Rydims – Rydim#2 (Version) (Nu Groove) Mike Shannon Feat. Fadila – Under The Radar (Ricardo Villalobos Mix) (Cynosure) Soylent Green – Low Pt. 1 (Playhouse) The Prince Of Dance Music – E-3, E-6, Roll On (City Limits) Badawi – Dstry<All>Prfts (Shackleton Remix) (Cargo Records) Hertsi – Oodi Sähkölle (Sähkö) Da Sampla – The Rider (Moods & Grooves) Wax – 30003 B (Wax) DJ Duke – Escape From New York B2 (Power Music) Never On Sunday – Urban Rains (430 West) Laurent X – Drowning In A Sea Of House (House Nation) Keith Tucker – It’s A Mood (Seventh Sign) Dettmann – Vertigo (Vincent Kunth Remix) (Ostgut Ton) Nature Boy – The Major Enemy (Black Label) 4th Measure Men – The Need (Henry Street Dreams Mix) (Multiply) Foremost Poets – Reasons To Be Dismal? (Instrumental Version) (Not On Label) Buzzin Cuzzins Feat. Romanthony – Let Me Show You Love (Approach To Temple) (Azuli) Raudive – Sienna (Macro) Instra:mental – Let’s Talk (Naked Lunch)
FCL – Let’s Go Seven (We Play House) Ramadanman – Glut (Hemlock) Scuba – You Got Me (Hotflush) To Rococco Rot – Fridays (Shackleton’s West Green Rd Remix) (Domino) Monolake – Alaska (Substance Remix II) (Monolake / Imbalance Computer Music) Low Res – Amuck (Sublime) Oni Ayhun – OAR004A (Oni Ayhun) Julia Decay – Untoward (Scandinavia) Rhythim Is Rhythim – Kaos (Juice Bar Mix) (Transmat) DJ Bone – No Sleep (True To Da Roots) (Sect) Mr. G – Life (One Dark Late Saturday) (Moods & Grooves) The Oliverwho Factory – Rain 5th Wave (Madd Chaise Inc.) Moodymann – Analog:Live (KDJ) Grand High Priest – Mary Mary (We-Ze Records) Shake – Psychotic Tango (Frictional) Spencer Kincy – Don’t Stop (Cajual) The Closer – Strong Meets The Weak (KMS) Bim Marx – Stronger (Stilove4music)
Derrick Carter war lange Zeit ein mehr als verlässlicher Garant für sehr individuelle House-Musik. Zu Gründungszeiten von Classic Mitte der 90er war er noch ganz in den Schnittmengen von Chicago und Detroit verhaftet, dann dauerte es aber nicht lange, bevor er in zahlreichen Eigenproduktionen und Remixarbeiten den Sound perfektionierte für den er auch heute noch steht: ein eigenwilliger Funk, stets versehen mit bouncigen technoiden Versatzstücken, einer Art hintergründiger Deepness, die sich nur schwer mit den anderen großen Melancholikern des Genres vergleichen ließ, und vor allem einer gehörigen Portion Exzentrik. Sein Haltung und seine Inhalte waren eigenbrötlerisch verschroben, stets sehr klug und entwickelten auf dem Fundament seiner Tracks oft eine merkwürdige nachhaltige Qualität. Oft wandte er eine ähnliche Herangehensweise wie seine Zeitgenossen an, bei Disco-Dekonstruktionen etwa, aber er machte daraus etwas ganz Eigenes. Sei es über mit Referenzen gespickte Tracktitel, über eine smarte Sample-Auswahl, und natürlich seine Art, über das eigene gesprochene Wort einen mindestens doppelten Boden einzubauen. Man schien meistens beim Hören seiner Musik die Gelegenheit zu haben, in die Gedankenwelt von Jemandem einzutauchen, dessen Idee von Clubmusik bei eingelösten Funktionalitätsgeboten nicht bereits eingelöst war. Vielmehr erschloss sich erst von dort aus eine komplexe Betrachtung subjektiver und objektiver Zusammenhänge, die weit über das Maß hinausging, mit dem andere Produzenten ähnliche Felder beackerten. Carter gab sich nicht damit zufrieden, mit leicht identifizierbaren Reminiszenzen eine Vertrauensbasis herzustellen, er bog bis dahin ein paar Mal um die Ecke, und lenkte das Gesamterlebnis dann mit seinen Texten in ganz andere, unerwartete Bahnen. Am besten gelang ihm das auf seinen EPs auf Classic, wie „Nü Pschidt“ oder „Unterschrift“ und anderen 12“s, dort wagte er sich am weitesten in die eigenen Ideen vor, und von dort kam er auch mit den interessantesten Tracks zurück. Für mich persönlich ist „Shhh!“ immer noch eine seiner besten Platten. Ein für ihn typischer, hüpfender Groove, den man aber 2001 nicht mehr unbedingt in dieser Frische und Qualität von ihm erwartet hätte. Darauf setzt er einen Monolog, laut Labelcredits in einem Hotelzimmer geschrieben, dessen Text weit über die leeren Hüllen hinausgeht, die man sonst im Club zu hören kriegt: „ It’s quiet now, and as I think my thoughts alone, I try to keep my head straight, but I think I’m too far gone. For in this silence, the truth ringes even louder. A constant grinding begging recognition of its power“. Und so geht es weiter, immer tiefer in die eigene Psyche. Die Musik dazu scheint fast wie ein Echo der Nacht davor, als der Erzähler noch in ganz anderen Gemütszuständen war, und dies ist der fällige Comedown, der in seiner Gegensätzlichkeit umso härter trifft. Zusätzlich verstört, dass Carter dabei den Erkennungswert seiner Erzählstimme fast auf Heliumniveau hochpitcht. Ein dunkles, klaustrophobisches und psychedelisches Ausnahmewerk entstand somit, immer noch unvergleichlich, immer noch tief beeindruckend. Als Coda gibt es dann „What Happened To The Music?“, ein Slowmotion-Disco-Groover, aus dem heutzutage vermutlich jemand einen dieser gedrosselten Housetracks gemacht hätte, die gerade so in Mode sind. Bisschen schickes Sample dazu, ein paar bewährte, möglichst warme Akkorde, verknappte Auflage, fertig ist die Laube. Derrick Carter reicht hingegen die Dualität zwischen dem bitteren Gehalt des originalen Songs von den Trammps und der extraüberzeugenden Slickness seines neu untergebauten Grooves, um darauf hinzuweisen, dass man eine Menge falsch machen kann, wenn man Alt und Neu aufeinandertreffen lässt. Er muss es damals schon geahnt haben, aber vielleicht nicht in diesem Ausmaß.
Im Gespräch mit Riley Reinhold über “Blank Generation” von Richard Hell & The Voidods (1977).
“Blank Generation” ist ein absoluter Punk-Klassiker. Kannst Du Dich noch daran erinnern, wann Du den Song zum ersten Mal gehört hast? Hattest Du eine Punk-Sozialisation in Deiner frühen Jugend?
Ich hab das Album gehört bei Freunden von mir. Gehört ist falsch, gesehen…weil vorspielen wollten sie mir das nicht. Die waren alle älter und hörten richtigen Rock, Südstaaten-Rock, Lynyrd Skynyrd, Deep Purple, Queen, und die Platte hatten sie im Cut-out-Shop vom Saturn ergattert (damals ein Paradies für Andersdenkende!), wo ich auch einige seltene Platten gekauft habe, die keiner wollte. Nun, sie konnten nichts damit anfangen, ich glaube es ging gar so weit, dass sie die Platte anwiderte. Wäre ich nicht dort gewesen, wäre die Platte in den Mülleimer gewandert und ich hätte nie was von ihm gehört. Ja nicht ganz, ich bin akribisch was die Historie von Musik angeht und habe noch nie der Musikindustrie Glauben geschenkt, das die wirklich erkennen können was cool ist. Das ist sicher auch der Antrieb gewesen, selbst mal ein Label wie Traum zu gründen.
Warum hast Du Dir diesen einen Song ausgesucht, und nicht das ganze dazugehörige Album? Wird in “Blank Generation” schon alles gesagt?
Ich würde sagen, dass hat damit zu tun, das erstens “Blank Generation” mit der beste Song von ihm ist, aber auch weil ich das Format 7“ liebe und ich damit viel Leidenschaft, ungetrübte Leidenschaft verbinde. Danach kam nichts mehr was mir so viel Freude bereitet hat. Ich bin denen nachgejagt und hab geschwitzt. Klingt doof, weiß ich.
Je mehr unausgegorene Plugin-Plucker-Tracks mit Stoppuhrvorhersehbarkeit heutzutage die Vertriebswege blockieren, desto überlebensgrößer erscheint rückblickend die Phase Mitte der 90er Jahre bis ins nächste frühe Jahrtausend, als Playhouse mit fast jedem Release die Erwartungen vor sich her trieb. House bekam einen neuen Anstrich der bis heute nachwirkt, jedoch heute nur noch selten so gut klingt. Die Diskrepanz erscheint umso größer, je mehr Produzenten gerade meinen, sich mit einer halbgaren Deepness abmühen zu müssen, weil es der Konsens gerade vorgibt. Es scheint nur zu oft, als würden viele stereotype Flächen, viele spießig getaktete Rhythmen, viele pseudoversonnene Brüche und viele Frickelversuche von etlichen Ideen ausgezählt werden, die etwa Isolée oder Roman Flügel schon vor langen Jahren hatten. Und eben LoSoul. Peter Kremeier war der cool ruler. Er setzte das Hypnoseträchtige von Wild Pitch, die Tiefe von Prescription, die Discodekonstruktionen von Cajual und die reine Lehre von Larry Heard in einen völlig originären Sound um, der nur noch Spuren seiner Vorgänger aufwies, aber zu gleich wirkenden Resultaten kam. Seine Hypnoseträchtigkeit kam von einer fast stoischen Beharrlichkeit, nicht von einer gen Höhepunkt gesteuerten Dramaturgie, seine Tiefe kam vom Gesamteindruck der Einzelteile, über lange Hörminuten verinnerlicht, seine Discoreminiszenzen waren bis zur Unkenntlichkeit dekonstruiert, aber massiv und funky, und seine Lehre war selbst rein genug um fortzubestehen. Ähnlich wie bei Isolées Debütalbum vom gleichen Jahr konnte auch „Belong“ nicht auf volle Länge den hohen Erwartungen der vorherigen 12“s entsprechen, da fehlte ein wenig das durchgehend Zwingende und die Kohärenz, die das Format nun mal erfordert, aber zumindest eine Hälfte der Tracks ist nach wie vor gut. Und zwar so gut, dass der Rest überhaupt nicht ins Gewicht fällt. „Taste Not Waste“ oder „Depth Control“ sind zeitlose, dunkle Anschauungsbeispiele dafür, wie man Reduktion mit Druck verbinden kann, ohne auch nur einen Moment an Intensität zu verlieren. „Overland“ ist gleichzeitig das Naheliegendste und das Entfernteste, was man mit „Billie Jean“ anstellen konnte. „You Can Do“ zieht Kreise um seinen Loop bis nur noch Schönheit übrig bleibt, und „Sunbeams And The Rain“ setzt dieser Schönheit ein Denkmal im Maßstab einer himmelhohen Statue, ebenso überraschend pur traditionalistisch wie erwartet konsequent weitergehend. „Belong“, in der Tat.
Im Gespräch mit Heiko Hoffmann über “Violator” von Depeche Mode (1990).
Kannst Du Dich noch daran erinnern, wann und wie Du zum ersten Mal Depeche Mode bewußt gehört hast? Soweit ich mich erinnern kann, war es bei mir “Just Can’t Get Enough” bei ersten Clubbesuchen in jungen Jahren. Wie war es Bei Dir?
Das war bei mir ein paar Jahre später, wahrscheinlich war es sogar das Video zu “People Are People”, das auf 1984 auf Formel 1 lief. Ein Jahr später kaufte ich mir dann die Compilation “The Singles 81 – 85″. “Black Celebration” war dann das erste Album, das ich zur Veröffentlichung kennenlernte.
Rückblickend fand ich Depeche Mode damals gar nicht so herausragend. Ich mochte vor allem diesen Vince Clarke-Sound. Als der ausgestiegen war, fand ich dann auch erstmal Yazoo interessanter, und habe Depeche Mode erstmal lange Zeit eher nebenbei verfolgt. Dennoch haben sie sich ja ziemlich schnell von Clarke emanzipiert, wohingegen Clarke mit Yazoo und Erasure sehr ähnlich klang wie Depeche Mode in ihrer Frühzeit, auch wenn Andy Bell eher nach Alison Moyet klang als nach Dave Gahan. Hättest Du damals gedacht, dass Depeche Mode so erfolgreich werden würden?
Als ich Depeche Mode kennenlernte waren sie für mich schon wahnsinnig erfolgreich – zum Beispiel spielten sie ja schon auf der Tour zu “Black Celebration” in der Berliner Waldbühne.
Trotzdem war ich erstaunt, als ich sie letztes Jahr im Olympiastadion gesehen habe. Ein Paradox: Depeche Mode sind die einzige Band die ich kenne, zu deren Konzerte deutlich mehr Besucher kommen, als zu ihren Hochzeiten – und ohne das sichtbar neue Publikumsschichten erschlossen werden.
The first one is by Rinder and Lewis – “Lust”, which is kind of a space disco prototype so to say. For 1977 it was kind of a landmark record I guess.
For 1977, yes. I suppose Rinder and Lewis were a very prolific production team in the 70s and 80s. They made an awful lot of records, a lot of albums. That’s probably one of their most moody tracks. A lot of their stuff has got a 1920s, big band, Charleston influence to it. But I like a lot of their stuff. But some of it is unusual in its arrangement. That one’s got a slightly more mystical vibe to it.
Would you say they tried to explore their field a bit further with this record? You mentioned that a few of the other productions had certain influences, like the latin stuff for example. But this one is really something different, almost science fiction.
Yes, but that’s quite different from the rest of the “Seven Deadly Sins” album. I reckon it wasn’t a track that was made to be a hit. It was probably considered an album track. But with that weird bit in the middle with the glockenspiel, it goes into a sort of devil bit about two thirds of the way through. Which is very out of character with the rest of the record. But what I think is interesting about that is that you don’t get those sort of unexpected bits in records now. I guess when musicians are making records, it’s very different to when DJs are making records. Now, when DJs make records they just tend to have the same stuff going throughout the track, it just loops round and round. Maybe there might be some changes, but there’s nothing drastic coming in really loud. A bad DJ produced record might just be a bit boring, whereas a bad record from the 70s might have a great verse and a really terrible chorus. Or you might have something really cheesy. A lot of records now are just rhythm tracks made by DJs for mixing and whatever, whereas then you might have records that have got loads in them, maybe too much. But the reason that they’re not great is maybe because they’ve got too much in them. They might have some great musical parts, but the vocals are crap. I think I’m digressing a little bit. A lot of Rinder and Lewis stuff – have you got that album “Discognosis”?
No, I know the THP Orchestra stuff which I found really good.
Yeah, and there’s El Coco and Le Pamplemousse. I like that track. It’s always very well orchestrated, they always had a bit of money to make the records. It wasn’t done on a shoestring budget, they must have sold pretty well. I think El Coco’s “Cocomotion” is one of my favourites by them as well. Obviously a lot of the stuff on AVI was produced by them, they were putting out a lot of music. They must have lived in the studio in 76, 77, 78, 79.
This is also a really good example for what you can do if you’re a good arranger – the arrangements they did are really complex and beautiful. Is that something you miss? You talked of modern rhythm tracks and functionality – I think it’s hard to pull off these days because you don’t have budgets for studio work…
Yeah of course. I suppose you have to think, this is now and that was then. Record sales were much higher, I suppose disco was like r’n’b was 5 years ago in terms of its worldwide popularity. So there was a lot more money, obviously there weren’t downloads or people copying CDs. I don’t know what the sales figures were like of something like Rinder and Lewis, but it probably sold half a million or something like that. It’s a completely different time, in terms of being able to get a string section in for your record. I’ve paid for string sections before, but to be honest with you what I’ve found is a string section with 30-40 people is so different to a string section with 7 or 8 people. I’ve only been able to afford 6 or 7 people. It isn’t really a string section! Nowadays, with CD-ROMs and whatever you can make something that sounds pretty good – not the same – but pretty good with just samples. To really make it sound a lot better, you need a 30-40 piece, big room orchestra. People at Salsoul and a lot of them classic disco records had that big proper string arrangement. Also, paying someone to do the arrangement isn’t cheap if you get someone good. Very difficult to do that now. So yeah, I do miss it. But there’s no point missing something, it’s like saying “Oh, I wish they were still making Starsky and Hutch”.
As long as a glimpse of an orchestra won’t do, it doesn’t make sense?
I think the only it could make sense is if George Michael decides to make a disco album, or someone like that. He could afford it. Or Beyonce. Some big star. But your average dance record – I suppose Jamiroquai had some live strings on some of his stuff. But then again, he was selling a lot of records.
Doobie Brothers – What A Fool Believes (Warner Bros. Inc., 1979)
“What a Fool Believes” by the Doobie Brothers, which is a merger of rock and disco.
There’s other tracks, like the Alessi Brothers “Ghostdancer”… I suppose that just shows how popular disco music must have been at the time when people like The Doobie Brothers and Carly Simon were actually making disco records. I suppose it’s the same as nowadays people making a record with a more r’n’b type beat. Or at the beginning of house music, there were lots of pop acts making house records. I was listening to a best of ABBA a few years ago. It started off sort of glam-rock, sort of sweet, like Gary Glitter, that sort of production. And by the late seventies their stuff had got pretty disco-ey. And by 82 it was folky. So I think the disco beat was just featuring on a lot of productions by acts who just wanted to make a contemporary sounding record. That’s probably why a lot of the American rock establishment hated disco so much. It wasn’t just that it was there: their favourite acts were making disco records! They hated the fact the Rolling Stones made disco records, it just wasn’t allowed.
But the thing is, that when the disco boom ended, a lot of the rock acts who made disco records acted like they never did! They deserted it pretty quickly.
Yeah, once it became uncool they pretended they never liked it, it wasn’t their idea and all that. I tried to once do a compilation album of that sort of stuff. But it’s too difficult to license it all. They’re all on major labels, they’re all big acts, and it’s very hard to license that stuff. In fact I’d go as far as to say it’s impossible: just too difficult and expensive.
Was it just because of budget reasons, or because the acts didn’t want to be reminded of what they did in that area?
I think often those big acts have to approve every compilation album license. A lot of the time, for the people who work in the compilation album license department, it’s easier for them to say no than to write to the management of Supertramp or Queen. And often, if they do see a title that has disco in it, they will say no. And a lot of them won’t license the Rolling Stones to a comp that’s got a projected sales figure of less than half a million. There’s so many reasons why it’s problematic. You could do it, but you’d have to leave off so many tracks, there would hardly be any point doing it. I did have a chat with a major label about doing it and that was one that owned quite a lot of them. But it’s just so difficult. They want to see a big marketing budget, they want to see you spend a hundred grand on television adverts. Otherwise they just go, why are we on this compilation album?
I think it’s a shame really, there were so many good disco records done by major artists…
Yeah. I like a lot of those things. I’m doing this compilation for BBE which is maybe a similar thing, just it’s not all well known acts. People like Fleetwood Mac, they did that track “Keep On Going”, those sort of things. I guess it’s blue-eyed rocky soul. Quite danceable… it’s not all disco, but it’s not really rock either. More black music based. I always think, if you look at the back of a rock album and it’s got someone playing bongos on it, it’s worth checking out. Read the rest of this entry »
Das Spaßprojekt der gestandenen Post Punk-Elektroniker Jean-Marc Lederman (u. a. Fad Gadget, Gene Loves Jezebel) und Bruce Geduldig (u. a. Tuxedomoon) bleibt den meisten wohl mit ihrem 1987er-Clubhit „Poison“ in Erinnerung. In Tracks wie diesen orientierte man sich musikalisch an der hartnäckig alle sonstigen Clubmusiktendenzen ignorierenden Benelux-EBM-New Beat-Szene, die zunächst nur widerwillig House, Acid und Techno als neuen Spielkamerad akzeptierte. Die Weathermen vergnügten sich aber meistens in einer Popauslegung all dessen, und zogen der martialischen Universalernsthaftigkeit der zugehörigen Szene den Boden unter den Kampfstiefeln weg. Statt Tarnanzugtanzzwang dachte man sich eben lieber psychotische Frauenrollen aus, und gab sich je nach Bedarf als Patricia Hearst / Jimmyjoe Snark III bzw. Susanna Stammer und Chuck B aus. So weit, so ulkig. 1988 verblüfften sie dann aber mit „Punishment Park“, einem Track, der wie aus einer Zeitmaschine herausgeplumpst schien, die gleichzeitig auf vor und zurück eingestellt war. Einerseits war dies klassisch melodiöser Synthpop, andererseits auch irgendwie gestörter Deep House, und dazu gab es einen rätselhaften Text, der zugleich sexy und hinterhältig wie eingekehrt und traurig klang. The games people play, die zwielichtige Darkroom-Großstadtblues-Variante. Themenverwandtschaft zum gleichnamigen Agitprop-Filmklassiker von Peter Watkins bestand nur in entlegenen Winkeln, aber der Track hallt ebenso lange nach.
The Weathermen – Punishment Park (Play It Again Sam Records, 1988)
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