Nach den letzten beiden Singles war die Tür zu denjenigen bereits aufgestoßen, die ihre Musik gerne möglichst viele Parameter aktueller Clubmusik abtastend wollen, und nun gilt es für die Homewreckers hereinspaziert auf Albumlänge. Raps, Claps, Soulabdrücke zwischen klassisch und derzeitig, ein bisschen Boogie, ein bisschen Deep House, Detroitansätze zwischen J. Dilla und Kenny Dixon. Blitzsauber produziert, nicht unbedingt geheimnisvoll, aber es wird sich durchgehend bemüht, bei den Tracks allzu gängige Stereotypen von Tiefe und Gehalt in Schach zu halten, mittels digitalen Schlieren und etwas Jazz im Unterholz, von Juan geteacht. In den Linernotes schlägt folglich Kodwo Eshun in einem fiktiven Dialog zwischen Henry Ford und Sam Dees die Brücke zwischen Ruhr Area und Motor City, und liefert damit die lustigste Geschichtsklitterung der letzten Zeit.
DJ Mudds Spezialisten-Disco-Label hat sich einen Track vom deutschen Produzenten Icasol gesichert, der auch schon als Mujaba auf Four Roses Recordings ein paar funkelnde Deep House-Glanzlichter gesetzt hat. „Ongou“ hingegen ist ein lichtdurchfluteter Arpeggioboogie, der sich langsam über wohlige Strudel in einen stark erweiterten Bewusstseinszustand hinübergleiten lässt. Wer jemals über das Anschauen von Heißluftballons oder anderen freundlichen Schwebeobjekten über beeindruckender Landschaft ins Wonnedämmern geraten ist, ist hier mehr als gut aufgehoben. Die Idjut Boys verabschieden sich mit ihrem Remix vorerst von der eigenen Tradition von Disco in Dub, und markieren stattdessen tolldreist den vorläufigen Kulminationspunkt in Sachen überbalearischer, vollhippiesker Soft Rock-Ambience. Weit weit draußen.
This is from an old French movie soundtrack, „Le Casse“. I picked this for the string arrangement, because it puts a lot of emphasis on build-up, thus linking to the way Disco producers arranged strings for climactic dancefloor moments.
To be honest, I muss confess I don’t know Morricone’s works so well. I don’t think I have been a really big fan, partially because I don’t know it so well. My first impression of this track, which I didn’t know, was that it’s a formal composition. In my head I make a distinction between pop music, which has almost very definite rules, and people following it like Abba. It’s not formulaic, but there are very basic chord progressions that are based on Blues and Jazz that you can do in pop music and that have their own logic and their own progression. Many pop songs are actually the same song. “Good Times” by Chic is one kind of groove and twenty other songs sound exactly like it. It could be “Rapture” by Blondie or something. That’s pop music writing. And then you have soundtrack music writing and it has a different logic. It doesn’t have to follow a certain progression like in pop music, which has a reason and an impulse that keeps on pushing the song forward. When I heard this I thought it is a very good example of soundtrack music writing where you don’t really have to explain the logic of the chord progression, it just sets a mood. It makes an ambience. I think this is probably from 1967 to 71.
Good guess, it’s from 1971.
Because from 1972 on you start getting the big multi-track stuff, like Philly Disco and the more sophisticated pop, and this still sounds relatively simple. My first impression was it’s like a slightly cheaper copy of Burt Bacharach’s “Raindrops Keep Fallin’ On My Head”, but with more drama. It has some very formal devices, like it’s basically a minor key. But at some points he plays the same theme but he opens it up with a major key.
Lately all this beautifully orchestrated obscure library music back is popping up again and people scan back catalogues for songs groovy enough to suit a Disco context.
Yeah, that’s interesting, and I think there is a good reason for that. There is such a thing as real music, in the sense that there were people who did music for films, like Ennio Morricone, or Giorgio Moroder, with a more naïve use of the rules, or the very sophisticated Henry Mancini, or Alec Constandinos, or Vangelis, or Jean-Michel Jarre. All these people were obviously classically trained and they followed the rules. It doesn’t really matter if it’s a Bossa Nova, 60’s GoGo or a Disco beat, the rules of the music don’t change. I think that is why everybody is going back now to find real music. When people like Masters At Work appeared in the 90’s, people who didn’t know anything about the basic rules of music started making music. That’s why it sounds so awful, haha. A lot of the DJ produced music doesn’t have its own intrinsic logic and sense. And chords, progression and melodies have that intrinsic logic. That’s what’s been missing. So everyone of this generation who wants to find out what is really musical has to go back to the 60’s and 70’s, and there you find it everywhere actually.
> Carter Burwell – Blood Simple
This is from the soundtrack of the Coen Brothers debut film “Blood Simple”.
It’s from the 80’s I suppose.
Yes, it’s from 1987. It’s a mood piece with a synthetic feel to it.
I found the orchestration is simpler, but it’s similar to the previous song. Again, it’s not a pop song with intrinsic deep logic. Like Bach’s “Air On The G-String”, that is also some kind of pop music because it has a very definite logic. This one has a formal piano theme that sounds a bit like Erik Satie. Simple chord, simple melody, a little bit like Mozart’s “Eine kleine Nachtmusik”. It is not original, it is a formal piece, it follows a form that other people have created.
You could maybe alter its logic by just putting a beat under it, and by not adding much you would have a really moody dance track.
Yeah, actually this is the thing. To be honest, and many people are going to hate me for saying this, I’m not a big fan of Portishead. It’s very easy to make a mood piece. Anybody can do it. All you have to do is take a minor key and play some stuff over it, doesn’t really matter what. I think Portishead never even use a major key (laughs).
They don’t have to, really.
Yes. I think anybody writing good music should move between major and minor keys, that’s part of the magic. Since we now accept that some people make mood music, you can have a whole album of just melancholy. Personally, that doesn’t move me at all and I don’t find it very interesting. I think a lot of people in this generation think that this is a valid way to do music, for me it’s not enough. Salsoul records only have two or three keys but they do it so well, there are so many nuances.
I think the problem is that many people think they can only sound deep by using minor keys.
Yes, you’re right. That’s very true. If it’s not melancholy and it’s not moody then it’s not deep. Which is not true. That’s very profound what you just said. Read the rest of this entry »
Herb LF kehrt zurück und verlängert den Höhenflug von Farside um eine weitere Katalognummer. Für all diejenigen, denen schon länger schwant, dass Deep House sich zur Zeit für den Konsensanschluss zu Techno zu oft in aseptischen Klängen verkalkuliert, gibt es hier einen äußerst wirkungsvollen Willkommensgruß. „Sunliner“ kreuzt im Blindflug Reese-Bass, Glockenspielohrwurm und warmes Flächenrauschen, das dürfte im richtigen Moment von der richtigen Hand am richtigen Ort in die Kategorie „schockierend“ fallen. Auch „Shake“ und „Down To The Sound“ gehen beherzt und weise mit den Zutaten um und haben noch dazu das Dub-As im Ärmel, ohne sich in Basic Channel-Konventionen zu veröden. Expertentum in frisch.
Ian Pooley passt selbstverständlich in den gegenwärtigen Wust aus techigem Deep House und Disco-Zerlegung, er ist diese Themen ja schließlich auch schon vor Jahren angegangen. Das klingt vielleicht gefälliger als bei anderen aktuellen Produzenten, dafür weiß er aber, wie man ein Album strukturiert und diese Mischung aus Effizienz und Enthusiasmus vor allem seiner Veröffentlichungen aus den mittleren 90ern ist immer noch intakt. Wo andere osteuropäische Atonaljazzer und Gleichgesinnte verarbeiten, beharrt er auf seine Brasil-Anleihen. Wo andere Disco bis in die letzte Library-Ecke drängen, sucht er sich David Joseph aus. Wo andere den Kumpel, der auch singt, ins Studio holen, swappt er Gegenleistungen mit Robert Owens. Wo andere die Marktführer werkgetreu nachbauen, passt er sich Entwicklungen allenfalls an. Das ist eben der Unterschied. Ich finde das völlig in Ordnung.
“Mallorca” ist im Original ein proper vorgetragener House-Track mit Ohrwurmakkorden, bis er sich etwas unnötig in Acid-Modulationen mit Höhepunktcharakter verheddert, auf die man in den Großdiscotheken der besagten Insel aber wohl wirklich nicht verzichten kann. Sasse nimmt sich diese Akkorde, addiert erkalteten Boogie statt wärmender Tiefe und kommt damit ganz funky davon. Marbert Rocel setzt auch auf Funk, gibt dem Arrangement jedoch etwas mehr Songcharakter und wohlgesetzte Brüche und übernimmt hier die erste Startreihe. Llorcas Remix von „Incredible“ kommt noch dazu und laviert halb entschlossen zwischen R&B-Harmonien und Deep House-Rave-Boompty-Acid. Dieser Kitschausbruch kurz vor Schluss, den hätten sie reiten müssen. Wenn man schon mal dabei ist.
Mark E ist erwiesenermaßen jemand, der den Wust der Einflüsse und Klänge in seinem Kopf zu eigenständiger und überraschender Musik ordnen kann und damit ist er bei Running Back genau richtig. Auf seiner zweiten EP für das Label holt er konsequent weit aus. Er interpretiert beim Titeltrack „Lost Again“ von Yello als reduzierten, hypnotisch stampfenden Darkroomsubwoofertest und „Pulse Friction“ ist ein einziger Arpeggio-Strudel mit dunklen Weiten, der sich komplett kitschfrei mit DJ Pierre und Cajmere zum Soundaustausch verabredet hat. „Slave 1“ ist ein Midtempo-Knäuel mit zahlreichen Schlaufen aus Dub, Boogie und Deep House, das zuerst einem Zustand gepflegter Breite entgegen zu schliddern scheint, dann doch in ein fiebriges Crescendo umschwingt, um schlussendlich in seine Einzelteile zu verfusseln. Große Klasse, das alles.
Mit ihrem ersten Artist-Album macht das Label zur Clubinstitution zum Zeitpunkt einer Wiederkehr der Grundfesten der House Music ein folgerichtiges Statement. Natürlich sind die Klänge hier an den Erfahrungswerten der langen Wochenenden am Wriezener Bahnhof geschult, aber eben auch an den trendresistenten Klassikern zwischen Endachtziger-Ausgangsmaterial aus Chicago und New York und deren Deep House-Fortführung wenige Jahre später, mit denen Prosumer seine Sets aus Prinzip spickt. Der Kitt ist hier aber nicht nur eine Unverfälschtheit und Direktheit im Grundgefühl des Sounds, sondern eben auch in der emotionalen Aussage. Es geht beiden offensichtlich nicht nur um eine detailsichere musikalische Umsetzung ihrer Überzeugungen in der Produktion an sich, sie setzen auch noch die passenden Songstrukturen obendrauf. Prosumer selbst und Elif Biçer sind eben auch die dafür notwendigen Interpreten, die sich adäquat zurückgenommen und durchgehend wunderschön mit den Wirrnissen der Nacht auseinandersetzen, womit sich dieses Album entsprechend zu einem konsequenten Gesamteindruck bündelt, der so manchem noch aktiven Protagonisten der Ursprungsgeneration dieser Musik schwer zu denken geben sollte. Serenity indeed.
Danilo Plessow demonstriert mit einnehmenden Resultaten, dass der entscheidende Qualitätsunterschied bei modernen Deep House-Schubern nach wie vor darin besteht, wie man seine Soundideen und Referenzen einsetzt und strukturiert. Bei „Breath Control“ transportiert er eine gute Dosis Früh90er-NYC-TechHouse in Bass, Beats und Flächen ins Jetzt und koppelt das mit zeitgenössisch blitzender Klangausprägung, die auffällig sicher an den einladenden Genreklischees vorbeigeht. Noch besser klingt das bei „Escape To Nowhere“, das sich mit unten wandernden Reese-Bässen und flirrenden Melodieschlieren nach und nach in Bewegung setzt und dann in einem Fahrstuhl mit kaputter AI dem unbekannten Ziel entgegengleitet. Was dann passiert, wenn sich irgendwann die Tür wieder öffnet, möchte man fast gar nicht wissen.
Zürichs Feinster vereint auf „Axis Shift“ souverän Spaceboogie mit Deep House. Klingt zuerst ein bisschen wie ein überfälliges Gipfeltreffen von Balihu und Innervisions, entscheidet sich aber gegen camp oder episch und findet mit milder Gelassenheit zielsicher zu beträchtlichen Hitqualitäten. „El Sueno Lucido“ ist der verhallte Klang vom Strand herüber, wo sich Akustikgitarre und Psychedelia in einer total entspannten Midtemporomanze mit Inselflair in die Arme fallen.
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