Im Gespräch mit Peter Kruder über “Wish You Were Here” von Pink Floyd (1975).
Kannst Du Dich noch daran erinnern, wie Du auf Pink Floyd gestoßen bist? War das noch in Deiner Jugend?
Ich war gerade mal 11 Jahre alt als mein Bruder, der damals für Bang & Olufsen im Service gearbeitet hat, mit einer neu erstandenen B&O-Anlage nach Hause kam. Als das Ding aufgebaut war, zog er eine in schwarzes Plastik gehüllte Platte aus einer Einkaufstüte, schlitzte vorsichtig die Plastikhülle auf und legte die Platte auf den Teller. Die B&O-Anlagen damals hatten keine ordinären Drehregler, sondern in Glas gefasste elegante Schieberegler, und den Volumenregler auf ein angemessenes Level geschoben schwebte mir dieser G-Moll-Akkord aus den Boxen entgegen und ich war von der ersten Sekunde an auf einen anderen Planeten transportiert.
Die blubbernden Synths im Hintergrund und die zarte Moog-Melodie, die nichts sagt außer dass sie einen noch mehr hineinzieht, waren mir damals total unerklärlich und ich war gefangen vor Aufregung über was auch immer als Nächstes kommen würde. Das Vier-Noten-Motiv der Gitarre war für mich dann der endgültige Beweis, dass ich mich in einem neuen Stadium meiner persönlichen Entwicklung befand und von da an gab es nur mehr Pre-Floyd und Post-Floyd in meinem musikalischen Universum.
Pink Floyd hatten einige wegweisende Alben vorzuweisen. Warum hast Du Dir “Wish You Were Here” ausgesucht? Was macht das Album so wichtig für dich?
Ich war natürlich total angefixt von dem Floyd-Sound, sodass ich mich dann sofort auf die Suche nach mehr begab. Das Taschengeld damals reichte nicht für mehr als ein Album alle vier Monate und wurde mehr in Singles investiert, meine Schulfreunde damals waren mehr bei Abba als bei Floyd. Ich hatte in meiner Schule zwei ausgezeichnete Professorinnen im Englischunterricht, beide aktive 68erinnen, die eine Unterrichtsstunde nutzten, um uns Pink Floyds „The Wall“ vorzuspielen. Da war er wieder, dieser Sound, diesmal mit mehr Text, und ich lief nach dem Unterricht nach Hause, köpfte das Sparschwein und ab in den Plattenladen. The Wall verließ die nächsten fünf Monate nicht mehr den Plattenteller und wöchentlich wurde eine andere Seite favorisiert. Ich war damals unsäglich schlecht in Englisch und verstand kein Wort, was mich nach einiger Zeit zum Wörterbuch greifen ließ um mir die auf den Hüllen gedruckten Lyrics Wort für Wort zu übersetzen. Am Ende des Jahres hatte ich eine Zwei in Englisch und wurde speziell für meinen drastischen Fortschritt im Unterricht gelobt. Von daher gesehen ist „The Wall“ für mich auch eine wichtige Floyd-Platte. Dass die Lyrics eigentlich schrecklich sind und als öffentlichen Therapiecouchplatz von Roger Waters missbraucht wurden, kam mir erst viele Jahre später und deswegen ist „Wish You Were Here“ auch meine bevorzugte Platte im Floyd-Schaffen.
Das Album ist ja schon mit seinem sehr durchdachten Fluss darauf angelegt, dass man es als Ganzes hören sollte. Ist das die beste Art das Album zu hören, oder gibt es persönliche Highlights oder auch Aussetzer? Überstrahlt “Shine On You Crazy Diamond” die anderen Songs?
Diese Platte prägte für mich das Verständnis, dass ein Album durchgehend gehört werden sollte, oder vielmehr dass ein Album so gut sein muss, dass man es von Anfang bis zum Ende hören will. Der Fluss, der durch das Weglassen der üblichen Pausen zwischen den Songs entsteht, will gut überlegt sein und wie in diesem Falle mit genauester Präzision ausgeführt werden. Ganz im Gegensatz zu Jimi Hendrix, der das auch machte, aber die pausenlose Aneinanderreihung mit acidgetränkten Akzenten durchführte, wobei das genau so beeindruckend ist. “Shine On You Crazy Diamond”ist natürlich die Perle des Albums und ich finde es auch entgegen gesetzter Meinungen gut, dass es auf die beiden Seiten der Platte verteilt ist. Es gibt der Platte Bookends, wie man es im Englischen nennt, und das fordert das Wollen nach mehrmaligem Hören.
Wie würdest Du die Musik von Pink Floyd auf “Wish You Were Here” beschreiben? Ist etwa die Band hier noch in den psychedelischen Anfangstagen verwurzelt, oder ist das schon eine ganz neue stilistische Ebene? Welche maßgeblichen Elemente machen das Album aus?
Für mich liegt die Größe der Platte in dem, dass keine Note zu viel ist und jeder auch noch so kleine Sound an seinem exakt richtigen Platz sitzt. Die musikalische Darbietung ist in diesem Sinne ohne jegliches Fett und zeigt, dass sie hier die Meister ihres eigenen Genres wurden. Wo „Dark Side Of The Moon“ noch überladen ist mit Showoff-Effekten, ist hier nur mehr Dienliches am Start. Es ist auch die Balance zwischen den trippigen Undergroundsounds der Anfangstage und breiten Melodien so geschickt getroffen, dass es allgemein verständlich ist, ohne sich dem Kommerz hinzugeben. Ein interessanter Aspekt ist für mich auch, dass die Brüche in der Gestaltung nicht als aufzeigende Maßnahmen gesetzt wurden, sondern mehr um den Fluss zu beschleunigen oder zu entschleunigen. Aber ich fand es immer schon eleganter, den Hörer durch sublime aber zwingende Elemente in deine Ecke zu ziehen, als sie mit dem Prügel über den Kopf dahin zu zwingen.
Wie verhält sich “Wish You Were Here” zu “Dark Side Of The Moon”, dem ungleich erfolgreicheren Vorgängeralbum? Ist es eine logische Fortführung? Ist es eine Emanzipation, bzw. ein Fortschritt?
Ich sehe es als absoluten Fortschritt, mit einer zurückgenommen Effektivität letztendlich noch mehr zu erzielen. Nicht das „Dark Side Of The Moon“ eine schlechte Platte wäre, aber im Gesamten ist sie bei weitem nicht so in sich stimmig wie „Wish You Were Here“. Bei „Dark Side Of The Moon“ haben sie die Grenzen des Machbaren mehr als die der eigenen Entwicklungsfähigkeit gesucht, waren aber mit dem Glück beseelt, dass das genau zu der Zeit gefragt war.
Gemeinhin wird die Geschichte von Pink Floyd in mehrere Phasen eingeteilt, und “Wish You Were Here” markiert die Phase, in der sie ihren Status als eine der größten Rockbands konsolidieren konnten. Magst Du auch die früheren und späteren Arbeiten der Band? Es gibt ja beispielsweise nicht wenige Anhänger, die alles nach Syd Barrett weniger schätzen, und umgekehrt.
Arnold Layne und diese Art des Musikmachens hat eine zeitbezogene Wichtigkeit. Bei mir verhält es sich da wie mit dem frühen Bob Dylan-Katalog. Ich verstehe und respektiere die immense Wichtigkeit, zu einem Zeitpunkt genau das laut auszusprechen was sich eigentlich alle denken, aber es verliert für mich durch die Akzeptanz der Veränderungen im Nachhinein die Aussagekraft. Im Frühwerk mit Syd Barrett ging es darum avantgardistische Musikformen mit Rock zu verbinden. Es lag damals in der Luft und die Floyd-Urbesetzung hat das auf den Punkt gebracht, nicht zu vergessen ist der visuelle Aspekt ihrer damaligen Liveshow.
In discussion with Modyfier on “Twin Peaks” by Angelo Badalamenti (1990).
What was your first encounter with Angelo Badalamenti? Did you notice the music when “Twin Peaks” was originally aired?
It was when the first season debuted in the spring of 1990. I was eleven and used to watch the show regularly with my parents. It made quite an impression on me. It was around that time that I started to become aware of abstractions and my mind wandered into the incredible world of intangible things. The show was the perfect guide, pulling me further into this exploration. I’d like to say that I didn’t notice the music apart from the imagery (because together, I think they make up the show), but I can’t. The first season soundtrack (on cassette) was one of the earliest albums I ever bought. I loved the access the music provided. Listening to it, I’d immediately be transported to Twin Peaks.
Did you have the instant impression that your fascination with the soundtrack would outlast the TV experience as a singular work of art? Can it be held apart from the series?
“Twin Peaks” is best when experienced the way it was meant to be: as a moving picture with sound. While it is possible for each to exist without the other, they lack full form. For example, if you listen to the soundtrack on its own, it is constantly evoking imagery from the show. It reaches out for it, plucking it ripe from the memory branches of your mind. Badalamenti is successful in painting Lynch’s vision precisely with his composition.
As far as my ‘fascination’ with the soundtrack, I’d reiterate that I think it is best when listened to in the context of the show. For that reason, I don’t think it has outlasted the experience of the series. The characters and places have a dark beauty and frank oddity that are created as equally by Badalamenti’s music as they are by Lynch’s imagery and narration. For me, the soundtrack is so much more than merely associative. There is a symbiosis that makes me think cymatics are at play. When things are put into motion in “Twin Peaks” (when characters and places interact in different combinations) events begin to happen that are outside of the rational. A door is opened into an unexplainable dimension that is conveyed through the important combination of picture and sound.
In discussion with Justin Strauss on “Computer World” by Kraftwerk (1981).
Can you still remember the first time you ever heard Kraftwerk?
Yes. I think the first time I heard them I was 17 years old, in England, recording an album for Island Records with the band I was in at the time, Milk n Cookies. I heard the song “Autobahn” on the radio there and remember thinking how different and cool it sounded than anything else out there. I bought a copy of the 7″ while I was there.
What made you decide for “Computer World” out of the many legendary albums? Do you agree with many critics and fans that they were at there creative peak with this?
Although I love all their albums, “Computer World” for me was just the best. Perfect in every way. I totally agree that this was their “masterpiece”.
Im Gespräch mit Falko Brocksieper über “Disco” von den Pet Shop Boys (1986).
Wie kamst Du erstmalig mit den Pet Shop Boys in Kontakt? “West End Girls” im Radio, in jungen Jahren?
Ich habe eine zwei Jahre ältere Schwester, deren beste Freundin hatte auch wiederum eine zwei Jahre ältere Schwester, und über diese zähe Nahrungskette gelangte einiges an kredibler Popkultur schließlich zu mir. Das waren zwar auch mal Sachen wie Wham! oder so, aber auch Depeche Mode, The Smiths, und eben Pet Shop Boys. Da muss ich etwa zehn Jahre alt gewesen sein. Ein eigenes Kassettenradio hatte ich erst gegen Ende der 80er. Die Mitschnitt-Zeit fing für mich also erst etwas später an.
Hattest Du generell eine Schwäche für den Synthpop dieser Zeit, und die Pet Shop Boys waren eine Facette davon, die Dir besonders gut gefiel?
Auch davor schon, auf diversen NDW-Compilations, die in unserer Familie kursierten, übten die Synthie- und Drummachine-geprägten Lieder eine große Faszination auf mich aus. Irgendwie Knöpfe drücken und Sachen bedienen erschien mir weitaus reizvoller als das handwerkliche Beherrschen eines Musikinstruments. Der Synthpop der 80er traf also ebenfalls diesen Nerv, auch wenn mein Fanverhalten da wenig systematisch war, geschweige denn von irgendwelchem Wissen gekennzeichnet. Ein eigenes Radio besaß ich wie gesagt nicht, das elterliche hochwertige HiFi-Equipment war tabu, und ich durfte auch eigenartigerweise ziemlich lang keine Bravo lesen. Mir kamen also nur einzelne Songs gelegentlich zugeflogen – wenn nicht von Freunden, dann etwa im Supermarkt, oder aus einem vorbeifahrenden, sportlich lackierten Ascona. Da gab es so ein paar schnauzbärtige Jungs in Netzhemden einige Straßen weiter, die schraubten an ihren Autos rum und hörten dabei Sachen wie Trans-X “Living On Video” oder Shannon “Let The Music Play”. Meistens wusste man aber natürlich nie wer/was/woher das jetzt war. Welches Lied nun von Bronski Beat, und welches von Kim Wilde war, das erfuhr ich oft erst Jahre später.
Die Pet Shop Boys aber weckten schon beim ersten Kontakt mein ganzheitliches Interesse. Neben der Musik gefiel mir auch einfach diese seltsame Unnahbarkeit und ihr nüchternes Auftreten. Gott weiß wie bunt auftoupierte Haare und komische Anziehsachen fand ich dagegen als Kleinstadt-Kind eher verstörend – damit wollte ich lieber nichts zu tun haben. Die Perücken- und Hut-Eskapaden der Pet Shop Boys kamen ja dann erst später, in den 90ern.
Was mich ebenfalls von Beginn an reizte, war das ganze Setup der Band, bzw. dass es eben gar keine richtige Band war, sondern nur zwei Leute, von denen der eine sogar nur sang. Denn das hieß ja, dass der andere Typ da hinten die ganze Musik quasi ganz alleine macht mit seinen Keyboards, von denen er teilweise sogar mehrere um sich stehen hatte. Ich nahm an, dass diese Geräte unglaubliche Komplexität und Leistungsumfang besitzen mussten, und dass derjenige ein Genie sein muss, der all das beherrscht und dabei auch noch so lässig rüberkommt. Von technischen Errungenschaften wie Playback ahnte ich also nichts.
Im Gespräch mit Riley Reinhold über “Blank Generation” von Richard Hell & The Voidods (1977).
“Blank Generation” ist ein absoluter Punk-Klassiker. Kannst Du Dich noch daran erinnern, wann Du den Song zum ersten Mal gehört hast? Hattest Du eine Punk-Sozialisation in Deiner frühen Jugend?
Ich hab das Album gehört bei Freunden von mir. Gehört ist falsch, gesehen…weil vorspielen wollten sie mir das nicht. Die waren alle älter und hörten richtigen Rock, Südstaaten-Rock, Lynyrd Skynyrd, Deep Purple, Queen, und die Platte hatten sie im Cut-out-Shop vom Saturn ergattert (damals ein Paradies für Andersdenkende!), wo ich auch einige seltene Platten gekauft habe, die keiner wollte. Nun, sie konnten nichts damit anfangen, ich glaube es ging gar so weit, dass sie die Platte anwiderte. Wäre ich nicht dort gewesen, wäre die Platte in den Mülleimer gewandert und ich hätte nie was von ihm gehört. Ja nicht ganz, ich bin akribisch was die Historie von Musik angeht und habe noch nie der Musikindustrie Glauben geschenkt, das die wirklich erkennen können was cool ist. Das ist sicher auch der Antrieb gewesen, selbst mal ein Label wie Traum zu gründen.
Warum hast Du Dir diesen einen Song ausgesucht, und nicht das ganze dazugehörige Album? Wird in “Blank Generation” schon alles gesagt?
Ich würde sagen, dass hat damit zu tun, das erstens “Blank Generation” mit der beste Song von ihm ist, aber auch weil ich das Format 7“ liebe und ich damit viel Leidenschaft, ungetrübte Leidenschaft verbinde. Danach kam nichts mehr was mir so viel Freude bereitet hat. Ich bin denen nachgejagt und hab geschwitzt. Klingt doof, weiß ich.
Im Gespräch mit Heiko Hoffmann über “Violator” von Depeche Mode (1990).
Kannst Du Dich noch daran erinnern, wann und wie Du zum ersten Mal Depeche Mode bewußt gehört hast? Soweit ich mich erinnern kann, war es bei mir “Just Can’t Get Enough” bei ersten Clubbesuchen in jungen Jahren. Wie war es Bei Dir?
Das war bei mir ein paar Jahre später, wahrscheinlich war es sogar das Video zu “People Are People”, das auf 1984 auf Formel 1 lief. Ein Jahr später kaufte ich mir dann die Compilation “The Singles 81 – 85″. “Black Celebration” war dann das erste Album, das ich zur Veröffentlichung kennenlernte.
Rückblickend fand ich Depeche Mode damals gar nicht so herausragend. Ich mochte vor allem diesen Vince Clarke-Sound. Als der ausgestiegen war, fand ich dann auch erstmal Yazoo interessanter, und habe Depeche Mode erstmal lange Zeit eher nebenbei verfolgt. Dennoch haben sie sich ja ziemlich schnell von Clarke emanzipiert, wohingegen Clarke mit Yazoo und Erasure sehr ähnlich klang wie Depeche Mode in ihrer Frühzeit, auch wenn Andy Bell eher nach Alison Moyet klang als nach Dave Gahan. Hättest Du damals gedacht, dass Depeche Mode so erfolgreich werden würden?
Als ich Depeche Mode kennenlernte waren sie für mich schon wahnsinnig erfolgreich – zum Beispiel spielten sie ja schon auf der Tour zu “Black Celebration” in der Berliner Waldbühne.
Trotzdem war ich erstaunt, als ich sie letztes Jahr im Olympiastadion gesehen habe. Ein Paradox: Depeche Mode sind die einzige Band die ich kenne, zu deren Konzerte deutlich mehr Besucher kommen, als zu ihren Hochzeiten – und ohne das sichtbar neue Publikumsschichten erschlossen werden.
The first one is by Rinder and Lewis – “Lust”, which is kind of a space disco prototype so to say. For 1977 it was kind of a landmark record I guess.
For 1977, yes. I suppose Rinder and Lewis were a very prolific production team in the 70s and 80s. They made an awful lot of records, a lot of albums. That’s probably one of their most moody tracks. A lot of their stuff has got a 1920s, big band, Charleston influence to it. But I like a lot of their stuff. But some of it is unusual in its arrangement. That one’s got a slightly more mystical vibe to it.
Would you say they tried to explore their field a bit further with this record? You mentioned that a few of the other productions had certain influences, like the latin stuff for example. But this one is really something different, almost science fiction.
Yes, but that’s quite different from the rest of the “Seven Deadly Sins” album. I reckon it wasn’t a track that was made to be a hit. It was probably considered an album track. But with that weird bit in the middle with the glockenspiel, it goes into a sort of devil bit about two thirds of the way through. Which is very out of character with the rest of the record. But what I think is interesting about that is that you don’t get those sort of unexpected bits in records now. I guess when musicians are making records, it’s very different to when DJs are making records. Now, when DJs make records they just tend to have the same stuff going throughout the track, it just loops round and round. Maybe there might be some changes, but there’s nothing drastic coming in really loud. A bad DJ produced record might just be a bit boring, whereas a bad record from the 70s might have a great verse and a really terrible chorus. Or you might have something really cheesy. A lot of records now are just rhythm tracks made by DJs for mixing and whatever, whereas then you might have records that have got loads in them, maybe too much. But the reason that they’re not great is maybe because they’ve got too much in them. They might have some great musical parts, but the vocals are crap. I think I’m digressing a little bit. A lot of Rinder and Lewis stuff – have you got that album “Discognosis”?
No, I know the THP Orchestra stuff which I found really good.
Yeah, and there’s El Coco and Le Pamplemousse. I like that track. It’s always very well orchestrated, they always had a bit of money to make the records. It wasn’t done on a shoestring budget, they must have sold pretty well. I think El Coco’s “Cocomotion” is one of my favourites by them as well. Obviously a lot of the stuff on AVI was produced by them, they were putting out a lot of music. They must have lived in the studio in 76, 77, 78, 79.
This is also a really good example for what you can do if you’re a good arranger – the arrangements they did are really complex and beautiful. Is that something you miss? You talked of modern rhythm tracks and functionality – I think it’s hard to pull off these days because you don’t have budgets for studio work…
Yeah of course. I suppose you have to think, this is now and that was then. Record sales were much higher, I suppose disco was like r’n’b was 5 years ago in terms of its worldwide popularity. So there was a lot more money, obviously there weren’t downloads or people copying CDs. I don’t know what the sales figures were like of something like Rinder and Lewis, but it probably sold half a million or something like that. It’s a completely different time, in terms of being able to get a string section in for your record. I’ve paid for string sections before, but to be honest with you what I’ve found is a string section with 30-40 people is so different to a string section with 7 or 8 people. I’ve only been able to afford 6 or 7 people. It isn’t really a string section! Nowadays, with CD-ROMs and whatever you can make something that sounds pretty good – not the same – but pretty good with just samples. To really make it sound a lot better, you need a 30-40 piece, big room orchestra. People at Salsoul and a lot of them classic disco records had that big proper string arrangement. Also, paying someone to do the arrangement isn’t cheap if you get someone good. Very difficult to do that now. So yeah, I do miss it. But there’s no point missing something, it’s like saying “Oh, I wish they were still making Starsky and Hutch”.
As long as a glimpse of an orchestra won’t do, it doesn’t make sense?
I think the only it could make sense is if George Michael decides to make a disco album, or someone like that. He could afford it. Or Beyonce. Some big star. But your average dance record – I suppose Jamiroquai had some live strings on some of his stuff. But then again, he was selling a lot of records.
Doobie Brothers – What A Fool Believes (Warner Bros. Inc., 1979)
“What a Fool Believes” by the Doobie Brothers, which is a merger of rock and disco.
There’s other tracks, like the Alessi Brothers “Ghostdancer”… I suppose that just shows how popular disco music must have been at the time when people like The Doobie Brothers and Carly Simon were actually making disco records. I suppose it’s the same as nowadays people making a record with a more r’n’b type beat. Or at the beginning of house music, there were lots of pop acts making house records. I was listening to a best of ABBA a few years ago. It started off sort of glam-rock, sort of sweet, like Gary Glitter, that sort of production. And by the late seventies their stuff had got pretty disco-ey. And by 82 it was folky. So I think the disco beat was just featuring on a lot of productions by acts who just wanted to make a contemporary sounding record. That’s probably why a lot of the American rock establishment hated disco so much. It wasn’t just that it was there: their favourite acts were making disco records! They hated the fact the Rolling Stones made disco records, it just wasn’t allowed.
But the thing is, that when the disco boom ended, a lot of the rock acts who made disco records acted like they never did! They deserted it pretty quickly.
Yeah, once it became uncool they pretended they never liked it, it wasn’t their idea and all that. I tried to once do a compilation album of that sort of stuff. But it’s too difficult to license it all. They’re all on major labels, they’re all big acts, and it’s very hard to license that stuff. In fact I’d go as far as to say it’s impossible: just too difficult and expensive.
Was it just because of budget reasons, or because the acts didn’t want to be reminded of what they did in that area?
I think often those big acts have to approve every compilation album license. A lot of the time, for the people who work in the compilation album license department, it’s easier for them to say no than to write to the management of Supertramp or Queen. And often, if they do see a title that has disco in it, they will say no. And a lot of them won’t license the Rolling Stones to a comp that’s got a projected sales figure of less than half a million. There’s so many reasons why it’s problematic. You could do it, but you’d have to leave off so many tracks, there would hardly be any point doing it. I did have a chat with a major label about doing it and that was one that owned quite a lot of them. But it’s just so difficult. They want to see a big marketing budget, they want to see you spend a hundred grand on television adverts. Otherwise they just go, why are we on this compilation album?
I think it’s a shame really, there were so many good disco records done by major artists…
Yeah. I like a lot of those things. I’m doing this compilation for BBE which is maybe a similar thing, just it’s not all well known acts. People like Fleetwood Mac, they did that track “Keep On Going”, those sort of things. I guess it’s blue-eyed rocky soul. Quite danceable… it’s not all disco, but it’s not really rock either. More black music based. I always think, if you look at the back of a rock album and it’s got someone playing bongos on it, it’s worth checking out. Read the rest of this entry »
In discussion with Luke Solomon about “Snow Borne Sorrow” by Nine Horses (2005).
How did you come across “Snow Borne Sorrow”? Was it out of a longtime fondness for David Sylvian’s work?
First and foremost, I am a huge fan, probably since the age of 11. “Snow Borne Sorrow” I was actually turned on to by one of my oldest and closest friends. It was only a couple of weeks after release.
Why did you decide to discuss this album, and not another one of his many remarkable records? What makes this so special to you?
There are records and there are records. That’s my philosophy. I’ll elaborate. We all know the classics, there are lists of those everywhere. But I believe in personal classics. This to me, is music that happens along at a poignant time in your life. The stars are aligned, and bang, it’s like a spark, and epiphany. A moment that can be deemed as a marker. “Oh, that was the Snow Borne Sorrow time.” Or something. That was the “Snow Borne Sorrow part” of my life.
How would you describe “Snow Borne Sorrow”, also in comparison to other music Sylvian was involved with?
More than anything, on first listen it was the sound and the maturity of his voice. I listened to it recently on an 8000 pound pair of speakers, and I was blown away by the detail. Incredible. And then there are the songs, the subject matter, the arrangements. I could go on.
Im Gespräch mit Sven von Thülen über “Into The Dragon” von Bomb The Bass (1988).
Wie und wann bist Du auf Bomb The Bass gekommen? Als “Beat Dis” rauskam?
Ja, “Beat Dis” war ja ein Riesenhit, der ist auch an einem damals 11 oder 12-jährigen wie mir nicht vorbeigegangen. Es gab gleich neben unserer Schule eine Bibliothek, in der man Kassetten und CDs ausleihen konnte. Da gab es auch “Into The Dragon”. Ausleihen, überspielen und ab in den Walkman. Das Cover von “Beat Dis” war auch der Grund, warum ich damals für eine Weile mit einem Smiley-T-Shirt rumgerannt bin. Vollkommen ahnungslos.
Warum hast Du Dir “Into The Dragon” ausgesucht? Ist es für Dich exemplarisch für diese Phase 1987/88, als sich junge englische Produzenten mit sehr viel Enthusiasmus auf die Möglichkeiten des Samplings stürzten? Was für Qualitäten besitzt “Into The Dragon” für Dich?
Als das Album rauskam, war ich wie gesagt noch ziemlich jung. Und ich hätte es wahrscheinlich auch nicht mitbekommen, wenn es nicht in den Charts gewesen wäre. Ich habe mir damals auch die ersten Maxis von S’Express und Coldcut gekauft und auch einige von den kommerzielleren Acid-House-Samplern, die es gab, mit so Sachen wie “Jack To The Sound Of The Underground” von Hithouse oder D-Mobs “We Call It Acieed”. England war ein viel wichtigerer Pop-Bezugspunkt für mich als zum Beispiel die USA. Es gab zu der Zeit immer dienstags auf Bremen 4 die BBC Top 40 im Radio und im Anschluss die Top 20 der Independent Charts. Das waren meine wichtigsten musikalischen Quellen. Da hab ich zum ersten Mal A Guy Called Gerald gehört, The KLF , Inner City, Sugarcubes oder auch Pop-Punk wie Snuff. Dass ich mich gerade für “Into The Dragon” entschieden habe, hat unter anderem damit zu tun, dass das Album quasi meinen Einstieg in Club-Musik darstellt und es musikalisch Vieles vorweg genommen hat, was mir später wieder wichtig wurde. Damals konnte ich das alles gar nicht dechiffrieren. Bomb The Bass steht also exemplarisch für diese Zeit, deren Platten ich viele Jahre später unter ganz anderen Vorzeichen noch mal neu entdeckt habe. Wobei: Meine “Into The Dragon”-Kassette habe ich schon mit besonderer Hingabe geliebt. Die Tracks hatten diese unglaubliche Energie. Ich hatte ja keine Ahnung, was genau ein Sample ist, aber dieses collagenhafte hatte etwas von Achterbahn fahren, und das hat mich fasziniert. Das es irgendwie nach HipHop (damals sagte man noch Rap, oder täuscht mich da meine Erinnerung?) klang, aber viel elektronischer und bunter war, trug auch zur Faszination bei. Ich hab ein paar Mal ältere Kids zu “Megablast” und “Beat Dis” breaken sehen, das passte in meinen Augen wie Arsch auf Eimer. Das Album hat für mich auch nichts von seinem unmittelbaren, sehr jugendlichen Charme verloren. Es ist wirklich gut gealtert.
In discussion with Max Duley on “The Peel Sessions” by Napalm Death (1989).
Although I suspect it was a moment with long lasting consequences, can you tell where and when you first heard Napalm Death? Was it these very sessions when John Peel played them on his show?
I didn’t hear them on Peel’s show. I can’t remember the exact details of where I was when I first heard ND, but it was the compiled cassette release of the first two Peel Sessions (originally broadcast in 1987 & 1988) that I heard, and I can relate the background story: I grew up listening to music from my parents’ collection which included stuff like Frank Zappa, Springsteen, 10cc, Jimi Hendrix, The Beatles, Pretenders, Joe Jackson, Elvis Costello, Peter Gabriel and stuff like that. When I started high school at about 12 years old I made new friends and started to listen to a bit of pop and briefly got into some of the early acid house hits that made it into the UK pop charts around 1987-88. But all the while I was continuing to hear the music my dad was into. Being a guitarist himself, he would listen to virtuoso artists such as Steve Vai, Joe Satriani, and Alan Holdsworth. I found myself attracted to much of that, but in particular the heavier sounding tracks.
I clearly remember one day in a maths class in 1989, my old friend Alex with whom I’d also been at middle school called my name from behind me, and when I turned around he handed me a cassette tape: Iron Maiden’s “The Number Of The Beast”. I spent a weekend listening to it over and over, loving the attitude and pace. I think I then borrowed a Guns’n’Roses tape which I also enjoyed for a couple of days but which didn’t leave any lasting impression. Then a week or so later he lent me another tape: Metallica’s “Ride The Lightening”. I was sold. This was intense, angry stuff. I was 14, and probably a bit angry myself, I don’t know. About another week later again, Alex had introduced me to a couple of messy looking guys from the year above us who had longish hair and wore denim jackets. One of them lent me a new tape: Napalm Death’s first two Peel Sessions recordings.
Like I said, I don’t remember exactly the first time I listened to it. Doubtless I listened to it many, many times over just that first day. What I do know is that from that point on, everything I had heard previously seemed thin, weak, and vapid. Iron Maiden? No thanks! Metallica? A bit lightweight!
Within two weeks I had gone through a kind of musical rebirth and “other music” seemed to be from a previous existence. That was temporary (although long lasting) and I’ve long since gone back to most of the music I was into before that experience, but for several years I was unable to listen to and appreciate anything which did not attempt a similar intensity.
What made you opt for the Peel Sessions out of their back catalogue? Is it because you think it is the epitome of their work, or is it because you were introduced to the band by these recordings?
Primarily I chose it because of its significance in my musical evolution. It was the life-changing release, the springboard release that turned me from a music enthusiast into a music obsessive, despite having a couple of logical steps up to that springboard which whetted my appetite. But yes, I also consider these to be their finest recordings.
Some time in the late 1990s I remember reading an article by a musician who had been in a band which had recorded a John Peel session. He described arriving at the BBC studios to be greeted by a grumpy producer and engineer who treated them a bit roughly and hurried them into the recording booth telling them they only had an hour or so to do the whole thing. He also described how this treatment got the band a bit angry and how this resulted in the most intense and powerful studio performance his band ever achieved, and how he later came to understand and appreciate the way in which the producer and engineer had deliberately “produced” and “engineered” this intensity in them with their behaviour as well as their technical prowess. Relating this to the Napalm Death recordings, it’s interesting to imagine a band whose music was already so intense going through a similar sort of experience. At that time the label releasing their work, Earache Records, was a fledgling project, not the hugely successful international monster it later became. This meant that they could never have otherwise afforded access to the level of technology and studio expertise/experience available at the BBC. Of course, their other major studio recordings from that time (”Scum”, and “From Enslavement To Obliteration”) are partly defined by the rough quality, but the Peel sessions are on another level in terms of production and the band are incredibly tight, too. In particular the levels of the ridiculously distorted bass guitar and the use of reverb add a quality which is unheard on any of their other releases from around that time.
I should probably point out at this stage that I am only into the first few ND releases, up to “Mentally Murdered”.
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