In discussion with Terre Thaemlitz about the album “Dazzle Ships” by Orchestral Manoeuvres In The Dark (1983).
A lot of interesting electronic music was produced in 1983, the year “Dazzle Ships” was released. What drew you to Orchestral Manoeuvres In The Dark, and this album in particular?
To be honest, I don’t recall exactly how I came to own this record. I think it was probably the usual budgetary situation where I had heard about OMD, I wanted to buy a record to check them out, and “Dazzle Ships” was the cheapest album to buy. As a teen, my record collection was built on unpopular records from the $1.00 bin. This was economically unavoidable. It also meant my point of entry for a lot of bands was through their “commercial flops”. And as an “outsider” who did not fit in with others and was therefore a flop of sorts myself, I found resonance with these failures at assimilation. Gary Numan’s “Dance” is a brilliant example – thinking back, to be 13 years old in Springfield, Missouri, and really into that album, it really signifies a kind of social isolation. A “normal” or “healthy” 13 year old could not be into that album. Impossible. So I believe this entire process of arriving at an album like “Dazzle Ships” must never be reduced to a simple matter of taste. It’s tied to issues of economics, class, socialization… in the US it is also tied to race and the divide between “black music” and “white music,” etc.
With this album, OMD experimented with elements beyond their Pop abilities, like shortwave recordings, sound collages and cold war/eastern bloc imagery. How would you describe the concept of this album?
I think “Architecture & Morality” already introduced a lot of those elements. I don’t know for sure, but as a producer myself I imagine this is partly related to the emergence of better sampling technology. They could use samplers to play back all kinds of sound elements, rather than being limited to synths and multi-track recording. I also imagine, drawing from my own experiences, that “Dazzle Ships” (like Numan’s “Dance”) represents a crisis in their relationships to their record labels and Pop music generally. A crisis with capitalism, the demand for sales, demand for audio conformity… and in this way the socialist imagery of the album is perhaps a reflection of their struggling against these processes. I remember reading some article – which I have no idea if it was trustworthy or not, but – it talked about the tremendous pressure labels put on OMD to become more Pop. I believe they were asked to finally decide if they wanted to be the new “Abba” or not, and if so, to change their style accordingly. This was a brutal trend in UK new wave. It destroyed the Eurythmics, The Human League, Gary Numan, OMD, Depeche Mode, and on and on… These are all UK bands, all extremely influential, and all totally boring in the end. Very few groups came out of these struggles for the better – one exception being Talk Talk, who did abandon their synth sound but became something marvelously unmarketable in another way. All of these New Wave bands had to become Rock bands capable of penetrating the US market, blah, blah – dumb American Dreams. Techno-Pop was dismissed as a fad by industry, and the artists seem to have gotten swept up in the hype of possible “success”. Ironically, of course, even if they got a brief flash of super-Pop success they alienated their core fans who had been drawn to them as other than Pop. I know I felt extremely betrayed. I still do, at age 41. When I was young, it was a personal betrayal, now it strikes me as a cultural betrayal. I could be totally wrong, but I guess for me, all of this feeds into the concept of “Dazzle Ships”, the title being a reference to massive battle ships. The idea of sending this album afloat in the marketplace, poised to attack and conquer as the label wants – but stylistically it also clearly sabotages any prospect of popularity. I think it was OMD’s attack on the labels that released it – a final kick in resistance before transforming into the Pop band that produced “Junk Culture” (although it could have also been a tremendous extension of A&R pampering in which the label let their artists run amuck – but that is so much less inspiring to me). And you have to forgive me, coming from the US, I have no idea how these records operated in Europe. I can imagine they got radio play. But not in the US. So my view is slanted by this. In the US these were all anti-Pop albums with no airplay, except in a few major cities. They had to be hunted down. And this camouflaged cover, in a way, also carried this metaphor of a product hidden in the marketplace, hard to find, elusive. But present. I like this metaphor – it predates the queer motto “We are everywhere” by a good number of years. Read the rest of this entry »
Im Gespräch mit Cio D’Or über “Upekah” von Son.sine (2000).
Neuseeland ist eher nicht für elektronische Musik bekannt. Wie bist du auf Son.sine gestoßen? Kennst Du andere Produktionen von diesem Künstler?
Ich hörte ihn das erste Mal in einem Mix und verliebte mich sofort in den Track, unwissendlich, wer der Künstler ist. Danach brachte mir ein Freund einige Tracks von sich mit, sowie auch diesen. Da kein Name auf dem Wav-File war, wusste ich noch immer nicht, von wem das Stück ist. Bei meinem letzten Radiomix für Oceanclub baute ich ihn mit ein und er war das einzige unbenannte Stück. Erst Chris von mnml ssgs meinte dann „Wow…there is Son.sine’s „Upekah“ from Nurture“, und somit konnte ich ihn endlich orten. Andere Produktionen hörte ich mir noch an, die mir auch gut gefallen haben, aber „Upekah“ ist für mich nicht zu toppen. Neuseeland scheint ein guter Ort für Musikproduktionen zu sein.
Wie würdest Du diese Platte beschreiben?
Unendliche Tiefen mit einer zärtlichen und berührenden, fast schmerzenden Schönheit, die sowohl Trauer als auch Glück in sich trägt. Mit einer großen Portion Sehnsucht und dennoch Hoffnung und Unendlichkeit, einem grandiosen, subtilen Rhythmus und die Auflösung heißt: Vorangehen, nach vorn schauen, und dennoch den Moment leben und bejahen. Am Schluss hat der Track sogar etwas Forsches und Treibendes. Einfach eine großartige Widerspiegelung diverser Emotionen und absolut Weltklasse in ihrer Vielschichtigkeit in dieser Kategorie Musik! Wow! Danke, Son.sine! Read the rest of this entry »
In discussion with Jorge Socarras about “You Forgot To Answer” by Nico, from the album “The End” (1974).
What makes this song so special for you? Are there personal experiences involved or is it more a decision of musical taste?
For me a song that is truly special effects a seamless conflation of aesthetic and subjective elements. The combination allows me, as listener, to at the same time admire and experience the song. We could say that it blurs the distinction between objective and subjective, balances the either/or of the question. This is precisely what I find so special about “You Forgot To Answer”.
Nico seemed to be very determined and uncompromising with what she wanted to do as an artist. How would you place this song in her musical history?
I see this song as representing the pinnacle of her musical achievement. The artistic promise that she showed on “Chelsea Girl” and “The Velvet Underground with Nico” is at “The End” stage fully realized. Not to say that these early achievements aren’t beautiful and worthwhile – on the contrary. But her artistry is most unmistakably individuated and formidable on “The End” album, especially in “You Forgot To Answer”. That uncompromising quality you mention is so articulated and refined in this song that one could almost interpret it as a refutal of her earlier, more celebrity-identified persona (or personas). John Cale, of course, played no small part in Nico’s coming to artistic maturation. Their creative relationship was so evidently mutually inspiring – she playing muse, he Svengali. She was the ideal songstress and he the ideal arranger for the quite serious music they envisioned. Read the rest of this entry »
Der New Yorker Club The Saint wird wohl für alle Zeiten der wahnwitzigste Ort schwuler Clubkultur bleiben. Tausende bedingungslos hedonismusbereiter Tänzer wogten jedes Wochenende unter der gigantischen Donnerkuppel, von der aus die damaligen harten DJ-Hunde in minutiös tradierten Dramaturgien ihre Zwölfstundenschichten schoben. Das einzige musikalische Gebot war eine kollektive emotionale Reizüberflutung, und jede Musik die das auslösen konnte wurde als Geschenk Gottes zelebriert. In dieser Umgebung gediehen nicht nur die prototypischen Marschflugkörper von Hi-NRG, sondern auch absurde Tränendrücker, die zum Engtanz in den Sleaze-Morgenstunden als große Oper inszeniert wurden. Als alle Resident-DJs 1988 den Club in einer mehrtägigen Abschlussorgie zu Grabe trugen, wimmelte es in den Sets nur so vor unverschlüsselten Botschaften, großen Emotionen und sehr persönlichen musikalischen Abschiedsgrüßen, die der damaligen Crowd noch bis heute als unverrückbarer Kloß im Hals stecken müssen. Robbie Leslie hatte die Ehre des letzten Sets, und dies ist seine Wahl für die letzte Platte gewesen. Ein merkwürdiger Discoschieber, der sich mit billig klingenden Syntheziserklängen an die klassische Soul-Ära klammerte, als diese schon längst vorbei war. Ein hymnischer Soul-Song, der sich überhaupt nicht die Produktionsmittel leisten konnte um so klingen zu können wie er in einer idealen Welt hätte klingen sollen. Ein Sänger, dessen Ruhmeszeit bei Tamla-Motown in solch einem unzulänglichen Gewand enden musste. Und doch, wie bei so vielen anderen obskuren Rare Soul-Evergreens, legen sich alle Beteiligten so ins Zeug, als könnte dieser eine der letzte Song sein, den sie jemals aufnehmen können. Die vage Hoffnung auf eine bessere Karrierewindung, der Trotz aber auch sich gegen die unterschwellige Erkenntnis aufzulehnen, dass hinter der nächsten Kurve nichts mehr kommt. Robbie Leslie hat aus diesem schönen, aber auch unscheinbaren Küken im Edit einen Weißkopfseeadler werden lassen, indem er nichts anderes gemacht hat, als den Refrain mit den Ohrwurmflächen im Hintergrund endlos anzuteasen, und dann in periodischen Abständen voll loszulassen. Sein Arrangement ist kein Deut exklusiver als der Song selbst, aber die Wirkung ist schockierend. Da kann man sich noch so sträuben. Und was blieb als Botschaft, mit der die Saint-Familie für immer in die kalte Realität zurückgestoßen wurde? „So hold on, to my love, I’m nothing, and I can’t get along without you. You’re the light of my life. There’s no living without your love. Nobody’s taking your place. But for you, but for me, our love would live on for the whole world to see.”
Recent Comments