Gäste: Piers Sanderson (Regisseur von High on Hope), Tommy (Initiator Blackburn Raves), (Tanith (tanith.org), Corin Arnold (ed2000 / dangerous-drums.de), Eule (Fusion – tbc). Moderation: Finn Johannsen (Macro, De:Bug etc.)
MACRO M23 Elektro Guzzi – Live P.A.
In early 2004, I was occupied with the confusing and chaotic last stages of leaving my cozy and beloved seaside hometown Kiel up north for the bright lights of Berlin. My girlfriend was already there for a while, and I was more than happy to live with her again, but at the same time I was very sad to leave my family and friends behind for what was very likely to be a move for many years and a future uncertain. One of those said friends was the one who operates under the Gram moniker, a likeminded soul with whom I shared a lot of cultural interests and lasting experiences, and with whom I wholeheartedly clashed heads over what we could not agree upon in many nights of smart conversations (and more often than not far less smart amounts of drinks and cigarettes).
As it became clear to the both of us that we would not see each other as much again for quite a while, we were toying with the idea of recording a mix together. Some kind of final joint venture for the time being, a testament to both our friendship and music we both loved. At that point we had a few discussions about digital mixing devices, Ableton and the likes were on the upswing, and he was dabbling in a few track productions on the computer and was more open to the idea than me, as I was pretty determined to not abandon my turntables for this kind of progress. But then I felt it would be a good opportunity to try something I had not tried before, particularly instead of criticizing a method I only knew in theory. So we soon agreed to embark on the endeavour of a digital mix that should at best use what seemed to be the ultimate advantage over a setup with two turntables, meaning the use of multiple tracks and the ability to insert more sounds than you could with two records playing at once (no, I’m no turntablist). The problem was that we had no Ableton or similarly advanced mixing software at hand. Among the programs Gram knew his way around was Cakewalk, which at the time was already vintage, to say the least. We soon realized that the only way for us to do it was to combine analogue hardware with it. The idea for the source material was quickly agreed upon. I had vivid memories of the Acid House glory days, and I was miffed about how revivalists were mostly only clinging to 303 sounds whenever the genre came back into the spotlight, whereas I always experienced Acid House as template for parties that incorporated diverse styles, and not only one. So basically we wanted to use landmark records of that era with a bit of stylistic leeway left and right and play them like we felt they should be played: energetic, raw, the archetypical aural rollercoaster ride. With this in mind I browsed my record collection for the basic tracklist and also for what should be the added value of the enterprise: a whole plethora of acapellas, samples, vocal snippets from records and movies, sound detours, intros and outros, all coming from different angles. We narrowed down the selection to how much we would need to match the typical CD length, and to how much elements we could inject into a track without drowning it, and then we chose a basic record and a basic tempo (Tyree’s “Acid Over”, which strangely then did not make it to the final tracklist later on) and I pre-mixed all in sync with it on two Technics MKs and we recorded each single track and snippet onto the computer afterwards. I don’t recall how many tracks of the program we could fill with all those recordings, but for me, who rarely used more than three channels on a mixer, it sure looked impressive. What also impressed me was the hours it already took to finish this first stage of the mix. And it was only preparation still.
When we then started to structure all the single components into a whole, it took way more time. For more than one month, we met several times a week and spent hours from early evening to early morning trying to work out the best sequence for our material that we felt we were capable of. I must add that I’m hardly a perfectionist and a studio boffin even less, but my collaborator was, and that fit like a glove with my enthusiasm for the idea and my many years of DJ experience. In fact, despite barely managing to complete more than one or two track sequences in several hours of work, it felt like we were already exploring the atoms of everything we used, and then splitting it into even smaller fractions, and it felt like a strange universe on its own. Frequently, we took a break, stepped back from the monitor and listened thoroughly to what we just did, and how it worked with what we did before, like a painter studied what ended up on the canvas (I’m not getting carried away). And it was like we’ve created a monster, too. Something that spiralled out of control. Something that seemed more out of reach in terms of finishing it with every little step we took. But then again, every small step, however long it took, seemed to lead to something we had not expected. New opportunities came to mind that led to the deletion of the ones not considered as good anymore. There were setbacks, detours, fresh and false starts, bad ideas. And there were leaps of faith, open sesames, sudden solutions, good ideas (I’m not getting carried away again). For the work on something as functional and purposeful as a recorded mix, it was pretty intense. When we finally stuck the outro to the last track, and gave the whole thing a final listening, we were surprised with how fresh and accomplished it sounded, and how little of all our efforts were apparent. We conceived artwork to complement the listening experience, and we were done with it. We were ultimately satisfied with the result. Of course anyone with enough skills could have come up with something equally or more engaging in realtime, thus sparing oneself the ridiculous amount of time we spent on it. But that was not the point. The point was to spend this ridiculous amount of time on it, together. Not caring if somebody would ever appreciate what and how we did it (and also secretly hoping somebody would). Not knowing if the dam we built would hold.
But it did. Time went by, and we are still very good friends, and still living in different cities. We never recorded something together again, but we sometimes speculate what it would have sounded like if we would have. I have never recorded a digital mix again, being too impatient and feeling too uncomfortable with anything else than two turntables. Gram, however, went on to record a few other fine mixes with the same dated setup. We both are still very proud of “Smileyville”. For us, it has stood the test of time, like the music it contains.
Mix recorded in 2004, reissued by Modyfier.
Check here for background info, and artwork.
MACRO M22 Stefan Goldmann – The Grand Hemiola
Es gab eine Zeit, grob eingeteilt gegen Ende der 80er Jahre, in der man House und Techno noch nicht auseinanderdividieren konnte. Detroit Techno war noch weitestgehend ein Spezialistenthema, und bevor man via England die Massenkompatibilität entdeckte, war unmittelbar nach der Acid-Ära noch alles House, wenn auch in sehr unterschiedlichen Ausprägungen. Doch dann fand eine grundlegende Trennung statt, die bis heute Bestand hat. House ist seitdem die Musik von Traditionsbewusstsein, Disco-Erbe, Deepness, dem großen Gefühl, dem ewigen Groove, der wahren Wahrhaftigkeit. Techno hingegen der vermeintlich futuristische Gegenentwurf, die Suche nach der Alternative, die Lossagung der Clubmusik von der eigenen Geschichte, und natürlich auch der musikalische Hort des Rave. Lange Jahre fanden große Teile der Techno-Gemeinde House spießig und schwul, und große Teile der House-Gemeinde fanden Techno stumpf und oberflächlich. Natürlich konnte der echte Deep House Soldier ebenso wenig mit kommerziellen Handtaschen-House anfangen, wie der echte Detroit Techno- oder IDM-Fan mit den Love Parade- oder Mayday-Horden, und natürlich konnte man auch mit House und Techno gleichzeitig glücklich sein, aber die Schubladen waren offen und man sortierte sich größtenteils aneinander vorbei. Dann kam der Siegeszug von Minimal, erst mit House-, dann mit Technoanbindung, und beide Lager hatten solange Einbußen zu verzeichnen, bis der Dancefloor der ständigen Reduktion auf das Wesentliche wieder überdrüssig wurde, und die Wiederkehr zu deutlicheren Signalen wieder an der Reihe war.
Doch nun ist es der klassische House-Sound, der auf einmal das Lauffeuer entfacht hat, und Techno ist das zeitweilige Annektierungsgebiet, was in den Jahren zuvor eher umgekehrt war. Und wie es dann immer ist wenn ein Sound die Vorherrschaft übernimmt, ist jeder schon immer dabei gewesen, und jeder will nichts anderes mehr produzieren, anderweitige Diskografien oder späte Geburtenjahrgänge hin oder her, egal wie man sich auch wieder um- oder zurückorientieren mag wenn die Hausse wieder schwächelt. Und natürlich hat jede Generation das Recht sich bei neuen Produktionen aus dem Reservoir der vorherigen zu bedienen, das war schon zur Disco-Ära so, zur House-Pionierphase, und bei nahezu allem was danach kam. Das Rad, es lässt sich wohl tatsächlich nicht neu erfinden, wenn der Track vernünftig rollen soll.
Es ist aber trotzdem erstaunlich, wie wenige Produzenten zumindest versuchen, sich vom Referenzspektrum der House-Geschichtsbücher mit einer eigenen Handschrift zu emanzipieren. Es mag daran liegen, dass der Zugang gerade bei der jüngeren Generation zu frisch ist, man muss sich erst einmal abarbeiten, und in Zeiten, in denen jede noch so obskure Kleinstlabel-Veröffentlichung ohne weiteres im Netz zu finden ist, und sich jeder einstmals noch so individualistische Soundentwurf binnen kürzester Zeit im Software-Studio nachbauen lässt, muss man vielleicht noch etwas warten, bis sich aus der reinen historischen Aufarbeitung neue Impulse ergeben. Gerade jetzt findet das offensichtlich kaum statt. Eine erdrückende Vielzahl von aktuellen House-Produktionen möchte zuallererst möglichst genau die Klassiker imitieren, denn womöglich sind sie aus gutem Grund zu Klassikern geworden. So klingt man in der Regel nach Früh-Chicago-Schmutz oder Früh-New York-Eleganz, oder Theo oder Kenny, Moritz und Mark, Larry oder Bobby, oder Rheji und Ronald oder Chez und Trent, aber meist wenig nach sich selbst. Man wildert vielleicht auch bei unbekannteren Inspirationsquellen, aber nicht minder eins zu eins, und somit mit keinem größeren Mehrwert.
Die einzige Anbindung an das Jetzt sind dann oft nur die modernen Preset-Sounds, bei deren Anwendung dann gerade die Qualitäten verlorengehen, die einst die Klassiker gerierten. Dass das einfach nicht gut funktioniert, demonstrieren auch so manche alte Helden, die im hastigen Versuch den Anschluss wiederherzustellen, ebenso glatt, emotionslos und mittelmäßig klingen wie ihre Nachahmer. Die Sache mit House und dem Feeling, sie scheint leichter zu sein als sie ist, und sie lässt sich mit ein paar nach dem Schulbuch gesetzten Flächen, Akkorden und Vocal-Samples nicht automatisieren. Da nützt es auch nichts, wie bei der Midtempo- bis SlowMo-Brigade, die Musik zu verlangsamen. Wenn die Musik an sich schon zu wenig bietet, könnte man sie auch wieder hochpitchen, und sie würde immer noch zu wenig bieten. Und auch wenn die UK-Jungspunde alters- und wissensbedingt erst jetzt genau den Reiz der Disco-Acapellas auf ihren Sample-CDs entdecken, den einst etwa Todd Terry als Signatur von seinen eigenen Wurzeln in seine Gegenwart rekontextualisierte, es ändert nichts an der Tatsache, dass man sich überhaupt noch bei Sample-CDs bedient, anstatt selber etwas samplen, was noch nie benutzt wurde. Wenn sich in DJ-Sets das wahre Alter eines Tracks nur darüber entlarvt, dass es beim Abspielen knackt und knistert und mit den Klangzutaten weniger taktgenau und strukturformatiert umgegangen wird als in den paar Mimikry-Produktionen davor und danach, ist etwas grundlegend faul im Staate Baukasten-Prinzip, und das kann nur mit einer guten Portion Individualismus, Eigeninitiative und Forschergeist behoben werden. Hat schon oft genug vorher geklappt, und wirkt auch langfristiger, sonst müsste man da ja auch überhaupt nicht mehr ständig ansetzen. In diesem Sinne.
MACRO M21 Elektro Guzzi – Extrakt EP
Rückblick für das Goethe-Institut – Elektronische Musik aus Deutschland 02/11
Vorwärts immer, Rückwärts immer
“Forward Ever Backward Never” lautete der Titel der Mayday-Compilation von 1992. Man glaubte noch aus vollem Herzen an die von elektronischer Tanzmusik und -kultur ausgelöste Revolution. Es lief ja auch gut. Die Strukturen waren noch elastisch und ausbaufähig, der Pioniergeist beflügelte die Kreativität, und auch die ökonomische Kurve zeigte steil nach oben. Natürlich war unter diesen Umständen alles davor irrelevant.
In den 18 Jahren danach hat sich aber einiges anders entwickelt, als man es damals für möglich gehalten hätte.
Auf der einen Seite hat sich schnell herausgestellt, dass der musikalische Fortschritt ganz ohne Rückbezüge eine Utopie bleiben musste. Nichts entwickelt sich schneller als der Sound der Clubs, die nötige Innovation um nur forward zu bleiben konnte nie aufgebracht werden.
Und wenn forward nicht mehr so viel passiert, kann man auch backward schauen, auf all das, was im Schwung der Dinge noch nicht mal verarbeitet war.
Und so landet der Sound von 1992, vermutlich schon Ende des gleichen Jahres hoffnungslos veraltet, in Bruchteilen im Jahr 2010 und man hat sich an eine Wiederkehr dieser Art schon längst gewöhnt.
Die Zyklen, in denen ältere Tendenzen aufgegriffen wurden, wurden immer kürzer, gleichzeitig ging man auch immer weiter zurück. Die ältere Generation wurde somit mit ihrer Vergangenheit konfrontiert, und die jüngere Generation machte aus derselben Vergangenheit ihre Gegenwart, und beides geschah auf der Suche nach dem Neuen.
Folglich war 2010 ein Konsolidierungsjahr. Man wollte das Rad gar nicht mehr neu erfinden, man gestaltete es um. Wozu man in den Clubs feierte, unterschied sich nicht maßgeblich von den vielen Jahren davor, nur dass die vielen Jahre davor nun gebündelt zu hören waren, in einer modernisierten Auslegung, in der der Fortgang oftmals nur an Nuancen ablesbar war, und das auch nur mit einem gewissen Maß an altersbedingter oder eigeninitiativer Vorbildung.
Die “Krise”
Den Takt der Ereignisse gab nach wie vor die Krise der Musikindustrie vor, die viele dazu bewog, sich für den kurzen Erfolg an gängige Mittel zu heften, andere dazu, für den anhaltenden Erfolg ihre Meriten eher zu verwalten als weiterzuentwickeln, andere wiederum dazu, ungeachtet von Erfolg oder Misserfolg den ökonomischen Niedergang als Chance zu sehen, sich kreativ erst recht auszutoben.
Die Demokratisierung der Produktionsmittel in Zeiten von billiger Soft- und Hardware und verkürzten Vertriebswegen führte in jedem Fall zu einer Schwemme von Trittbrettmusik und Geringverdienern, und jeder kämpfte um die schwindende Halbwertzeit, die die Medien in ihrem proportional wachsenden Themenhunger noch zuließ.
Man konnte sich aber stets sicher sein, zu jedem erdenklichen Aspekt mehr Podcasts, Soundcloud-Sets und Webdiskussionen zur Verfügung zu haben, als man je bewältigen könnte.
Auf der anderen Seite erwies sich die Clubkultur als nahezu krisenresistent. Den Feiernden waren die zeitgenössischen Bürden der Kreativen letzten Endes egal. Sie wollten einfach nur feiern wie eh und je, und das war natürlich ihr gutes Recht. Auch wenn alle Vulkane Islands gleichzeitig ausgebrochen wären, hätten sich immer noch genügend DJs gefunden um den Betrieb aufrecht zu erhalten. Nachrichten von insolventen Großclubs wie dem Londoner Matter/Fabric blieben nur Zwischenrufe, auf die man in ebenso großen Clubs auf Ibiza oder in anderen Großstädten gar nicht reagierte, oder reagieren musste.
Die national und international magnetische Berliner Clublandschaft etwa, die Tobias Rapp 2009 treffend in seinem Buch „Lost and Sound“ einfing, verlor mit der Bar 25 einen Protagonisten, über dessen Verlust man allerdings schnell hinwegschritt. Man eroberte sich flugs weitere Freiluftflächen, etliche neue Veranstaltungsräume, und die weiterhin einströmenden Easyjetsetter ließen sich nun zum Teil nieder, und wurden nicht nur von DJ-und Produzentenseite, sondern auch als Veranstalter und Clubbesitzer aktiver Teil des Ganzen.
Folglich musste noch weiter zusammengerückt werden, und es rumorte an den Konfliktherden. Die lästig gewordene nationale Berichterstattung über die Szenerie verspielte es sich nach ersten unbeholfenen Versuchen, die Clubkultur zu verstehen, mit reflexartig auf den Sündenpfuhl zeigenden Outsider-Informationen, denn die Kultur kam mittlerweile ohne Berichterstattung aus.
Die Leitmedien und etliche sich zu Kommentaren berufen fühlende Personen des öffentlichen Lebens nahmen anlässlich des Love Parade-Desasters fast schon nachtragend und entschieden zu lange den Hedonismus der Szene an Stelle der unfassbaren Inkompetenz der zuständigen Organisatoren ins Visier und gruben den Graben damit noch tiefer.
Die Sendung mit der Maus
Nicht nur bei der Musikproduktion tobte 2010 ein Analog-vs.-Digital-Glaubenskrieg, sondern auch bei der technischen Umsetzung im Club. Panasonic entschied sich die Produktion des legendären Technics SL 1200-Plattenspielers einzustellen, des Gerätes, das Dekaden von DJ- und Clubkultur maßgeblich geprägt hatte.
Die unterlegene Analogfraktion erklärte dies mit dem unwürdigen Bequemlichkeitsaspekt und den niedrigen bzw. meist gar nicht vorhandenen Kostenfaktoren über Promo- und Filesharing-Plattformen beschaffter Musik, die Digitalfraktion erklärte dies mit dem unwürdigen Unbequemlichkeitsaspekt und den beschränkten mixtechnischen Möglichkeiten des Vinyls und der dazugehörigen Hardware.
Letztlich wählte der Großteil der Clubs den Mittelweg und unterstützte digitale Abspielsysteme, mit denen man Audiodateien mit der Haptik eines Platten-oder CD-Spielers auflegen konnte. Das Potential der mixtechnischen Möglichkeiten solcher Geräte nutzten aber nur wenige DJs, was die Fronten weiter verhärtete.
Ungeachtet dessen schoben sich aber die Performer noch weiter als integraler Bestandteil in die Line-ups der Clubs, und bei ihren Auftritten spielte analoge Ausrüstung eine noch geringere Rolle. Im Gegensatz zu DJs ließen sich Live-Acts besser in die zahlreichen Veranstaltungen einbauen, bei denen sich elektronische und rocktradierte Musik im Programm und beim Publikum vermischten, wovon letztlich alle Seiten profitierten. Oft vertreten waren der zum Konsensthema hochgeschriebene Paul Kalkbrenner, Modeselektor, die national fast allein auf weiter Flur die zahllosen Bass-Bewegungen der englischen Szene einfangen und zurückzuschleudern schienen, und die Wiener Band Elektro Guzzi, die mit einem klassischen Setup aus Bass, Gitarre und Schlagzeug eine originäre Auslegung von Techno umsetzten.
Je mehr der Fokus sich von der herkömmlichen Position des DJs zum traditionellen Auftritt verschob, desto klarer wurde in der Konsequenz, dass es nahezu unmöglich geworden war, eine Karriere als DJ zu beginnen, ohne selbst Musik zu produzieren.
Was war/ist House?
Für House war 2010 ein Jahr weiteren Wachstums, wobei für das Genre die fortlaufenden Referenzen aus dem reichhaltigen Disco-Erbe eine ebenso wichtige Rolle spielten wie die Rückbesinnung auf die eigenen Wurzeln.
Die erwähnten technischen Erleichterungen in der Musikproduktion und verkürzten Vertriebswege verstärkten die Flut von Edits und Bootlegs bekannter oder obskurer Titel abermals. Als Klangbild waren House und Disco aber nicht mehr auseinanderzudividieren, ähnlich wie in den Pioniertagen, als House noch als Evolutionsschritt von Disco aufgefasst wurde, und nicht als ablösendes Phänomen.
Die entscheidenden Pole waren Deepness, Disco in allen seinen Spielarten und vorwärtsorientiertes Geschichtsbewusstsein, und sie wurden in Deutschland am erfolgreichsten von Running Back und Permanent Vacation repräsentiert, und besonders dem auf beiden Labels veröffentlichenden Hamburger Produzenten Tensnake, dessen internationaler Erfolg darauf hinzudeuten schien, dass das Potential der Sounds noch lange nicht ausgeschöpft ist, vor allem wenn man die zeitliche Verzögerung als Maßstab nimmt, mit der Minimal in vielen Ländern erst den Schwung aufnahm, der bis heute anhält.
Die flächendeckende Renaissance der Alten Schule bewirkte allerdings auch zwangsläufig einen sehr traditionalistischen Umgang mit dem Genre. Ein Großteil der letztjährigen Produktionen begnügte sich mit der Rekonstruktion bewährter Soundmodelle von US-Produktionen von Ende der 80er bis Mitte der 90er-Jahre, aber es gelang nur wenigen Produzenten, diesen Vorgaben mit modernen Mitteln die Frische, Seele, Emotionalität und Individualität beizugeben, die die ungebrochene Faszination der Vorbilder ausmachen.
Etablierte Labels wie Dial/Laid festigten ihren Status, u.a. mit dem Album von Efdemin, die Hauptstadt sorgte mit den ersten erfolgreichen Schritten von Labels wie etwa Retreat oder Produzenten wie Hunee für Aufsehen, aber vor allem die lebendige ostdeutsche Szene rund um Workshop, und Mikrodisko konnte international individuelle und kreative Impulse setzen.
Auffällig war, dass viele House-Tracks sich dezidiert unter der 120 bpm-Marke bewegten, und man sprach nun von Autoren-House, um die tendenziell introspektive Musik von erfolgreichen Newcomern wie John Roberts oder Nicolas Jaar zu kategorisieren. Eine Bezeichnung, über die der Individualismus eines DJ Koze schon hinausgewachsen ist, der mit originellen Remixen, eigenem Label und Komplizen aus der ersten Blütezeit von deutschem House seinen Spielraum erweiterte.
Triumph der Bastionen
Die Erfolgsgeschichten des Techno, die sich 2009 entwickelten, setzten sich auch im folgenden Jahr fort.
Ostgut Ton verfestigte sich als international stilprägende Exekutive des Berghain-Imperiums, und trug auch weiterhin die geschlossenen Reihen der eigenen Residents in die Welt hinaus, mittels Künstleralben der Aushängeschilder Shed und Marcel Dettmann, aber auch mit einer luxuriösen Compilation, auf der alle Künstler des Labels Field Recordings aus dem Club in eigene Tracks einarbeiteten.
Dieses Bekenntnis zum aufwändigen Produkt, das auch das Traditions-Label Perlon mit seiner Superlongevity-Compilation vollzog, stand in der Techno-Landschaft einer Vielzahl von Veröffentlichungen gegenüber, die in Sound und Design den klassischen Platten aus dem Umfeld der Berliner Institutionen Basic Channel bzw. Hard Wax und den angeschlossenen Labels nachstrebte.
Es gab zahlreiche handgestempelte Platten ohne Credits und Interpreten, die anonym bleiben wollten. Dabei war nicht immer klar, inwiefern die Marketingverweigerung Überzeugung, oder wiederum Marketing war.
Der einst von Mark Ernestus und Moritz von Oswald initiierte Dub Techno-Sound, blieb auch 2010 ein unumgängliches Leitmotiv, etwa für Labels wie Prologue oder Stroboscopic Artefacts.
Ernestus selbst legte sein Augenmerk dagegen auf afrikanische Rhythmik, so wie auch das indirekte Umfeld mit T++ und Shackleton, und von Oswald brachte nach seiner von einem Schlaganfall bedingten Pause erfolgreich seinen Sound mit einem Trio auf die Bühne.
Der etwas beliebige Minimal-Techno der Vorjahre wurde bei anderen Künstlern für einen massiven und unmittelbaren Grundklang aufgegeben, der sich gleichermaßen an den dunkleren Techno-Produktionen der 90er orientierte, als auch an der Post Punk- und Industrial-Ästhetik der 80er.
So emanzipierte sich Chris Liebing mit seinem Label CLR erfolgreich von den einst selbst gerufenen Schranz-Geistern, und wo in der Electroclash-Hausse, noch Fashion- und Performance-Aspekte die künstlerischen Überlegungen beeinflussten, beriefen sich zu Teilen aus Berlin operierende Labels wie Sandwell District nun direkt auf die Klangexperimente und Artworks von Bands wie Throbbing Gristle oder Cabaret Voltaire, und übertrugen deren Vorleistungen auf ihre eigene Arbeit.
2010 war aber auch ein guter Jahrgang für die Synthese von Club- und Hochkultur.
Der von Stefan Goldmann ins Leben gerufene Elektroakustische Salon im Berghain wurde serienreif, der Produzent selbst erweiterte seinen Spielraum sowohl mit cluborientierten Produktionen, als auch einer Ballettkomposition, die im Rahmen des Time Warp-Raves am Nationaltheater Mannheim aufgeführt wurde. Ähnlich experimentierfreudig auch der Kölner Altmeister Wolfgang Voigt, der von der Bildenden Kunst zur elektronischen Musik zurückkehrte, aber nicht ohne beides mit neuen Ansätzen verbinden zu wollen.
Ebenso willkommen auch die künstlerischen Rückmeldungen von Kreidler, Oval, Alva Noto, und Hauschka, die allesamt in einem clubkulturellen Klima auf vielbeachtete neue Wege gingen, das nicht mehr derart auf reine Tanzflächenkompatibilität fixiert war wie in den Jahren zuvor.
Die Musik klang im letzten Jahr zwar oft ohne Sonne, aber andere Ideen mussten nicht mehr im Schatten bleiben.
Mix recorded for Artist of the Week-feature @ Sweatlodgeradio.com
Interview (by Elie Eidelman)
You are a well respected music writer writing for publications like De:Bug, RA and your own blog (among others). Has music writing always been part of what you do, and what came first? The writing or the djing?
I write about music in public since the mid-90’s, and I started playing out in the late 80’s, so definitely DJing came first. My output as a writer has also been not as prolific as it turned out to be after I moved to Berlin in 2003. I knew Jan Joswig, the fashion editor at de:bug at that time, from former days in my hometown Kiel and he asked me to contribute. I started out writing reviews and then turned to features and especially interviews, some of which got quite some attention. So that eventually led to writing for other print and web publications too, like doing the “Playing Favourites” series for Resident Advisor, my “Rewind” series for sounds-like-me.com, Groove Magazine, and a lot of other media. The Website you’re referring to is not a blog in the sense that I write about everything that goes through my head, it is more like fragmentary online archive of my activities from the 90’s until now. Writings, Mixes, Gigs, the label, and a plethora of other things. It is not that I’m that vain to want everybody to know what I do and did, it is kind of a reminder for myself that others can follow if they like. Excuse the irregular updates at this point, but I slowed down all said activities a bit to have more time for my lovely wife and daughter, and I took up working at Hard Wax, too. Consider me well busy.
Can you please tell our readers what is D*ruffalo and who stands behind it?
I can’t possibly tell, at least not anymore. When D*ruffalo was unleashed 4 years ago, it was some sort of a media experiment initiated by a semi-anonymous collective of writers, producers and DJs based in several German cities, intended to be a platform to share love for what should be loved, free of any conventional restrictions. Soon some lack of love for what was deemed not as loveable showed up as well, but basically it was conceived to be the Fort Alamo of sincerity. Decidedly non-ironical, accidentally post-cool and fiercely anti-hype. At some point The D*ruffalo Hit Squad and the according Druffmix series was brought to life, to shine a light on music no light shined upon. But it totally spiralled out of control. I don’t know what it is right now, or if I am still a part of it even. But apparently D*ruffalo celebrates its sheer existence and the 50th Druffmix with a party at Berlin’s Soju Bar on February 11, and there are negotiations about a regular residency there. If the unpredictability and confusion of the D*ruffalo members allows. Which is probably unlikely, maybe. I can’t possibly tell.
You are running Macro Records together with Stefan Goldmann. How’s the process been running a label and what can we expect from Macro in 2011?
When we founded Macro we decided to only release music we find worth releasing, at the potential risk of longer stretches with no releases at all. But then the label took up so much momentum that we now have more releases lined up for this year than in the years before. March will see a new EP by the rather sensational Elektro Guzzi and Stefan’s magnificent “The Grand Hemiola” 2×12″, you can hear excerpts of both in the mix I recorded for you. We will follow that up in April with a live album by Elektro Guzzi and a compilation of the late works of the composer and conductor Friedrich Goldmann, Stefan’s father, who sadly and much too early passed away in 2009. We are also in the process of preparing several other projects for later this year, which are not yet ready to be unveiled, but well worth waiting for. We worked very hard to achieve a position in which we can do whatever we want, and as long as this strong support will stay with us, we will do just that. Expect the unexpected.
You’re known for your eclectic dj sets. What can you tell us about this set you prepared?
My sets, be it in a club or radio context, can be quite diverse, that’s true. But I don’t believe in eclecticism per se. Meaning, I don’t want to attract opposites just for the sake of it. If you neglect a certain coherence, structure and narrative you will end up sounding like a jukebox, however interesting it might be musically equipped. I like thinking of a concept when doing a mix, as subliminal or not it might be. With this one, I just intended to combine an experimental streak with a dancefloor functionality, while providing a glimpse of unreleased Macro material and tracks of artists I consistently admire, and tracks I still find as interesting as the day I first heard them. Which in the case of this playlist, was not too long ago. At any other time the set would probably have sounded differently, but this was what I then had in mind for this purpose and I hope it makes as much sense to the listeners as it made to me when I recorded it.
Stefan Goldmann – Mining The Vein / The Grand Hemiola
Raime – This Foundry (Regis Version)
Shackleton Vs. Kasai Allstars – Mukuba Special
Theo Parrish Ft. IG Culture – Traffic
Elektro Guzzi – Boom Room
Margaret Dygas – Hidden (NSI Mix)
Farben – Kursbuch 1&2
Son Of Sam – Nature Makes A Mistake (Âme Mix)
Marco Bernardi – Klinsfrar Melode (Sprinkles Deeperama)
WK7 – Higher Power (Hardcore PCK Mix)
Pinch – Croydon House
A mix with some 90s house records I hold very dear.
Mr Fingers – On My Way (Pinky Blue Mix)
Lovechild – Sweet Ambience (Deep Dub)
Chez Damier & Stacey Pullen – Forever Monna
Inner Soul feat. E. Scott – I’m In Need 4 U
Sound Waves – I Wanna Feel The Music (Smooth Mix)
Sensory Elements – Explain It
Jazz-N-Groove – Do Ya (Marcs Lunch Pale Mix)
Equation – I’ll Say A Prayer 4 U
Debbie Gibson – One Step Ahead (Masters At Work Mix)
Yohan Square – Love Of Life (Genesis Mix)
Mark Rogers – Twilight For Some (Hurleys Twilight Mix)
Subculture – The Voyage
Joanna Law – Love Is Not Enough (Mix D’Ambience)
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