erkennen konnte, an Popmusik immer sehr reizvoll. Das Zitathafte, das Vorformulierte. Und es schien mir in der Beschreibung dessen, was diese Band machen würde, als wäre das so eine Art afroamerikanische Ausgabe von Roxy Music. Eine dandyeske, hedonistische Formation, die über das, was man von anderen, sehr eleganten Formationen wie Chic kannte, hinausging. Und so war es dann auch. Ich habe mich auf die Suche gemacht, man konnte über Import die Sachen schon irgendwie erwischen, und da kam dann gerade das zweite Album „Meets King Pennett“ raus als ich das las. Das habe ich mir gekauft und dann das erste gleich danach, was ja schon 1976 erschienen war. Und 79 kam dann ja gleich noch „Goes To Washington“ raus. Das sind die drei ganz großen Alben dieser Band. Es gab später noch ein etwas verunglücktes, wo auch die Besetzung nicht mehr dieselbe war. Und es gab natürlich eine ganz große Folgegeschichte ins etwas leichter Verständliche, mit Kid Creole & The Coconuts, den Coconuts und Coati Mundi usw. Diese ganze New York-Paris-Achse auf dem ZE-Label, wo es dann rüberging bis zu James Chance, der dann plötzlich bei den Aural Exciters mitspielte. Und plötzlich mischte sich das, was man Post Punk nannte, mit Disco, was ja heute ganz modisch und modern ist, diese ganze Post Punk/Disco-Connection. Und das Ganze kündigte sich mit Dr. Buzzard schon an.
Wenn Du damals über Interview davon erfahren hast, ist das ja schon ein Erstkontakt, der kontextuell vorbelastet ist. Konnte die Musik denn einlösen, was Du Dir davon erhofft hattest?
Ja, es hat es total eingelöst und ist sogar noch darüber hinausgegangen. Ich fand es, um mal den etwas merkwürdigen Begriff von Ornette Coleman auszuleihen, „harmolodisch“. Ich hatte das Gefühl hier ist eine musikalische Theorie am Start, die ich gar nicht in Worte fassen kann, aber der ich völlig fasziniert lausche. Und nicht nur lausche, zu der konnte man ja auch ganz toll tanzen. Es hörte sich an wie wenn man zwei Radiosender gleichzeitig hört. Die Anleihen bei leicht verständlicher Musik wie Swing, was ja die Camp- (schwule) Subkultur schon seit Jahrzehnten vorgemacht hatte, wie man spießige Elemente wie Glenn Miller gegen den Strich lesen konnte zu einem Soundtrack der Dissidenz, der sexuellen insbesondere, die ja auch immer eine politische war. Es war ja damals sowieso gang und gäbe, dass Disco sehr zickige und spießige Swing-Elemente rekontextualisierte, resignifizierte, völlig neu ins Feld führte. Aber hier ging es noch darüber hinaus, hier war es tonal sowas von komplex und schwierig. Versuch mal so eine Melodie nachzusingen, die diese unglaubliche Sängerin Cory Daye da immer zu singen hat bei denen, das ist unglaublich komplex und wurde später bei Kid Creole auch runtergerechnet auf einfachere, und dann vielleicht auch massentauglichere Formeln. Ich erinnere das so, dass mich das echt umgehauen hat. Ich fand den Sound der Bassdrum unglaublich. Den habe ich eigentlich erst wieder bei Theo Parrish gehört. Eine große, runde, weiche, unverhältnismäßig laut abgemischte Bassdrum, die dann sogar in Stücken wirkt, die gar nicht Disco sind, so wie bei „Sunshower“, das vor kurzem von M.I.A. noch mal als Sample auf die Tanzfläche geführt wurde. Unglaubliche Sounds, unglaublich viel Arbeit. Ich habe irgendwo mal gelesen, 600 Stunden waren sie im Studio fürs erste Album und haben dann wohl trotzdem von der Plattenfirma kein weiteres Backing erfahren. Sie haben gesehen, „Ah, die Platte steht ja schon in den Läden!“, und hatten davon noch gar nichts gewusst. Aber sie wirkt so, wenn man sie sich anhört, von einer solchen Elaboriertheit und Sophistication, wie man es selten bei Plattenproduktionen hat. Read the rest of this entry »
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