DJ Mudds Spezialisten-Disco-Label hat sich einen Track vom deutschen Produzenten Icasol gesichert, der auch schon als Mujaba auf Four Roses Recordings ein paar funkelnde Deep House-Glanzlichter gesetzt hat. „Ongou“ hingegen ist ein lichtdurchfluteter Arpeggioboogie, der sich langsam über wohlige Strudel in einen stark erweiterten Bewusstseinszustand hinübergleiten lässt. Wer jemals über das Anschauen von Heißluftballons oder anderen freundlichen Schwebeobjekten über beeindruckender Landschaft ins Wonnedämmern geraten ist, ist hier mehr als gut aufgehoben. Die Idjut Boys verabschieden sich mit ihrem Remix vorerst von der eigenen Tradition von Disco in Dub, und markieren stattdessen tolldreist den vorläufigen Kulminationspunkt in Sachen überbalearischer, vollhippiesker Soft Rock-Ambience. Weit weit draußen.
This is from an old French movie soundtrack, „Le Casse“. I picked this for the string arrangement, because it puts a lot of emphasis on build-up, thus linking to the way Disco producers arranged strings for climactic dancefloor moments.
To be honest, I muss confess I don’t know Morricone’s works so well. I don’t think I have been a really big fan, partially because I don’t know it so well. My first impression of this track, which I didn’t know, was that it’s a formal composition. In my head I make a distinction between pop music, which has almost very definite rules, and people following it like Abba. It’s not formulaic, but there are very basic chord progressions that are based on Blues and Jazz that you can do in pop music and that have their own logic and their own progression. Many pop songs are actually the same song. “Good Times” by Chic is one kind of groove and twenty other songs sound exactly like it. It could be “Rapture” by Blondie or something. That’s pop music writing. And then you have soundtrack music writing and it has a different logic. It doesn’t have to follow a certain progression like in pop music, which has a reason and an impulse that keeps on pushing the song forward. When I heard this I thought it is a very good example of soundtrack music writing where you don’t really have to explain the logic of the chord progression, it just sets a mood. It makes an ambience. I think this is probably from 1967 to 71.
Good guess, it’s from 1971.
Because from 1972 on you start getting the big multi-track stuff, like Philly Disco and the more sophisticated pop, and this still sounds relatively simple. My first impression was it’s like a slightly cheaper copy of Burt Bacharach’s “Raindrops Keep Fallin’ On My Head”, but with more drama. It has some very formal devices, like it’s basically a minor key. But at some points he plays the same theme but he opens it up with a major key.
Lately all this beautifully orchestrated obscure library music back is popping up again and people scan back catalogues for songs groovy enough to suit a Disco context.
Yeah, that’s interesting, and I think there is a good reason for that. There is such a thing as real music, in the sense that there were people who did music for films, like Ennio Morricone, or Giorgio Moroder, with a more naïve use of the rules, or the very sophisticated Henry Mancini, or Alec Constandinos, or Vangelis, or Jean-Michel Jarre. All these people were obviously classically trained and they followed the rules. It doesn’t really matter if it’s a Bossa Nova, 60′s GoGo or a Disco beat, the rules of the music don’t change. I think that is why everybody is going back now to find real music. When people like Masters At Work appeared in the 90′s, people who didn’t know anything about the basic rules of music started making music. That’s why it sounds so awful, haha. A lot of the DJ produced music doesn’t have its own intrinsic logic and sense. And chords, progression and melodies have that intrinsic logic. That’s what’s been missing. So everyone of this generation who wants to find out what is really musical has to go back to the 60′s and 70′s, and there you find it everywhere actually.
> Carter Burwell – Blood Simple
This is from the soundtrack of the Coen Brothers debut film “Blood Simple”.
It’s from the 80′s I suppose.
Yes, it’s from 1987. It’s a mood piece with a synthetic feel to it.
I found the orchestration is simpler, but it’s similar to the previous song. Again, it’s not a pop song with intrinsic deep logic. Like Bach’s “Air On The G-String”, that is also some kind of pop music because it has a very definite logic. This one has a formal piano theme that sounds a bit like Erik Satie. Simple chord, simple melody, a little bit like Mozart’s “Eine kleine Nachtmusik”. It is not original, it is a formal piece, it follows a form that other people have created.
You could maybe alter its logic by just putting a beat under it, and by not adding much you would have a really moody dance track.
Yeah, actually this is the thing. To be honest, and many people are going to hate me for saying this, I’m not a big fan of Portishead. It’s very easy to make a mood piece. Anybody can do it. All you have to do is take a minor key and play some stuff over it, doesn’t really matter what. I think Portishead never even use a major key (laughs).
They don’t have to, really.
Yes. I think anybody writing good music should move between major and minor keys, that’s part of the magic. Since we now accept that some people make mood music, you can have a whole album of just melancholy. Personally, that doesn’t move me at all and I don’t find it very interesting. I think a lot of people in this generation think that this is a valid way to do music, for me it’s not enough. Salsoul records only have two or three keys but they do it so well, there are so many nuances.
I think the problem is that many people think they can only sound deep by using minor keys.
Yes, you’re right. That’s very true. If it’s not melancholy and it’s not moody then it’s not deep. Which is not true. That’s very profound what you just said. Read the rest of this entry »
There is a direct connection between the devaluation of music and artistic irresponsibility.
Status won’t necessarily last longer by being fully exploited.
Every trend you follow is trend less you could set.
For every older record you may disrespect, there is a blueprint you may imitate.
Every preset you use is an idea less that you could develop on your own.
If a virus wipes out every preset in existence, you might have to stop producing.
If you change your musical style, you could consider using the one you just left behind on the one you get into.
For every edit you make that just streamlines the original material, there is a DJ is capable of using just the original material you just deleted in the process.
Don’t release something that you won’t care about in the near future. You may block somebody who does.
You would be better off investing all you can afford into the mastering, distribution and design of the release you totally believe in, than investing the least possible into mastering, distribution and design of all the other releases you don’t really believe in.
Mixing is overrated; selection is not.
The performance aspects of digital DJing are alarmingly disproportionate to the convenience aspects of digital DJing.
Charts and playlists don’t oblige, they just give examples.
If you don’t earn enough money by DJing, you will not necessarily earn more if you start to produce.
If you don’t earn enough money by producing, you will not necessarily earn more if you start to DJ.
If you don’t earn enough money by producing and DJing, you will not necessarily earn more if you start a label.
There are more phrases to illustrate a positive feedback than “full support,” “top tune,” and “will play.”
Your demo as a Sendspace link in the MySpace inbox of the label of your choice will not give the impression that there is some thought behind your choice.
Ohaueha, über ein plockeriges Rhythmusfundament schichtet Solomun bei „Don’t Cry“ Pianoläufe und dramatischen Streichereinsatz, als wolle er Faze Action für das Electro House-Jetzt updaten. Das hat seine zugreifenden Momente, hätte aber ruhig gerne noch dramatischer sein dürfen, wenn man schon mal dabei ist. „The Way Back“ bietet plastillinen House mit Âme im Hinterkopf und einer Eric Kupper-Gedächtnis-Solo-Orgel, sehr sauber, aber auch etwas zu sauber und irgendwie untief. „Somebody’s Story“ ist ein Zwitter der vorherigen Stücke mit Mut zur Opulenz, der unbeirrt die Restnacht aufrechterhält, während draußen schon die Vögel zwitschern und die Sonne wenig später knallen wird, als wäre sie zwischenzeitlich auf wenige Kilometer herangerückt.
Rock und Disco, die wackelige Allianz. Auf so viele glückliche Aufeinandertreffen zwischen No New York und ELO kommen mindestens ebenso viele unglückliche, manifestiert in etlichen Auftragsspezialmixen kredibler Discotypen seit Dekaden, die an beiderlei Zielpublikum vorbei, meistens nur in beinharten Hi-NRG-Clubs bzw. Traktordissen und ihren modernen Pendants ihren Zweck erfüllten. Man stelle sich das vor wie Al Pacino auf der Tanzfläche in „Cruising“: fremder Turf, ungewohnte Rituale, falsche Bewegungen. Insofern gehen Holy Ghost den richtigen Weg. Ein bisschen Gniedelgitarrenpart geht schon und das unterschwellige 70erRockglorienzeitgefühl vermischt sich ganz proper mit den weitflächigen Insignien von Jetztzeitdisco, vor allem wenn man einfach so unbedarft und referenzstressbefreit ins Rund feuert wie hier geschehen. Run Roc hingegen der flirrend-stoische Part, sein Mix jagt die Chants und den Bass durch einen Echostrudel und geht beherzt ein paar Schritte in Richtung Mittneunziger-Trance. Also ingesamt eine prima Platte für Beardo-Apologeten, die schon mal zu ganz anderen Sachen getanzt haben.
Zum vierten Mal schiebt sich Four Roses nach vorn, zum zweiten Mal mit Danilo Plessow, der hier auf dem Titeltrack eine Sehnsucht nach flächendeckender Strobohypnose auslebt, mit erneut gewichtigen Ergebnissen. „Sun Sequence“ schwingt wie ein außer Kontrolle geratenes, überdimensioniertes Pendel über den Köpfen, stoisch und schwer. Die Sonne, um die es hier geht, hat nicht mehr viel Amtszeit vor sich und die Signale treffen mit einiger Verspätung, aber umso massiverer Wirkung ein. „Feel The Love“ ist ähnlich dunkel, kommt aber eher aus einem tiefen Gewölbe nach oben, wo es sich dann unvermutet als schwarzseidener Spotlight-Hustler entpuppt. Die Liebe, um die es hier geht, hat auch keine Zeit zu verlieren. Ein Blick muss reichen. Und reicht.
Herb LF kehrt zurück und verlängert den Höhenflug von Farside um eine weitere Katalognummer. Für all diejenigen, denen schon länger schwant, dass Deep House sich zur Zeit für den Konsensanschluss zu Techno zu oft in aseptischen Klängen verkalkuliert, gibt es hier einen äußerst wirkungsvollen Willkommensgruß. „Sunliner“ kreuzt im Blindflug Reese-Bass, Glockenspielohrwurm und warmes Flächenrauschen, das dürfte im richtigen Moment von der richtigen Hand am richtigen Ort in die Kategorie „schockierend“ fallen. Auch „Shake“ und „Down To The Sound“ gehen beherzt und weise mit den Zutaten um und haben noch dazu das Dub-As im Ärmel, ohne sich in Basic Channel-Konventionen zu veröden. Expertentum in frisch.
Hofuku Sochi im Live-Modus-Video-Audio-Mix im Hamburger Angelklub, und der Titel ist Programm. Wo die Krautrock-Elektroniker den Weltraum erforschten, kehren Stachy und Co. vor der eigenen Küste und tauchen weit runter. Der Sound ist jedoch durchaus vergleichbar. Es rumort und wabert, romantisiert drehen Bleep-Spiralen ihre Runden, später rücken ziemlich funktionstüchtige Dub-Basslines ein und es wird die Party forciert. Der freundlichste Ambient seit The Orb, mit entprechend lustig-anachronistischer Bildspur voller Cyberplankton und Sinuskurven, die an die seligen Zeiten erinnern, als X-Mix auf VHS der heiße Scheiß war. Dafür gehört ihnen die Calypso anvertraut und sie sollen solange auf große Erkundungsfahrt gehen, wie sie es für nötig erachten.
Die tanzbare Seite von Library Music wurde ja schon mal ab den mittleren 90ern im Zuge des damaligen Easy Listening-Hypes aufgedeckt, etwa von dem KPM-Sampler auf Strut und diversen halbseidenen Compilations aus Italien. Jetzt hat die anhaltende Begeisterung für das Kosmische wieder die Tore geöffnet, Raymond Scott ist wieder wer, und in den Archiven der Fließband-Studiotüftler der 60er bis 80er sollte auch noch zur Genüge Material abzugreifen sein, um bis zur nächsten Obskuritäten-Baisse Spezialwissen zu streuen. Nur machen den Job hier jetzt nicht mehr etwa The Karminsky Experience oder andere Zeitgenossen, sondern die Franzosen Alexis Le-Tan und Jess aus dem Tigersushi-Umfeld. Was sie zusammengetragen haben, klingt ähnlich wie zur ersten Renaissance: die funky Seite von Muzak, Auftragsdisco, sowohl einsetzbar um deine eingeweihten Freunde mit dem nächsten Checker-Mixtape zu überrumpeln, als auch als Hintergrundmusik für retro-futuristische Designideen. Das Genre bringt eine gewisse Formatfreude und Homogenität schon mit sich, aber diese Zusammenstellung ist trotzdem durchgehend treffsicher ausgeführt. Erfreulicherweise gibt es auch ein paar ziemlich gestörte Moog-Experimente, Flash Rock-Versuche und auch ein paar echte verhinderte Floorfiller zu hören. Vermutlich rutschen deren Komponisten schon bald wieder in den Schatten zurück, da heißt es zugreifen.
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